Les meilleurs films de science-fiction de 2020
Quels films de science-fiction émergent parmi les meilleurs de l'année 2020? Le cinéma, ainsi que les expériences de visionnage de films, ont connu un changement massif en 2020, une année qui a semblé tout droit sorti d'une dystopie de science-fiction, remplie d'une pandémie mondiale déclenchée par un insaisissable, virus en constante évolution.
En raison de la nature viscérale des horreurs incarnées par les événements qui se sont déroulés cette année, Les films de science-fiction de 2020 sont venus accorder une forme d'évasion cathartique à ceux qui en ont le plus besoin. Avec certains des blockbusters de science-fiction les plus attendus tels que Dune et La matrice 4 étant décalé dans le calendrier, un étrange vide s'est créé dans le genre, permettant à certains films sous le radar de briller.
Les mérites de la science-fiction en tant que genre artistique sont infinis, le plus important étant sa capacité à faire naître mondes alternatifs tout en soulevant des dilemmes philosophiques fondamentaux sur la nature de la réalité et l'humain psyché. L'auteur de science-fiction Arthur C. Clarke a un jour décrit le genre comme «
12. Vivarium
L'angoisse existentielle et l'indifférence cruelle de l'univers constituent souvent une prémisse de science-fiction prometteuse, comme dans le cas du deuxième long métrage de Lorcan Finnegan, Vivarium. Avec Jesse Eisenberg et Imogen Poots, Vivarium plonge profondément dans les cavernes de l'horreur, un principe ancré dans la nature, s'ouvrant sur un gros plan d'un bébé oiseau non formé se tortillant dans son nid. Le couple Tom (Eisenberg) et Gemma (Poots) arrivent dans un lotissement nommé Yonder à la recherche de leur maison pour toujours.
Au milieu d'événements narratifs absurdes et des tics comportementaux bizarres de l'agent immobilier Martin, le duo marche dans la maison n°9, une maison en forme de boîte peinte d'une nuance nauséeuse de vert menthe - une structure qu'ils ne peuvent pas échapper. Vivarium évoque la tension atmosphérique de La zone de crépuscule tout en perturbant le romantisme des habitations suburbaines « clôturées en blanc ». Bien que le film ne repose pas sur la subtilité de son style narratif et de son exécution, Vivarium est une entrée délicieuse sur les angoisses domestiques implacables.
11. Bill & Ted affrontent la musique
Bien que ce trio à succès de comédie de science-fiction L'excellente aventure de Bill & Ted ne fait pas s'interroger sur la conscience quantique, Bill & Ted affrontent la musique est un voyage sincère dans les voies réconfortantes de la nostalgie. Réalisé par Dean Parisot, Bill & Ted affrontent la musique suit Alex Winter et Keanu Reeves en tant que Bill et Ted, respectivement, où le duo doit ceinturer une piste stellaire pour rapprocher le monde et empêcher la destruction de l'espace et temps.
Toujours confiants dans leur capacité à réussir cet exploit, Bill et Ted décident de voyager dans le temps dans le futur pour arracher la composition à eux-mêmes. Il s'ensuit une balade amusante dans le passé et le futur, mettant en vedette des personnages tels que Jimi Hendrix (DazMann Still) et The Grim Reaper d'Ingmar Bergman. Le septième sceau, ce dernier étant un doux rappel à Le faux voyage de Bill et Ted. Armé de personnages sympathiques, d'une prémisse cérébralement légère et d'un humour absurde, Bill & Ted affrontent la musique émerge comme une approche véritablement joyeuse du genre par ailleurs thématiquement lourd.
10. Principe
Après avoir été retardé trois fois en raison de la pandémie de COVID-19, Principe n'a pas réussi à atteindre l'équilibre, malgré un chiffre d'affaires de 361 millions de dollars dans le monde, ce qui en fait le quatrième film le plus rentable en 2020. Principe tourne autour d'un agent de la CIA, le « protagoniste » (John David Washington), qui participe à une opération d'infiltration dans un opéra de Kiev. Bien que le film ait été comparé à celui de Nolan Création en termes de profondeur et de complexité narratives, Principe présente une intrigue alambiquée lourde d'exposition, car elle plonge dans les concepts de pensée non linéaire, de paradoxes temporels et d'entropie à recul. Néanmoins, le film est soutenu par de solides performances de Robert Pattinson et Elizabeth Debicki, ainsi que par des visuels et séquences d'action exécutées de manière impressionnante qui portent la maîtrise du cinéma de Nolan en tant que visuel altérant la réalité moyen.
