10 klassiske film Hollywood bør aldrig genindspille
At lave en klassisk film om er som at sætte dit barn til adoption. Du bør kun gøre det, hvis du har hårdt brug for kontanter, og selv da er det en tragedie. Vi håber, at sarkasmen her er indlysende, ligesom de moderne studiers grådighed, når det kommer til at ofre vores filmiske minder til fordel for den almægtige dollar.
Ville du spytte på en Van Gogh? Redigere Faulkner? Tæmme Tjajkovskij? Hvis dit svar er alt andet end et rungende "NEJ", så bed om tilgivelse. Husk: lav de mest subtile ændringer af Yodas hudtone i den re-mastered Star wars samling gjorde George Lucas til en paria, så lad dette være en advarsel til Hollywood: du forbliver relevant og essentiel for kultur og politik på grund af din kreativitet. Fortsæt med at udvinde den ressource og modstå fristelsen til at vende tilbage til helliget jord. Det er i din bedste interesse at overlade filmhistoriens sande perler til Criterion Collection, The Smithsonian og U.S. National Film Registry
Vi har allerede dækket 10 film, Hollywood vil uundgåeligt genindspille
Borte med vinden (1936)
At tilpasse Margaret Mitchells roman fra 1936 krævede et niveau af dedikation og storslåethed, som Hollywood aldrig havde oplevet. På mange måder Victor FlemingsBorte med blæsten blev guldstandarden for filmeposen. Den lader ingen sten stå uvendt med sin gennemgribende vision af antebellum syd i dens første halvdel, og den fuldstændige ødelæggelse af Amerikas indbyrdes kampe og forsøgene på genopbygning i den anden, filmen fra 1939 efterlader et indtryk, der er svært at ryste.
Vivien Leigh, Clark Gable og Hattie McDaniel leverede nogle af de mest mindeværdige præstationer af deres tid, fylder skærmen med skarpe kontraster af kviksølviske følelser, gammeldags maskulinitet og ironisk humor. Akkompagneret af Max Steiners bølge af et partitur, Borte med blæsten affyret på alle cylindere. Kunne den laves om i dag? Kun i navnet.
8 Casablanca (1942)
Tre år efter succesen med Borte med blæsten, tøffede Hollywood-studiesystemet sammen med dets merkantile produktion af film. De havde en formel, der virkede. Hvornår Casablanca kom ned af gedden som en tilpasning af det uproducerede skuespil, Alle kommer til Rick's, blev den sat i produktionsbanen for at fange tidsånden fra Anden Verdenskrig under den allierede invasion af Nordafrika.
Udgivelsen af filmen viste sig glimrende timet, og mens Casablanca nydt godt afkast på billetkontoret og en positiv reaktion fra pressen, krogede den ind i den offentlige bevidsthed godt efter sin første debut. Takket være et transcendent manuskript, der tilbyder mindeværdige replikker til hver scene i filmen, forbliver instruktøren Michael Curtiz' krigsdrama en af de mest udpræget romantiske film, der nogensinde er skabt. Humphrey Bogart og Ingrid Bergman brænder skærmen. Billedsproget, musikken og tonen er nærmest drømmeagtig, og hver gang man er færdig med at se Casablanca, vil du spille det igen.
7 Citizen Kane (1941)
Orson Welles var kun 26 år gammel, da han instruerede Borger Kane, der hælder en modenhed og gravitas ind i filmen, som få instruktører siden har matchet. Welles var en ivrig mand i teatret og brugte sine tidlige 20'ere dedikeret til scenen på trods af Hollywoods økonomiske fremskridt. Da hans tespiske bestræbelser efterlod ham behov for penge, fløj han ud til Los Angeles og underskrev efter en rundvisning i RKO-studierne en to-billede aftale med dets ledere.
Welles besad helt sikkert sociale gracer af Clooney-mærket, da den første gangs filminstruktør gik væk med en stor budget, uhæmmet manuskriptforfatterautonomi og instruktørmagtens guldstandard, rettighederne til den endelige nedskæring i redigeringsrum. I det væsentlige stolede de geniale hoveder hos RKO på dette midt i 20'erne kunstnere med nøglerne til riget.
