10 klassische Filme, die Hollywood niemals neu machen sollte
Die Neuverfilmung eines Filmklassikers ist, als würde man sein Kind zur Adoption freigeben. Sie sollten es nur tun, wenn Sie dringend Bargeld benötigen, und selbst dann ist es eine Tragödie. Wir hoffen, dass der Sarkasmus hier offensichtlich ist, ebenso wie die Gier der modernen Studios, unsere filmischen Erinnerungen zugunsten des allmächtigen Dollars zu opfern.
Würden Sie auf einen Van Gogh spucken? Faulkner bearbeiten? Tschaikowsky zähmen? Wenn Ihre Antwort alles andere als ein klares „NEIN“ ist, dann beten Sie um Vergebung. Denken Sie daran: Nehmen Sie die subtilsten Änderungen an Yodas Hautton in der Neufassung vor Krieg der Sterne Sammlung machte George Lucas zu einem Ausgestoßenen, also sei dies eine Warnung an Hollywood: Du bleibst aufgrund deiner Kreativität für Kultur und Politik relevant und unverzichtbar. Bauen Sie diese Ressource weiter ab und widerstehen Sie der Versuchung, geheiligten Boden zu runderneuern. Es liegt in Ihrem Interesse, die wahren Schätze der Filmgeschichte der Criterion Collection, The Smithsonian und dem U.S. National Film Registry zu überlassen
Wir haben schon abgedeckt 10 Filme, die Hollywood unweigerlich neu machen wird, aber hier ist unsere Liste der 10 Filme, die Hollywood machen sollte Niemals Neuauflage:
Vom Winde verweht (1936)
Die Adaption von Margaret Mitchells Roman von 1936 erforderte ein Maß an Hingabe und Grandiosität, das Hollywood noch nie erlebt hatte. In vielerlei Hinsicht ist Victor FlemingsVom Winde verweht wurde zum Goldstandard für das Filmepos. Er lässt nichts unversucht mit seiner weitreichenden Vision des südlichen Antebellums in seiner ersten Hälfte und der völligen Zerstörung von Amerikas Machtkämpfe und Wiederaufbauversuche im zweiten, dem Film von 1939, hinterlässt einen schwer zu überschauenden Eindruck Shake.
Vivien Leigh, Clark Gable und Hattie McDaniel lieferten einige der denkwürdigsten Auftritte ihrer Zeit, die den Bildschirm mit starken Kontrasten aus quecksilbernen Emotionen, alter Männlichkeit und Ironie füllt Humor. Begleitet von Max Steiners Groundwell einer Partitur, Vom Winde verweht auf allen Zylindern gezündet. Könnte es heute neu gemacht werden? Nur dem Namen nach.
8 Casablanca (1942)
Drei Jahre nach dem Erfolg von Vom Winde verweht, tuckerte das Hollywood-Studiosystem mit seiner kaufmännischen Produktion von Filmen. Sie hatten eine Formel, die funktionierte. Wann Casablanca kam als Adaption des unproduzierten Stücks den Hecht herunter, Jeder kommt zu Rick's, wurde es auf die Überholspur der Produktion gebracht, um den Zeitgeist des Zweiten Weltkriegs während der Invasion der Alliierten in Nordafrika einzufangen.
Die Veröffentlichung des Films erwies sich als brillant, und während Casablanca erfreute sich großer Kassenrenditen und einer positiven Resonanz von der Presse, es wurde lange nach seinem ersten Debüt ins öffentliche Bewusstsein gerückt. Dank eines transzendenten Drehbuchs, das einprägsame Zeilen für jede Szene des Films bietet, bleibt das Kriegsdrama von Regisseur Michael Curtiz einer der ausgeprägtesten romantischen Filme, die je geschaffen wurden. Humphrey Bogart und Ingrid Bergman versengen den Bildschirm. Die Bilder, die Musik und der Ton sind fast traumähnlich und jedes Mal, wenn du zu Ende schaust Casablanca, Sie möchten es erneut spielen.
7 Bürger Kane (1941)
Orson Welles war erst 26 Jahre alt, als er Regie führte Citizen Kane, das dem Film eine Reife und Schwere verleiht, die seitdem nur noch wenige Regisseure erreicht haben. Als leidenschaftlicher Mann des Theaters verbrachte Welles seine frühen 20er Jahre damit, sich trotz der finanziellen Fortschritte Hollywoods der Bühne zu widmen. Als er wegen seiner Theaterarbeit Geld brauchte, flog er nach Los Angeles und unterschrieb nach einer Tour durch die RKO-Studios einen Zwei-Bild-Vertrag mit deren Führungskräften.
Sicherlich besaß Welles die soziale Anmut der Marke Clooney, als der erstmalige Filmregisseur mit einem kräftigen Budget, ungezügelte Autonomie beim Drehbuchschreiben und, der Goldstandard der Regiebefugnis, die Rechte zur endgültigen Kürzung des Films Redaktionsraum. Im Wesentlichen vertrauten die brillanten Köpfe von RKO dieser Mitte der 20er Jahre Künstler mit den Schlüsseln zum Königreich.
