10 films classiques que Hollywood ne devrait jamais refaire

Refaire un film classique, c'est comme faire adopter votre enfant. Vous ne devriez le faire que si vous avez cruellement besoin d'argent, et même alors, c'est une tragédie. Nous espérons que le sarcasme ici va de soi, tout comme l'avidité des studios modernes lorsqu'il s'agit de sacrifier nos souvenirs cinématographiques au profit du dollar tout-puissant.

Cracheriez-vous sur un Van Gogh? Modifier Faulkner? Apprivoiser Tchaïkovski? Si votre réponse est tout sauf un « NON » catégorique, alors priez pour le pardon. Rappelez-vous: apporter les modifications les plus subtiles au teint de la peau de Yoda dans le remasterisé Guerres des étoiles collection a fait de George Lucas un paria, alors que ceci soit un avertissement à Hollywood: vous restez pertinent et essentiel à la culture et à la politique en raison de votre créativité. Continuez à exploiter cette ressource et résistez à la tentation de rechaper un sol sacré. Il est dans votre intérêt de laisser les véritables joyaux de l'histoire du cinéma à la Collection Criterion, au Smithsonian et au National Film Registry des États-Unis.

Nous avons déjà couvert 10 films que Hollywood va inévitablement refaire, mais voici notre liste des 10 films que Hollywood devrait Jamais Refaire:

Autant en emporte le vent (1936)

L'adaptation du roman de 1936 de Margaret Mitchell a nécessité un niveau de dévouement et de grandeur que Hollywood n'avait jamais connu. À bien des égards, Victor FlemingEmporté par le vent est devenu l'étalon-or pour l'épopée cinématographique. Ne négligeant aucun effort avec sa vision panoramique du sud d'avant-guerre dans sa première moitié, et la destruction totale de Les luttes intestines de l'Amérique et les tentatives de reconstruction dans le second, le film de 1939 laisse une impression difficile à secouer.

Vivien Leigh, Clark Gable et Hattie McDaniel ont livré certaines des performances les plus mémorables de leur temps, remplissant l'écran de contrastes saisissants d'émotion mercurielle, de masculinité d'antan et d'ironie humour. Accompagné de la lame de fond d'une partition de Max Steiner, Emporté par le vent tiré sur tous les cylindres. Pourrait-il être refait aujourd'hui? Au nom seulement.

8 Casablanca (1942)

Trois ans après le succès de Emporté par le vent, le système de studio hollywoodien a soufflé avec sa production commerciale de films. Ils avaient une formule qui fonctionnait. Lorsque Casablanca est descendu le brochet comme une adaptation de la pièce non produite, Tout le monde vient chez Rick, il a été mis sur la voie rapide de la production pour capturer l'air du temps de la Seconde Guerre mondiale lors de l'invasion alliée de l'Afrique du Nord.

La sortie du film s'est avérée brillamment chronométrée, et tandis que Casablanca a connu d'excellents retours au box-office et une réaction positive de la presse, il s'est accroché à la conscience du public bien après ses débuts. Grâce à un scénario transcendant qui offre des lignes mémorables pour chaque scène du film, le drame de guerre du réalisateur Michael Curtiz reste l'un des films les plus romantiques jamais créés. Humphrey Bogart et Ingrid Bergman brûlent l'écran. L'imagerie, la musique et le ton sont presque oniriques, et chaque fois que vous finissez de regarder Casablanca, vous voulez le rejouer.

7 Citoyen Kane (1941)

Orson Welles n'avait que 26 ans lorsqu'il a réalisé Citoyen Kane, versant une maturité et une gravité dans le film que peu de réalisateurs ont depuis égalé. Homme ardent de théâtre, Welles a passé sa vingtaine d'années à se consacrer à la scène malgré les avances financières d'Hollywood. Lorsque ses efforts de comédien l'ont laissé dans le besoin d'argent, il s'est envolé pour Los Angeles et, après une tournée des studios RKO, a signé un contrat de deux images avec ses dirigeants.

Certes, Welles possédait les grâces sociales de la marque Clooney, alors que le réalisateur pour la première fois repartait avec un lourd budget, une autonomie de scénarisation débridée et, l'étalon-or du pouvoir de réalisateur, les droits de montage final dans le salle de montage. En substance, les esprits brillants de RKO ont fait confiance à ce milieu des années 20 artiste avec les clés du royaume.

Jouant souvent des tours au studio et travaillant 24 heures sur 24, il a fait le film exactement comme il l'envisageait. Non seulement est Citoyen Kane icône durable de l'Hollywood vintage, il devrait être présenté comme la preuve que les grands réalisateurs méritent un contrôle créatif complet. Si, pour dix tentatives avortées de grandeur, le public en obtient une Citoyen Kane, alors le pari du "Dictator Director" bat à la longue la bureaucratie des studios.

C'est une vie merveilleuse (1946)

Bien que l'on se souvienne souvent de lui comme d'un film de Noël, le film touchant de Frank Capra de 1946 est un drame déchirant dans une traînée de père Noël. Les pensées suicidaires, du genre de celles que ressent George Bailey (James Stewart), ne sont pas une question de rire. C'est peut-être pourquoi les meilleurs moments du film nous rappellent que nous vivons en effet une vie merveilleuse.

C'est le genre de film qui donne envie de serrer sa famille dans ses bras et de ralentir les choses pendant une minute. Le méchant méprisable, M. Potter (Lionel Barrymore), fait ramper votre peau avec sa cruauté égoïste, fournissant presque un appel à l'action contre notre tendance sociale à la cupidité.

