Las películas más subestimadas de 2020

Estas son algunas de las películas más subestimadas del año 2020. 2020 fue testigo de escasos estrenos de gran éxito, aunque coincidió con las alturas récord de taquilla (Vengadores Juego Final, bufón) de 2019 habría sido difícil incluso sin el inicio de la pandemia.

Sin embargo, la caída sin precedentes en la taquilla debido a los retrasos en los horarios de estreno de la película más esperada era algo que nadie había previsto. Sin duda, las experiencias de visualización de películas se han trasladado al ámbito digital, lo que ha permitido que ciertas empresas independientes se conviertan en el centro de atención. Aunque, este fenómeno ha llevado inadvertidamente a que ciertas gemas ocultas pasen desapercibidas, otorgándoles el estatus de “subestimado”, a menudo debatido.

Estas películas terminan siendo pasadas por alto debido a una plétora de factores, incluida una evaluación crítica incomprensible y unos esfuerzos de marketing deficientes. Estas son algunas de las películas más subestimadas de 2020, que van desde las fervientemente evocadoras hasta las profundamente inquietantes.

12 El otro cordero

Debut en inglés de Małgorzata Szumowska, El otro cordero, narra la historia de un culto religioso exclusivamente femenino encabezado por un líder masculino tóxico llamado El Pastor (Michiel Huisman), que aprovecha su carisma para respaldar las normas de género regresivas y las actos sádicos. Como la mayoría de las sectas, el statu quo entre líder y seguidor tiene sus raíces en la manipulación y el juego de poder bruto, donde esta dinámica plantea preguntas que vale la pena considerar. Dado que la voluntad humana es naturalmente reacia a estar encadenada, ¿cuáles son las razones inherentes a la unión de un colectivo para dedicarse a una forma de vida tan degradante, dañina y desquiciada?

Las respuestas no son simples, ya que aquí entran en juego varios factores psicosociales, explorados en películas destacadas como El hombre de mimbre y Midsommar. El otro cordero aborda esta premisa a través de la lente de Selah (Raffey Cassidy), quien crece para albergar dudas sobre el líder, ya que su férreo control impide que las mujeres ejerzan pensamientos independientes o comportamiento. El sistema de creencias central de Selah se hace añicos cuando comienza a desentrañar la oscura verdad detrás de las maquinaciones del líder, dando paso a un aura de inquietud persistente. El otro cordero también se adentra en lo surrealista a través de sus secuencias oníricas, cuyo resultado final es asombroso a la vista. Sin embargo, el final parece abrupto, ya que la narrativa podría haber sido mucho más impactante, dada su conmovedora premisa.

11. Yegua

Dirigida por Jeff Baena y coescrita por Alison Brie, Yegua sigue a Sarah (Brie), una mujer incómoda e insegura socialmente, que parece albergar eternamente una profunda tristeza en su interior. Sarah lleva la vida tranquila por excelencia mientras trabaja en una tienda de manualidades y mira en exceso su serie de ciencia ficción favorita. Purgatorio. Sin embargo, debajo de este pintoresco escenario se esconde algo verdaderamente siniestro, ya que, después de unos minutos de película, queda claro que Sarah no es quien parece, ya que las personas que la rodean parecen desconfiar de ella, ya que muestra signos de que alguien ha perdido el control sobre ella. realidad.

La paranoia de Sarah se traduce en señales visuales sutiles, que incluyen lapsos de memoria inexplicables, fallos percibidos en la realidad alimentados por un deja vu y una obsesión por su ascendencia. Esto culmina en terroríficos estados de sueño lúcido, que evoca preguntas. Yegua lucha por responder. La brecha entre la realidad y el engaño se vuelve tan amplia al final, que el descenso de Sarah a la locura se presenta como un punto final natural, una trayectoria destinada, que no puede ser influenciada, descarrilada o alterado. Sin embargo, Alison BrieLa actuación de Sarah es un testimonio de su rango, especialmente cuando su vulnerabilidad alcanza un punto de inflexión durante ciertas escenas intensas e inquietantes.