Er spielte dem Studio oft Streiche und arbeitete rund um die Uhr, um den Film genau so zu machen, wie er es sich vorgestellt hatte. Ist nicht nur Citizen Kane Als bleibende Ikone des Vintage-Hollywoods sollte es als Beweis dafür angepriesen werden, dass großartige Regisseure die vollständige kreative Kontrolle verdienen. Wenn das Publikum für alle zehn fehlgeschlagenen Versuche, Größe zu erreichen, einen bekommt Citizen Kane, dann schlägt das Glücksspiel "Dictator Director" auf Dauer die Studiobürokratie.
Es ist ein wunderbares Leben (1946)
Obwohl er oft als Weihnachtsfilm in Erinnerung bleibt, ist Frank Capras berührender Film von 1946 ein herzzerreißendes Drama im Weihnachtsmannkostüm. Selbstmordgedanken, wie sie George Bailey (James Stewart) erlebt, sind nicht zum Lachen. Vielleicht erinnern uns deshalb die besten Momente im Film daran, dass wir tatsächlich ein wundervolles Leben führen.
Es ist die Art von Film, die Sie dazu bringt, Ihre Familie zu umarmen und die Dinge für eine Minute zu verlangsamen. Der verabscheuungswürdige Bösewicht Mr. Potter (Lionel Barrymore) lässt Ihre Haut mit seiner selbstsüchtigen Grausamkeit krabbeln und ist fast ein Aufruf zum Handeln gegen unsere gesellschaftliche Neigung zur Gier.
Es ist ein wunderschönes Lebenhat seine Schreckensmomente, besonders wenn George Bailey sieht, wie das Leben ohne ihn wäre. Capra inszeniert diese Sequenzen mit einer alptraumhaften Qualität, die genauso schnell verfolgt, wie die Versöhnungsszenen beliebt sind. Für diese Leistung kann Jimmy Stewart nicht genug Komplimente gemacht werden, und schon deshalb sollte der Film völlig unantastbar bleiben.
6 Coole Hand Lukas (1967)
“Was wir hier haben, ist das Versäumnis, zu kommunizieren!“ So spricht der sadomasochistische Kapitän (Strother Martin) in Coole Hand Lukas, das genau den Unterschied zwischen schwachen Männern seiner Art und dem unbeugsamen Geist von Männern wie Lucas „Luke“ Jackson (Paul Newman) illustriert. Donn Pearce und Frank R. Pierson verfasste ein luftdichtes Drehbuch, das Mr. Newman seine Tour-de-Force-Performance auf dem Silbertablett bot.
Coole Hand Lukas kann nie wiederholt werden, weil der Film von seinem Hauptdarsteller definiert wird. Diese Art von arroganter Arroganz und tiefsitzender Depression machten den blauäugigen Newman so etwas wie ein Paradox. Er hat diesen dramatischen Cocktail gezaubert Der Hustler, nur sechs Jahre zuvor, und er hat sein Handwerk in der Zeit perfektioniert. In dem Film spielt Newman einen aufrührerischen Koreakriegsveteranen, der sich einer Kettenbande anschließt, weil er betrunken Parkuhren enthauptet.
Für Luke sieht es düster aus, aber während er seine Strafe verbüßt, entdeckt er seine Hartnäckigkeit wieder und wird durch eine Reihe von Gefängnishofprozessen der angesehenste Mann im Gefängnis. Nicht überraschend, Coole Hand Lukas wurde zu einem der angesehensten Filme der Geschichte.
5 Der Pate (1972)
Wer den Francis Ford Coppola Klassiker neu auflegt, wird sicherlich der Antichrist sein. Jeder Versuch, das Corleone-Epos neu zu erfinden, wäre eine lebende Beleidigung für das Kino, für Brando, Pacino, de Niro, Duvall, Cazale und die unzähligen anderen Künstler, die Mario Puzos Buch genommen und in ein Stück pure verwandelt haben Poesie.
Wie lässt sich die Pracht des Klassikers von 1972 beschreiben? Die blinde Barde brauchte Helena von Troja nicht viel zu beschreiben. Sie war einfach so perfekt. Der Pate hat Unmengen von Literatur gewidmet, und trotz der ekelerregenden Zergliederung des Gangsterepos in der Filmwelt werden die Gespräche nie aufhören.
Die Themen Respekt, Ehre und Familie sind tief in Coppolas Trilogie verankert, und während viele der Corleones Blut an den Händen haben, machten sie sich mit ihrer Leidenschaft und Inbrunst für das Publikum beliebt Leben. Die Produktionswerte sind transzendent und die Kontraste zwischen Charakteren wie Michael und Sonny Corleone sorgen für einen wirklich knisternden Film.
4 Der Absolvent (1967)
"Frau. Robinson, du versuchst mich zu verführen. Bist du nicht?" Mike Nichols füllt seinen zweiten Film mit genügend phallischen Referenzen und Bildern, um ein R-Rating zu rechtfertigen, aber seine Regielist und seine Klasse haben einen elternfreundlichen PG durchgehalten. Der Absolvent wurde zur tragenden Säule der Karrieren von Nichols und Dustin Hoffman, mit jener Unterströmung von sexueller Unruhe und Identitätskrisen, die die Ära einkapselte.