9. Fièvre de la mer
celle de Neasa Hardiman Fièvre de la mer apparaît comme étrangement pertinent au milieu de la pandémie, car il met en avant une prémisse en miroir dans laquelle le l'équipage d'un chalutier irlandais est échoué en mer, où un mystérieux parasite infecte leur eau la fourniture. Offrant une version théâtralisée de la quarantaine induite par la terreur dans un cadre de science-fiction, Fièvre de la mer s'ouvre avec l'étudiante en biologie marine Siobhán (Hermione Corfield), dont les cheveux roux flamboyants incitent les membres d'équipage superstitieux à la considérer comme un présage de malchance. Cependant, le couple Gerard (Dougray Scott) et Freya (Connie Nielson) lui permet de monter à bord, après quoi leur voyage prend un itinéraire plus trouble. La principale raison pour laquelle Fièvre de la mer fonctionne bien comme un thriller pandémique est la façon dont il soulève des questions nominales sur le imprévisibilité dans de tels scénarios, bien que sa structure centrale se présente comme un dérivé de des films tels que Contagion.
8. La plateforme
Peu de films sont capables d'incarner un sentiment vertigineux de terreur absurde qui peut être qualifié de kafkaïenne, pourtant le premier long métrage du réalisateur espagnol Galder Gaztelu-Urrutia, La plateforme, parvient à s'en sortir facilement. Un récit édifiant et une allégorie politique opportune dévoilant les répercussions désastreuses de résider dans un monde submergé par un égocentrisme et une cupidité cruels, La plateforme est un réveil particulièrement brutal, mais bien nécessaire.
Le film s'ouvre dans une cuisine très éclairée, mais descend bientôt dans les fosses de la folie, jusqu'à ce qu'il zoome au niveau 48, où Gerong (Ivan Massague) reste emprisonné. Son compagnon de cellule Trimagasi (Zorion Eguileor) a choisi cet enfer plutôt qu'un établissement psychiatrique après une meurtre accidentel, apporte une dynamique unique au récit, agissant souvent comme un commentaire conscient lorsqu'il dit: "La faim libère le fou qui sommeille en nous... il vaut mieux manger que d'être mangé.” - une sombre reconnaissance des horreurs du monde dans lequel nous vivons.
7. L'amour et les monstres
La vie dans un bunker souterrain ne serait pas vraiment attrayante pour la plupart des gens, surtout si la surface de la Terre était couverte de reptiles mutants géants, mais ce n'est pas le cas pour Joe (Dyan O'Brien), qui reste étonnamment optimiste malgré des circonstances aussi désastreuses. Michael Matthews L'amour et les monstres se penche davantage sur le côté amusant et fantastique de la science-fiction, offrant au public une évasion à travers une vision du monde simpliste mais satisfaisante face à la quasi-extinction. Dans L'amour et les monstres, Joel doit assumer le voyage du héros, car il s'agit essentiellement d'une histoire de passage à l'âge adulte d'un individu qui se fige face au danger, un "non-héros" conventionnel, pour ainsi dire, et le résultat est un assortiment de rappels de films classiques qui enrichissent le récit, y compris Je suis une légende et le pays des zombies.
6. Archiver
Le premier long métrage de Gavin Rothery, Archiver, excelle dans la réorientation de récits de longue date qui tournent autour de l'IA, à l'aide d'une ambiance efficacement stérile et d'un entraînement central convaincant. Un scientifique isolé (Theo James) poursuit un idéal d'IA, le conduisant à développer une séquence d'êtres androïdes jusqu'à la réalisation d'un prototype prometteur. Alors que l'intrigue centrale du film semble dérivée de Miroir noir et Ex Machina, Archiver est capable d'incorporer ses influences divergentes dans un tout cohérent et global. Il y a un écho aux thèmes frankensteiniens du créateur et de la création, caractérisés par une intense fragmentation psychologique dans l'esprit du créateur. Il est intéressant de témoigner Archiver incursion dans les nuances souvent négligées du comportement androïde, qui a finalement le potentiel de propulser l'IA vers la réalisation de la singularité, une idée passionnante et terrifiante à la fois une fois que.
5. Synchronique
Les horreurs de science-fiction alimentées par la drogue sont souvent une aventure époustouflante, surtout si les subtilités du voyage dans le temps sont mélangées. Justin Benson et Aaron Moorhead's Synchronique coche ces deux cases, car il faut plonger profondément dans la vie des ambulanciers paramédicaux de la Nouvelle-Orléans Steve (Anthony Mackie) et Dennis (Jamie Dornan), qui font face à une série d'accidents bizarres. Après la disparition de la fille aînée de Dennis, Steve tombe sur un puissant psychédélique qui peut altérer le tissu même de la réalité et du temps.
