'Inside Out' & Pixar Formula: Hvad hvis [Thing] havde følelser?
På vrangen er den nyeste spillefilm udgivet af Pixar Animation Studios, et firma, der nu har lavet fuld computeranimerede film i tyve år. Studiets biografudgivelser har omfattet en ganske eklektisk samling af hovedpersoner til dato, uanset om de er gammeldags legetøj, skabsboende monstre, midaldrende superhelte, futuristiske robotter eller endda bare en almindelig elleve-årig pige (i tilfælde af På vrangen's hovedperson, Riley).
Men ligesom Disney Animation Studios har visse eventyrtroper, som det besøger igen og igen, der findes helt sikkert gennemprøvede elementer i alle Pixars film til dato, ikke mindst det "Hvad hvis [ting] havde følelser?" (menneskelignende følelser, altså) forudsætninger, der har tjent som grundlag for en rimelig del af virksomhedens projekter.
Der er selvfølgelig undtagelser fra denne regel (De utrolige og Modig), men selv nogle af dem omhandler relaterede ideer (halsbåndene, der afslører hundes tanker i Op). Det er interessant at bemærke, hvordan den 'Pixar-formel' har udviklet sig og ændret sig fra film til film, i overensstemmelse med historien, der bliver fortalt - kulminerende til dato med
-
9 The Toy Story Movies (1995, 1999 og 2010)
Historier om livløse legetøj, der kommer til live, har eksisteret siden længe før verden blev introduceret til Woody, Buzz Lightyear og deres plastikfæller, men alligevel Toy Story (og dets efterfølgere) er i stand til at give en opfindsom variation af konceptet. Filmens legetøj er hverken helt barnligt i forhold til deres følelsesmæssige modenhed og livssyn (a la Pinocchio), og de er heller ikke helt voksne i deres tankesæt og personligheder. I stedet falder franchisens karakterer et sted i midten, psykologisk set; i stand til at forstå vanskelige emner som deres egen disponibilitet (læs: dødelighed), men på samme tid underlagt følelsesmæssige impulser mere på niveau med børnetænkning end voksenlogik.
Hvad gør Toy Story franchise så god (og relateret til filmgængere i alle aldre) er, at karakterernes adfærd i sidste ende er rodfæstet i bekymringer, som legetøj logisk set ville have - blive 'erstattet' i deres ejers hjerte af et mere skinnende nyt legetøj (søskenderivalisering), blive smidt ud, fordi de er gamle og faldefærdige (aldringsbekymringer) og så frem. Disse problemer taler naturligvis til børn og voksne på forskellige måder, og det gør det muligt Toy Story film for at fortsætte med at give genlyd hos folk i alle aldre, selv år efter de har set dem for første gang. Dette giver også det bittersøde øjeblik, hvor legetøjets mangeårige ejer Andy endelig forlader sine gamle venner (og symbolsk set sin barndom) for at blive elsket af en anden. Det er forudsat at du læseren har selv følelser.
8 A Bug's Life (1998)
En bugs liv, når du tænker over det, omhandler noget tungt emne (klassebaseret social ulighed, naturens hierarkiske tendenser, osv.), i betragtning af at det er en familievenlig film, hvor en af de løbende vittigheder er, at alle tror, at den Denis Leary-stemmede mariehøne er en kvinde. Ikke desto mindre giver denne fortælling om mærkelige cirkusfejl, der slår sig sammen med en myrekoloni for at bekæmpe en flok slemme græshopper, et ret indsigtsfuldt kig på nogle indviklede begreber - såsom, hvordan at være (i det væsentlige) slaveret kan forme en gruppes psykologi, til det punkt, hvor deres medlemmer aldrig sætter spørgsmålstegn ved (selv når de er alene) deres herres argument om, at forskellen i at stå mellem dem er "En af den slags 'Circle of Life'" (som Kevin Spaceys Hopper udtrykker det).
Sammenlignet med En bugs liv, den oprindelige Toy Story er (velsagt) mere innovativ med hensyn til konceptudførelse; eksempel, DreamWorks' Antz udgivet samme år som En bugs liv (1998, for at være præcis) og dykker måske endnu dybere ned i dens insektkarakterers psykologiske syn, samtidig med at de udforsker lignende narrative temaer. Uanset hvad er Pixars historie om myren Flik og hans venner et fint stykke animeret biograf - en der gør noget interessant med ideen om insekter, der lider af mange af de samme bekymringer (om deres arbejde og/eller deres plads i den store sammenhæng) som mange mennesker gør.