10. La fotografía

Pocas películas centradas en el romance son capaces de crear una historia que valga la pena apoyar, en la que los protagonistas comparten una chispa eléctrica genuina que parece fortuita por naturaleza. La historia del periodista Michael (LaKeith Stanfield) y la curadora del museo Mae (Issa Rae) refleja este sentimiento esquivo, en el que los dos se encuentran después de que el primero se topa con el trabajo fotográfico de la difunta madre del segundo mientras investiga un historia. La fotografía es una saga de amor que abarca décadas, una que eclipsa las limitaciones del espacio y el tiempo.

La guionista y directora Stella Meghie establece la narrativa de una manera que deja al público deseando activamente que los protagonistas se reúnan, ya que el dúo parece empapado de una química embriagadora. La película se desarrolla como un hermoso sueño, ya que explora los lamentos, motivaciones e historias del titular. personajes mientras lo puntuaba con otra historia de amor entre Christina (Chanté Adams) e Isaac (Y’Lan Noel). Este constante cambio de enfoque hace La fotografía obstaculizan su impulso narrativo, a pesar de crear vidas interiores ricas que contribuyen en gran medida a estos personajes entrañables. Visualmente, la película es sublime, quizás demasiado, ya que le da un aura de artificialidad a una historia por lo demás auténtica.

9. Emma

El debut como directora de Autumn de Wilde se produjo en forma de una deliciosa adaptación de la novela homónima de Jane Austen, Emma, una película que ocupa el punto ideal entre narrativamente realista y artísticamente estilizado. Emma (Anya Taylor-Joy) es una rica y "apuesto" joven de 20 años que, debido a su vasta riqueza, no experimenta la La compulsión social de casarse, pero en cambio se deleita como casamentera, una posición de privilegio para una mujer en la Regencia. período. Knightley (Johnny Flynn) comienza como un amigo de Emma, ​​y ​​los dos desarrollan gradualmente sentimientos por el otro, que llega a un punto en el que las emociones se vuelven innegables, instando a la necesidad de ser confesó.

Quizás lo mejor de Emma como una adaptación de Austen es la forma en que se aborda la desnudez, presentada como un aspecto natural de la vida cotidiana de los personajes, en lugar de un medio de excitación. Ambos personajes están hechos para aceptar directamente sus defectos inherentes, otorgando un hilo de relatabilidad a pesar de estar ubicados en un período de tiempo alejado del presente. Aparte de esto, los personajes de Harriet (Mia Goth), Miss Bates (Miranda Hart) y Mr.Woodhouse (Bill Nighy) agrega un aire de ligereza a esta adaptación, imbuyendo a la película de un sentimiento emocional sincero. centrar.

8. La vasta noche

Algunas ciudades llevan inherentemente una pesadez incómoda dentro de sus confines, una que es inexplicable, pero alarmantemente omnipresente. La ciudad ficticia de Cayuga en La vasta noche es uno de esos lugares, en el que un DJ y un operador de centralita, a saber, Fay (Sierra McCormick) y Everett (Jake Horowitz), respectivamente, se topan con un zumbido inquietante que el dúo decide reproducir al aire. Esta decisión desencadena eventos que traspasan el umbral de lo sobrenaturalmente extraño, creando momentos sólidos y evocadores que se basan en señales sónicas colocadas inteligentemente. Director Andrew Patterson utiliza espacios abiertos claustrofóbicos y amenazadores alternativamente para crear un ritmo frenético, muy parecido al zumbido inexplicable que parece tener vínculos con operaciones gubernamentales encubiertas. Estos elementos funcionan muy bien dentro del tejido de la narrativa, haciendo La vasta noche una sólida entrada en el género de la ciencia ficción.

7. Color fuera del espacio

El director Richard Stanley es mejor conocido por sus clásicos de culto. Hardware y Diablo de polvo, películas que son una mezcla infernal de fantasía cultural e inclinaciones personales. Basado en H. pag. La obra epónima de Lovecraft, Stanley Color fuera del espacio logra capturar el inexplicable terror que impregna el género del horror cósmico, con la ayuda de tonos de otro mundo y un entorno en una pintoresca granja propiedad de los Gardner, que se mudan aquí para escapar de la monotonía de la ciudad. La película comienza con Wiccan Lavinia (Madeleine Arthur) realizando un ritual de curación para su madre Theresa (Joely Richardson), que parece estar recuperándose gradualmente del cáncer. Su padre Nathan (Nicholas Cage) se dedica a la agricultura con mucho entusiasmo, haciendo todo lo posible para adaptarse a una existencia rural criando alpacas y cultivando producir, mientras cuida a sus tres hijos, a saber, Lavinia, Benny y Jack, que luchan por adaptarse a su nueva forma de vida.