Han spillede ofte tricks i studiet og arbejdede i døgndrift og lavede filmen præcis, som han havde forestillet sig den. Ikke kun er Borger Kane et varigt ikon for vintage Hollywood, bør det udråbes som bevis på, at store instruktører fortjener fuldstændig kreativ kontrol. Hvis publikum for hver ti afbrudte forsøg på storhed får et Borger Kane, så slår "Dictator Director"-spillet studiebureaukratiet i det lange løb.
Det er et vidunderligt liv (1946)
Selvom den ofte huskes som en julefilm, er Frank Capras rørende film fra 1946 et hjerteskærende drama i julemandsklædt træk. Tanker om selvmord, af den slags som George Bailey (James Stewart) oplever, er ikke til grin. Måske er det derfor, de bedste øjeblikke i filmen minder os om, at vi virkelig lever et vidunderligt liv.
Det er den slags film, der giver dig lyst til at kramme din familie og sætte farten ned i et minut. Den foragtelige skurk, Mr. Potter (Lionel Barrymore), får din hud til at kravle med sin egoistiske grusomhed, nærmest en opfordring til handling mod den sociale tendens til grådighed.
Det er et vidunderligt livhar sine rædselsøjeblikke, især når George Bailey ser, hvordan livet ville være uden ham. Capra instruerer disse sekvenser med en mareridtsagtig kvalitet, der hjemsøger lige så let som forsoningsscenerne. Der kan ikke gives nok komplimenter til Jimmy Stewart for denne præstation, og alene af den grund burde filmen forblive fuldstændig urørlig.
6 Cool Hand Luke (1967)
“Det, vi har her, er manglende kommunikation!" Sådan taler den sadomasochistiske kaptajn (Strother Martin) ind Cool hånd Luke, der illustrerer præcis forskellen mellem svage mænd af hans lighed og den ukuelige ånd hos mænd som Lucas "Luke" Jackson (Paul Newman). Donn Pearce og Frank R. Pierson skrev et lufttæt manuskript, der tilbød Mr. Newman sin tour de force-optræden på et sølvfad.
Cool hånd Luke kan aldrig gentages, fordi filmen er defineret af dens hovedrolleindehaver. Det mærke af frimodig arrogance og dybtliggende depression gjorde den blåøjede Newman til noget af et paradoks. Han trak den dramatiske cocktail af Hustleren, kun seks år tidligere, og han perfektionerede sit håndværk i tiden siden. I filmen spiller Newman en rablende dyrlæge fra Koreakrigen, der bliver hægtet af en kædebande for beruset at halshugge parkeringsautomater.
Tingene ser dystre ud for Luke, men mens han afsoner sin dom, genfinder han sin ihærdighed og bliver gennem en række retssager i fængslet den mest respekterede mand i fængslet. Ikke overraskende, Cool hånd Luke blev en af de mest respekterede film i historien.
5 The Godfather (1972)
Den, der genskaber Francis Ford Coppola-klassikeren, vil helt sikkert være antikrist. Ethvert forsøg på at genskabe Corleone-eposet ville være en levende fornærmelse mod biografen, mod Brando, Pacino, de Niro, Duvall, Cazale og de utallige andre kunstnere, der tog Mario Puzos bog og forvandlede den til et stykke ren poesi.
Hvordan begynder man at beskrive storslået i 1972-klassikeren? Den blinde bard behøvede ikke at beskrive Helen af Troja meget. Hun var bare så perfekt. Gudfaderen har bunkevis af litteratur dedikeret til sig, og på trods af filmverdenens kvalmende dissektion af gangster-eposet, vil samtalerne aldrig ophøre.
Temaer om respekt, ære og familie stikker dybt ind i Coppolas trilogi, og mens mange af Corleones har blod på hænderne, de elskede publikum med deres passion og inderlighed for liv. Produktionsværdierne er transcendente, og kontrasterne mellem karakterer som Michael og Sonny Corleone giver en virkelig sydende film.
4 The Graduate (1967)
"Fru. Robinson, du prøver at forføre mig. er du ikke?" Mike Nichols fylder sin anden film nogensinde med nok falliske referencer og billeder til at berettige en R-rating, men hans instruktør-udspekulation og klasse fik en forældrevenlig PG. Kandidaten blev grundpillen i Nichols og Dustin Hoffmans karrierer, med den understrøm af seksuel rastløshed og identitetskriser, der indkapslede æraen.