Klar, Benjamin Braddock (Hoffman) beim Schlafen mit der überaus verführerischen Mrs. Robinson (Anne Bancroft) erwies sich für die damalige Zeit als umstritten, aber es gab dem Publikum eine der humorvollsten und fesselndsten Coming-of-Age-Geschichten, die verfilmt wurden. In den 1960er Jahren, als die amerikanische Kernfamilie weit weniger Kernspaltung hatte als die Atombombe, stößt Nichols schief auf die Kultur („Kunststoffe“ war fortschrittlich, tadellos und unnachahmlich.
3 Am Wasser (1954)
An der Uferpromenade basierte auf einer Handvoll Artikeln, die 1949 veröffentlicht wurden und die Brutalität und Machtkämpfe unter den Hafenarbeitern von New Jersey aufdeckten, was den Film zu einer einmaligen Gelegenheit machte. Als ultimatives Ausgangsmaterial für einen Film lieferte der Journalist Malcolm Johnson dem Regisseur Elia Kazan die Art von Rohware und Realismus, die er immer gesucht hatte.
Kazan war berüchtigt dafür, Kämpfe und Unsicherheiten an seinen Sets zu provozieren und die Zündschnur für eine, wie er hoffte, Pulverfassexplosion zu entzünden, sobald die Kameras anfingen zu laufen. Terry Malloy (Marlon Brando in einer seiner beständigsten Rollen) repräsentiert den rein amerikanischen Arbeiter der eine Chance auf Ruhm hatte und verfehlte, der von seinem doppelzüngigen Mafia-Boss Johnny Friendly (Lee J. Cobb, die ultimative Bedrohung auf dem Bildschirm).
Letztendlich rückte der Film die Korruption in den Hoboken Docks ins Rampenlicht und gab den Filmbesuchern ein Stück Leben, das nie reproduziert werden kann.
2 Lawrence von Arabien (1962)
Peter O’Toole ist ein Schwergewicht in der Filmgeschichte, und obwohl er sich irgendwie der Gunst der Akademie entzog und es nicht geschafft hat, als bester Schauspieler zu gewinnen Lawrence von Arabien, seine Darstellung von T.E. Lawrence definierte den Hollywood-Helden. Dünn und gebildet mit der Aussprache eines englischen Gelehrten verwandelt O’Toole Lawrence in einen brillanten Cowboy des arabischen Sandes.
David Leans Epos von 1962 porträtiert seinen gleichnamigen Charakter als britischen Helden, der während des ersten Weltkriegs zum Erfolg des Union Jack auf der arabischen Halbinsel beigetragen hat. Ein normaler John Wayne war er jedoch nicht, und hier fand O'Toole Platz für seine erstklassigen schauspielerischen Fähigkeiten. In dem Film (brillant gedreht von Kameramann Freddie Young), T.E. Lawrence wird als ein von Gewissensbissen erfüllter Krieger dargestellt, der von seinen gewalttätigen und friedlichen Schwankungen in Konflikt geraten ist. Er trägt seine von Schuldgefühlen geplagte PTSD auf seinen beduinengekleideten Ärmeln, aber im klassischen englischen Stil halten ihn seine eigenen Sorgen nicht davon ab, seine Pflicht zu erfüllen.
O'Tooles Lawrence kämpft mit seiner Verantwortung, wird aber nie von ihnen geschluckt. Gut produziert nach der Veröffentlichung von Vom Winde verweht, Lawrence von Arabien kann zu Recht als eine Erweiterung von Victor Flemings Epos angesehen werden, die Hollywood das grenzenlose Potenzial des filmischen Geschichtenerzählens zeigt.
1 Ein Uhrwerk Orange (1971)
Die Neuverfilmung eines Kubrick-Films würde unglaubliche Chuzpe erfordern. Wie würde man auf die akribisch besondere Herangehensweise des berühmten Regisseurs an das Filmemachen zugreifen? Der vielleicht unantastbarste Eintrag in seinem Oeuvre ist Ein Uhrwerk Orange, eine wahre Reise auf eine mental instabile Spur, die eine der sadistischsten Szenen enthält, die jemals für das unschuldige „Singin‘ in the Rain“ spielten. Armer Gene Kelly.
Alex (Malcolm McDowell) führt die in Großbritannien lebende Gang von Cockney-Jugendlichen an, die sich ihren Weg durch eine zunehmend zerrüttete Gesellschaft vergewaltigen und plündern. Es ist ein schockierender und schockierender Film, der die Augen angreift, während er unserem Sinn für Moral und Vernunft einen Schlag versetzt. Wenn es ein Bild im Film gibt, das Kubricks Fähigkeiten am besten einfängt, dann ist es zweifellos die Szene in dem Alex seine Augen mechanisch aufgerissen hat und seine angreifenden Bilder zwangsernährt werden, die seine neu verdrahten Gehirn.
Danke, Stanley.
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Hier hast du es! Welche Filmklassiker sollten Ihrer Meinung nach von einem Hollywood-Remake ausgenommen werden? Lass es uns in den Kommentaren unten wissen!
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