La vida en la ciudad ficticia de Arkham parece pintoresca hasta que un fragmento de meteorito aterriza en el patio delantero de Gardner, emitiendo un brillo rosado-púrpura. Se producen sucesos extraños, incluida la contaminación del suministro de agua local y las alpacas que producen sangre en lugar de leche. Las mutaciones del paisaje, junto con los seres vivos que lo habitan, se aceleran, dando lugar a una segunda mitad frenética que culmina en pura locura y horror. Color fuera del espacio es una experiencia cinematográfica como ninguna otra, armada como está con impresionante poesía visual y una inquietante atmósfera lovecraftiana que gotea con humor alucinógeno, y algo mucho más siniestro.

6. Tragar

En Tragar, Hunter Conrad (Haley Bennett) parece llevar una vida matrimonial feliz en cierto sentido, ya que su esposo Richie (Austin Stowell) es guapo y exitoso, otorgándole comodidades materiales en forma de una casa lujosa y un lujoso estilo de vida. Los que la rodean le recuerdan a Hunter una y otra vez que la vida es buena, a pesar de que parece distante durante las conversaciones e irrevocablemente alienada de su entorno.

Después de quedar embarazada, Hunter se encuentra en una crisis existencial, durante la cual mira una canica roja en su mano y se la traga. Para Hunter, el efecto es agradable, adictivo, lo que lleva a un impulso interminable de consumir objetos, incluido un dedal, una pieza de ajedrez y un fragmento de una figura. Un horror doméstico como ningún otro, Carlo Mirabella-Davis ’ Tragar es una odisea sobre una cierta sensación de empoderamiento que surge de la pérdida del control total. No hace falta decir que, Tragar termina en una nota que es jarring, a pesar de que se da a entender que Hunter recupera el control sobre su cuerpo y encuentra una nueva estabilidad.

5. El asistente

El asistente establece su premisa en el tema demasiado escalofriante del abuso y el acoso en el lugar de trabajo, ya que revela los horrores que surgen de lo mundano, en oposición a lo sobrenatural. Jane (Julia Garner) es una ambiciosa graduada universitaria que se encuentra trabajando como asistente junior para un magnate del entretenimiento en Nueva York. Si bien esto suena prometedor, las cosas toman un giro más turbio cuando tiene que sufrir una intensa humillación para apaciguar a su jefe, una figura depredadora que se avecina y que nunca se muestra en la pantalla. Jane lucha con un tormento angustioso día tras día, exacerbado por la sumisión despiadada y el silencio de sus compañeros de trabajo, que solo están presentes para burlarse de su agonía. El asistente refleja la toxicidad inherente a la mayoría de las culturas laborales corporativas, en las que el acoso y la agresividad pasiva encubierta son productos básicos de todos los días, que continúan prosperando debido a una sumisión tácita a los sistemas capitalistas y al abuso de poder dinámica.

4. Mala educación

Basado en la historia real de un mentiroso compulsivo y un maestro manipulador. Frank Tassone, De Corey Finley Mala educación es una lección sobre las trampas de la arrogancia, que eventualmente culmina en tragedia. La película sigue a Tassone (Hugh Jackman), quien ha logrado reformar el sistema educativo en el distrito escolar Roslyn de Long Island, con la ayuda de la mano derecha de confianza Pam Gluckin (Allison Janney). Pronto, la escuela pública se jacta de tener altos puntajes en el SAT y tasas de aceptación de la Ivy League, con Tassone ayudando a los estudiantes en todos los frentes educativos. Mientras Tassone se prepara para llevar a Roslyn al número 1 en el país con un proyecto de $ 8 millones, la periodista en ciernes Rachel Bhargava (Geraldine Viswanathan) es animado por él a profundizar, un acto de arrogancia que lo lleva a su eventual caída.

Mala educación aborda los dilemas morales de la narrativa con matices sorprendentes, especialmente a través de los retratos de personajes de Tassone y Gluckin, que se sienten con derecho al lujo por su servicio público aparentemente sincero. Una vez que se descubre el escándalo, Tassone teje una red de mentiras, chantajes y manipulación, interpretada a la perfección por Jackman, posiblemente siendo su papel dramático más magistral hasta la fecha. La película termina con una nota catártica al tiempo que ofrece una perfección narrativa de principio a fin.