7 Monsters Inc. (2001)/Monsters University (2013)
Familievenlige film om eksistensen af hemmelige verdener befolket af monstre fandtes længe før Pixar introducerede filmgængere til James P. Sullivan og Mike Wazowski (se Små monstre, udgivet tilbage i 1989), men Monster, Inc. tager bestemt konceptet om et monstersamfund, der er drevet af børns skrig, i en kreativ og unik retning. Men fordi Monstre universet fungerer ikke nødvendigvis så forskelligt fra den menneskelige verden (dets borgere vokser op, har job og fortsætter deres liv, ligesom almindelige mennesker gør), figurerne i Monsters Inc. og dens prequel Monsters Universitet har personligheder og adfærdstræk, ligesom en person på samme alder ville.
Karakterer i Monstre franchise er måske ikke helt så interessant at psykoanalysere som dem i Toy Story film (af den grund), men på samme tid giver dette disse film mulighed for at udforske problemer, der er mere umiddelbart relaterbare. For eksempel, hvor en karakter som Woody ofte ender i situationer, hvor han skal håndtere mere generaliserede eksistentielle spørgsmål, 'Sully' og Mike kæmper med at nå deres karriereambitioner, undersøge moralen i deres arbejde, komme i kontakt med deres forældreinstinkter og så frem. Det endelige resultat: Monstre film er anderledes, men på mange måder lige så tankevækkende som andre Pixar-film, når det handler om at have følelsesmæssigt mangefacetterede karakterer.
6 Finding Nemo (2003)
Find Nemo, svarende til Pixars Monstre film, adresserer en række lettilgængelige (men samtidig komplicerede) følelsesmæssige dilemmaer, omend gennem linsen af en fortælling om fisk, havskildpadder og andre forskellige væsner, der lever i ocean. Marlins umiddelbare forsøg på at redde og beskytte sin søn Nemo (såvel som hans interne kamp for at acceptere, at Nemo vokser op) er den slags ting, enhver forælder kunne relatere til, som er Nemos ungdommelige ønske om at flytte sine grænser og udvide sin horisont, der er typisk for din gennemsnitligt menneskeligt barn (det samme gælder for Dorys behov for en vis følelsesmæssig/familiær stabilitet, så hun bedre kan håndtere sin mentale tilstand).
Samtidig er filmens akvatiske omgivelser dog mere på linje med præ-Monsters Inc. Pixar filmer universer i forhold til, hvor lidt det strukturelt minder om det menneskelige samfund. Så i den forstand, Find Nemo markerer et vigtigt udviklingspunkt for Pixar med hensyn til, hvordan det udviklede studiets "formel" på det tidspunkt; blanding af meget relaterbare følelsesmæssige problemer (og psykologiske reaktioner danner karaktererne), men inden for konteksten af en meget anderledes verden. Det bliver spændende at se, hvordan den kommende efterfølger At finde Dory spiller ud og afviger (eller gør ikke) fra den tilgang, alt taget i betragtning.
5 Cars (2006)/Cars 2 (2011)
Det Biler film har bestemt deres tilhængere, men de er også generelt udpeget som værende Pixars svageste filmtilbud til dato. Det kan til dels skyldes karaktererne i Biler franchise er de mindst opfindsomme med hensyn til deres psykologi sammenlignet med andre Pixar-kreationer. Hvorimod legetøjet fra Toy Story har en meget unik tankegang (igen, et sted mellem barnlig og voksen), for eksempel dette serien tager en ligetil og mindre opfindsom tilgang til at antropomorfisere sit køretøj tegn. Som sådan er Mater dybest set en trækvogn, der opfører sig som Larry the Cable Guy (i en børnefilm), Doc Hudson er i bund og grund Paul Newmans persona på skærmen i form af en Hudson Hornet fra 1951, og så frem.
Dermed ikke sagt karakterer som f.eks Biler Hovedpersonen Lightning McQueen mangler følelsesmæssig dybde og/eller kæmper med problemer, der ikke er universelt tilgængelige. Det Biler film kæmper simpelthen ikke med de komplekse psykologiske forhold, som andre Pixar-film har en tendens til at inkorporere via deres egne respektive universer. Fordelen er, at den følelsesmæssige hindring og problemer, som bilerne står over for Biler franchises er måske det nemmeste for medlemmer af juicebox-skaren (filmens måldemografi) at forholde sig til; Når de bliver ældre, kan disse film dog blive mindre interessante for dem end andre Pixar-titler af den grund.