Selvfølgelig, at se Benjamin Braddock (Hoffman) sove med den eminent forførende Mrs. Robinson (Anne Bancroft) viste sig at være kontroversiel for tiden, men det gav publikum en af de mest humoristiske, engagerende historier om voksende alder, der blev filmatiseret. Foregået i 1960'erne, hvor den amerikanske nukleare familie havde langt mindre fission end atombomben, Nichols' skæve stød til kulturen (“plastik”) var avanceret, upåklagelig og uforlignelig.
3 On The Waterfront (1954)
På havnefronten var baseret på en håndfuld artikler udgivet i 1949, der afslørede brutaliteten og konflikten mellem New Jersey langshoremand, hvilket gjorde filmen til en chance for en gang i livet. Journalisten Malcolm Johnson leverede det ultimative kildemateriale til en film og gav instruktøren Elia Kazan den slags råvarer og realisme, som han altid stræbte efter at finde.
Kazan var berygtet for at provokere slagsmål og usikkerhed på sine sæt og tændte lunten til, hvad han håbede ville være en krudttøndeeksplosion, når kameraerne begyndte at rulle. Terry Malloy (Marlon Brando i en af hans mest varige roller) repræsenterer den helt amerikanske blåkravearbejder som havde et skud på ære og missede, narret til fornedrelse af sin dobbelte pøbelboss Johnny Friendly (Lee J. Cobb, den ultimative trussel på skærmen).
I sidste ende satte filmen spotlight på korruptionen i Hoboken Docks og gav filmgængere en del af livet, som aldrig kan gentages.
2 Lawrence of Arabia (1962)
Peter O'Toole er en sværvægter inden for filmhistorie, og selvom han på en eller anden måde undgik Akademiets gunst og undlod at vinde bedste mandlige hovedrolle for Lawrence af Arabien, hans skildring af T.E. Lawrence definerede Hollywood-helten. Tynd og uddannet med en engelsk lærds udsagn forvandler O'Toole Lawrence til en strålende cowboy af det arabiske sand.
David Leans epos fra 1962 portrætterer dens navngivne karakter som en britisk helt, der var med til at fremme Union Jacks succes på den arabiske halvø under den første verdenskrig. En regulær John Wayne var han dog ikke, og det var her O'Toole fandt plads til sine førsteklasses skuespilskoteletter. I filmen (genialt optaget af filmfotograf Freddie Young) har T.E. Lawrence er vist som en kriger, der er fyldt med tanker, i konflikt med hans voldelige og fredelige vaklen. Han bærer sin skyldfølte PTSD på sine beduinklædte ærmer, men i klassisk engelsk stil afholder hans egne bekymringer ham ikke fra at opfylde sin pligt.
O'Tooles Lawrence kæmper med sit ansvar, men bliver aldrig slugt af dem. Fremstillet godt efter udgivelsen af Borte med blæsten, Lawrence af Arabien kan med rette betragtes som en forlængelse af Victor Flemings epos, der viser Hollywood det grænseløse potentiale i filmisk historiefortælling.
1 A Clockwork Orange (1971)
At genskabe en Kubrick-film ville kræve en utrolig chutzpah. Hvordan ville man begynde at få adgang til den berømte instruktørs møjsommelige særlige tilgang til filmskabelse? Den måske mest urørlige indgang i hans oeuvre er En Clockwork Orange, en sand tur ned ad mentalt-ustabil bane, der inkluderer en af de mest sadistiske scener, der nogensinde er sat til den uskyldige "Singin' in the Rain." Stakkels Gene Kelly.
Alex (Malcolm McDowell) står i spidsen for den britisk-bundne bande af cockney-unge, der voldtager og plyndrer sig vej gennem et stadig mere ødelagt samfund. Det er en foruroligende og chokerende film, der angriber øjnene, mens de kaster maveslag mod vores følelse af moral og fornuft. Hvis der er et billede i filmen, der bedst fanger Kubricks evner, er det uden tvivl scenen hvor Alex har sine øjne mekanisk åbnet og tvangsfodret angrebsbilleder, der omleder hans hjerne.
Tak, Stanley.
-
Der har du det! Hvilke klassiske film synes du bør undtages fra en Hollywood-genindspilning? Fortæl os det i kommentarerne nedenfor!
NæsteX-Men: De bedste Halloween-historier, Klassificeret
Om forfatteren