3. Bacurau

Kleber Mendonça Filho y Juliano Dornelles ’ Bacurau se desarrolla en un futuro próximo, en el que los habitantes de Bacurau se enfrentan a una violenta amenaza tras la muerte de la matriarca del pueblo, Carmelita. Eventos inusuales ocurren en medio de una disputa por los derechos de agua, incluidos asesinatos inexplicables, drones con forma de ovnis que persiguen a los viajeros y asentamientos enteros que desaparecen de los mapas en línea. Asimilar elementos de un occidental y ciencia ficción distópica, Bacurau se adentra en los pliegues de la historia, el poder, el colonialismo y la vigilancia, al tiempo que evoca visuales terroríficos y absurdos. La segunda mitad de la película está empapada de sangre y ultraviolencia y hace una demostración apasionante de la capacidad de las comunidades marginadas para defenderse cuando son provocadas. Bacurau se desarrolla como un sueño febril vertiginoso mientras está armado con una serie de personajes memorables que interpretan sus papeles individuales con una convicción sorprendente.

2. Nariz ensangrentada, bolsillos vacíos

Fijado en Los locos años 20, un bar de buceo de Las Vegas que atrae a todo tipo de almas excéntricas, Bill y Turner Ross's Nariz ensangrentada, bolsillos vacíos se acerca a este ecosistema social alimentado por el alcohol que emerge como un mundo por derecho propio. Un sentido de la poesía impregna el bar, del tipo que está descuidado y áspero en los bordes, mientras el público es testigo de los asistentes al bar. Los inadaptados en la televisión y un barman haciendo una interpretación acústica impresionante de "Crying" de Roy Orbison. La razón titular por la que Nariz ensangrentada, bolsillos vacíos es tan fascinante se debe al hecho de que los bebedores en pantalla son de hecho sin guion, habiéndose proporcionado una premisa ficticia general.

El habitual barfly Martin (Michael Martin) siempre está ansioso por impartir sabiduría, mientras que ocasionalmente profundiza en el autodesprecio cuando se refiere a sí mismo como un actor fracasado. Una serie de eventos dramáticos ocurren en el transcurso de una sola noche, incluida una sobredosis accidental de ácido y una anciana que se exhibe mientras está borracha. Nariz ensangrentada, bolsillos vacíos insiste en la sensación de camaradería tácita a menudo alimentada por el alcoholismo a nivel comunitario, que a menudo da paso a lo absurdo y se desarrolla como un ensueño borracho, seguido de una resaca que se siente como una grosería despertar.

1. Nunca Rara vez A veces Siempre

Eliza Hottman Nunca Rara vez A veces Siempre puede clasificarse como puro cine poético, centrado en un retrato de la amistad femenina en forma bildungsroman, que resulta conmovedoramente sincero y honesto. Autumn (Sidney Flanigan), de 17 años, queda embarazada y descubre que no puede abortar en su ciudad natal de Pensilvania sin el consentimiento de los padres, lo que la impulsa a confiar en su primo Skylar (Talia Ryder), quien accede a acompañarla a Nueva York. Una vez allí, la brillantez de la película realmente comienza a desarrollarse, ya que uno ve a Autumn respondiendo a una serie de preguntas de un consejero, cuyas respuestas son pesadas y desgarradoras.

La soledad vacía se apodera de Autumn, especialmente cuando el público se burla de ella en el concurso de talentos de su escuela, en el que interpreta a Exciters Él tiene el poder en forma de balada triste. Además, el vínculo compartido por Autumn y Skylar está grabado en paletas emocionales tan bellamente realizadas, que seguramente conmoverá al público, debido a su naturaleza íntima y sagrada. La cinematografía en Nunca Rara vez A veces Siempre es impresionante, debido a la obra intuitiva de la directora de fotografía francesa Hélène Louvart. Considerándolo todo, Nunca Rara vez A veces Siempre es un poderoso recordatorio de la misoginia casual y la brutal pasivo-agresividad que enfrentan las mujeres en el día a día, considerándola la película más subestimada y más convincente del año.

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