En gardant à l'esprit la déclaration d'Albert Einstein sur le temps, qu'il qualifie de "illusion obstinément persistante», le mérite de Synchronique réside dans la perturbation temporaire de cette illusion, qui est un exploit louable dans le genre de science-fiction thématiquement saturé. Synchronique est une combustion lente fascinante, semblable à une drogue qui s'empare des sens comme un détail négligé, mais le film accélère de manière presque frénétique vers la fin. Soutenu par un véritable suspense et une fin bien exécutée, Synchronique fait pour une montre teintée d'adrénaline qui persiste dans l'esprit bien après.
4. L'homme invisible
D'après le roman éponyme de H.G. Wells, L'homme invisible est un conte terrifiant, principalement dû au fait qu'il est intrinsèquement enraciné dans les tropes du genre mondain et subvertit de manière intéressante. L'homme invisible est une expérience profondément synesthésique, dégoulinant de terreur atmosphérique, renforcée par la partition envoûtante de Benjamin Wallfisch, car elle suit Cecilia (Elisabeth Moss), qui vient de sortir d'une relation abusive avec le riche scientifique Adrian (Oliver Jackson-Cohen). Après qu'Adrian soit déclaré mort, Cecilia se retrouve traquée par un homme invisible, ce qui la pousse plus loin vers le bord de la raison. Alors que le trope de l'invisible comme source d'horreur est dominant dans le genre, L'homme invisible ajoute de l'authenticité au trope avec son traitement de séquences dépourvues de supercherie cinématographique. Un sentiment de terreur réelle et d'honnêteté brutale imprègne le film, ce qui en fait une montre particulièrement dérangeante.
3. Possesseur
David Cronenberg est un maître de l'horreur, ayant ajouté une profondeur cauchemardesque au genre à travers des goûts de Scanners et Sonneries mortes. Le dernier effort de son fils Brandon Cronenberg, Possesseur, le positionne comme un digne contributeur à l'héritage cronenbergien, alors que le film plonge magistralement dans les thèmes d'identité insaisissable, les pièges de la technologie moderne et la folie totale qui réside souvent dans l'humain psyché. Possesseur tourne autour de Tasya Vos (Andrea Riseborough), la propriétaire titulaire qui trouve son identité fondamentale plus entachée à chaque mission de contrôle mental forcé. Lorsqu'il est chargé de « posséder » Colin Tate (Christopher Abbott), les choses prennent une tournure encore plus sanglante, car l'hôte combat l'invasion forcée, conduisant à des identités et des consciences conflictuelles », qui place Possesseur comme un portail vers une expérience troublante.
2. L'immensité de la nuit
L'entrée indé captivante d'Andrew Patterson, L'immensité de la nuit, résume la paranoïa claustrophobe qui imprègne l'époque actuelle, dont les événements se déroulent au cours d'une seule nuit dans la ville fictive de Cayuga, au Nouveau-Mexique. Fay Crocker (Sierra McCormick) et Everett Sloan (Jake Horowitz), standardiste de la ville et Le DJ de la station locale, respectivement, entend un son rythmique de type statique qui rappelle un gouvernement secret mission. Ensuite, L'immensité de la nuit franchit le seuil de l'étrange surnaturel, tout en construisant des moments solides et évocateurs qui reposent sur des signaux sonores judicieusement placés. L'immensité de la nuit est une odyssée vertigineuse sur la peur de la peur elle-même - cette peur irrationnelle, mais intuitivement primordiale réponse à des situations de combat ou de fuite - et se termine d'une manière immensément gratifiante et satisfaisant.
1. Couleur hors de l'espace
La vraie accalmie des films de science-fiction, en particulier L'horreur lovecraftienne réside dans le fait qu'il provoque souvent des images de l'indescriptible, ce qui rend les adaptations de la même tâche ardue. Quand on tombe sur un monde qui précède le temps et éclipse les limites de la compréhension humaine elle-même, il ne leur reste qu'une terreur si inexplicable qu'il faut la ressentir pour le croire. Couleur hors de l'espace parvient à capturer ce sentiment dans des teintes d'un autre monde et se déroule dans une ferme pittoresque appartenant aux Gardner, qui s'installent ici pour échapper à la corvée de la ville.
Nathan (Nicholas Cage) se lance dans l'agriculture avec beaucoup d'enthousiasme, tandis que sa femme Theresa (Joely Richardson) se remet d'une récente bataille contre le cancer et que ses enfants Benny, Jack et Lavinia ont du mal à s'adapter. Des événements troublants mais banals se produisent, notamment l'émergence soudaine de fleurs étranges, de produits amers et d'une eau contaminée l'offre, qui laissent place à une seconde moitié fantasmagorique mettant en scène sorcellerie, sons désincarnés et cosmiques purs et non filtrés horreur. Couleur hors de l'espace est une lettre d'amour à la folie lovecraftienne, imprégnée de cauchemars surnaturels qui ne manqueront pas de vous envoûter.
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