4 Ratatouille (2007)
Flere Pixar-film har dog vist både menneskelige karakterer og ikke-menneskelige hovedpersoner Ratatouille er usædvanligt, idet det kommer meget tættere på at bruge lige meget tid på at udforske begge karaktertypers psykologi og tænkeprocesser (her, mennesker og rotter) med dens fortælling. Rottesamfundet i filmen ligner insektverdenen i En bugs liv; hovedpersonen Remy er også lidt ligesom Flik, idet begge karakterer er tættere på at være mennesker personligheder fanget i ikke-menneskers kroppe, hvorimod deres jævnaldrende har en helt anden følelsesmæssigt syn. Begge hovedpersoner har også lignende kreative drifter, fantasier og ønsker om at bryde konventioner, der falder mere på den voksne (hvis noget naive) skala af følelsesmæssig kompleksitet.
Imidlertid, Ratatouille går længere end En bugs liv, idet den bruger rottesamfundet som et spejl for den menneskelige verden (og omvendt). Mennesker har generelt været til stede (om end blot som en del af baggrunden) i de fleste Pixar-filmuniverser, bortset fra Biler, men i Ratatouille der er flere mennesker, der besidder udfyldte personligheder og drømme/ønsker, parallelt med dem for de forskellige rottekarakterer. Kombineret med visse andre aspekter (som sekvenserne, hvor Remy interagerer med sin forestillede version fra Gusteau), hæver dette filmen et godt stykke over at være en simpel variation af afprøvede og ægte Pixar-troper.
3 WALL-E (2008)
Kærlighedshistorie for robotter efter miljøsammenbrud WALL-E indeholder en håndfuld referencer til Stanley Kubricks arbejde (specifikt, 2001: A Space Odyssey), mens selve filmen på mange måder nærmest føles som en Kubrick-sci-fi-vision, der blev ført ud i livet af de mere humanistiske historiefortællere hos Pixar. Som sådan er robotterne af WALL-E er stort set rudimentære og funderet i deres følelsesmæssige ønsker og udtryksevne, men alligevel er der en kompleksitet ved antropomorfiserede maskiner som WALL-E og EVE, der minder om Toy Story karakterer (læs: de er et sted mellem voksen- og børneagtig personlighed). Tilsvarende robotter af WALL-E er i høj grad drevet af det samme grundlæggende, men meningsfulde ønske som Woody og selskab: behovet (eller ønsket) for kærlighed.
De menneskelige spillere i WALL-E ikke rigtig kommer i spil før i anden halvdel af filmen, og er dermed ikke gennemsyret af den følelsesmæssige kompleksitet, som personerne i Ratatouille havde (eller dem i mere menneskeorienterede Pixar-film, som De utrolige og Op). Men den menneskelige historie tråd af WALL-E drejer sig om ideen om, at mennesker i fremtiden skal genvinde deres menneskelighed, hvilket gør det muligt for ikke-robotspillere i fortællingen at gennemgå deres egne følelsesmæssige rejser - og viser dermed, at i en verden, hvor robotter kan have følelser, er der altid håb for deres menneskelige opfindere også.
2 Konklusion
Spørgsmålet om "Hvad hvis [ting] havde følelser?" er en, Pixar har udforsket mange gange i løbet af de to årtier, siden de begyndte at lave lange animationsfilm. Studiets originale historier om ikke-mennesker, der er i stand til at tænke (og især følelse) har givet værdifuldt indblik i alt fra det grundlæggende følelsesmæssige behov for kærlighed (det Toy Story film) til, hvad det overhovedet vil sige at have følelser og følelser i første omgang (WALL-E).
På vrangen fortsætter med at udforske den forudsætning på nye og spændende måder, og 2015's anden Pixar-udgivelse (Den gode dinosaurus) kunne godt klare lige så meget med sin egen variation af det samme koncept (som fremtidige Pixar-tilbud). Bare rolig, men der vil også altid være plads til os fjollede mennesker på billedet.
1 NÆSTE: Inside Out anmeldelse
På vrangen spiller nu i biograferne. Den gode dinosaurus åbner i biograferne den 25. november 2015.
NæsteHver version af Spider-Man, rangeret fra svageste til mest kraftfulde