C'est une vie magnifiquea ses moments d'horreur, surtout quand George Bailey voit à quoi ressemblerait la vie sans lui. Capra dirige ces séquences avec une qualité cauchemardesque qui hante aussi facilement que les scènes de réconciliation sont attachantes. On ne peut pas faire assez de compliments à Jimmy Stewart pour cette performance, et pour cette seule raison, le film devrait rester complètement intouchable.

6 Cool la main de Luke (1967)

“Ce que nous avons ici, c'est l'échec de la communication! » Ainsi parle le capitaine sadomasochiste (Strother Martin) dans La main fraîche de Luke, illustrant exactement la différence entre les hommes faibles de son acabit et l'esprit indomptable d'hommes comme Lucas "Luke" Jackson (Paul Newman). Donn Pearce et Frank R. Pierson a écrit un scénario hermétique qui a offert à M. Newman son tour de force sur un plateau d'argent.

La main fraîche de Luke ne peut jamais être réitéré car le film est défini par son acteur principal. Cette marque d'arrogance coquine et de dépression profondément ancrée faisait de Newman aux yeux bleus quelque chose d'un paradoxe. Il a réussi ce cocktail dramatique en l'arnaqueur, à peine six ans auparavant, et il a perfectionné son art depuis. Dans le film, Newman incarne un vétéran de la guerre de Corée qui secoue la racaille et devient accro à un gang de chaînes pour avoir décapité en état d'ébriété des parcmètres.

Les choses semblent sombres pour Luke, mais pendant qu'il purge sa peine, il redécouvre sa ténacité et, à travers une série de procès en prison, devient l'homme le plus respecté de la prison. Sans surprise, La main fraîche de Luke est devenu l'un des films les plus respectés de l'histoire.

5 Le Parrain (1972)

Celui qui refait le classique de Francis Ford Coppola sera sûrement l'antéchrist. Toute tentative de réimaginer l'épopée de Corleone serait une insulte vivante au cinéma, à Brando, Pacino, de Niro, Duvall, Cazale et les innombrables autres artistes qui ont pris le livre de Mario Puzo et l'ont transformé en un morceau de pur poésie.

Comment commencer à décrire la magnificence du classique de 1972? Le barde aveugle n'avait pas besoin de beaucoup décrire Hélène de Troie. Elle était juste parfaite. Le parrain a des rames de littérature qui lui sont consacrées, et malgré la dissection nauséabonde de l'épopée des gangsters par le monde du cinéma, les conversations ne cesseront jamais.

Les thèmes du respect, de l'honneur et de la famille sont profondément ancrés dans la trilogie de Coppola, et bien que de nombreux Corleone ont du sang sur les mains, ils se sont fait aimer du public par leur passion et leur ferveur pour la vie. Les valeurs de production sont transcendantes et les contrastes entre des personnages comme Michael et Sonny Corleone en font un film vraiment brûlant.

4 Le Diplômé (1967)

"Mme. Robinson, vous essayez de me séduire. N'est-ce pas ? Mike Nichols remplit son deuxième film avec suffisamment de références et d'images phalliques pour justifier une cote R, mais sa ruse et sa classe de réalisateur ont permis d'obtenir un PG convivial pour les parents. Le diplômé est devenu le pilier des carrières de Nichols et Dustin Hoffman, avec ce courant sous-jacent d'agitation sexuelle et de crises d'identité qui a résumé l'époque.

Bien sûr, regarder Benjamin Braddock (Hoffman) coucher avec la séduisante Mrs. Robinson (Anne Bancroft) s'est avéré controversé pour l'époque, mais cela a donné au public l'une des histoires de passage à l'âge adulte les plus humoristiques et engageantes à filmer. Se déroulant dans les années 1960, où la famille nucléaire américaine avait beaucoup moins de fission que la bombe atomique, Nichols s'en prend à la culture («plastiques”) était avancé, impeccable et inimitable.

3 Au bord de l'eau (1954)

Au bord de l'eau était basé sur une poignée d'articles publiés en 1949 qui exposaient la brutalité et les querelles internes parmi les débardeurs du New Jersey, faisant du film une opportunité unique. Fournissant la matière première ultime pour un film, le journaliste Malcolm Johnson a donné au réalisateur Elia Kazan le genre de matières premières et de réalisme qu'il s'est toujours efforcé de trouver.

Kazan était connu pour provoquer des combats et des insécurités sur ses plateaux, allumant le fusible pour ce qu'il espérait être une explosion de baril de poudre une fois que les caméras auraient commencé à tourner. Terry Malloy (Marlon Brando dans l'un de ses rôles les plus durables) représente le col bleu américain qui a eu un coup à la gloire et a raté, dupé en dégradation par son patron de la mafia duplicité Johnny Friendly (Lee J. Cobb, la menace ultime à l'écran).

En fin de compte, le film a mis en lumière la corruption ancrée dans les Docks de Hoboken et a donné aux cinéphiles une tranche de vie qui ne pourra jamais être reproduite.

2 Lawrence d'Arabie (1962)

Peter O'Toole est un poids lourd dans la tradition cinématographique, et bien qu'il ait en quelque sorte échappé à la faveur de l'Académie et n'a pas réussi à remporter le prix du meilleur acteur pour Laurence d'Arabie, son interprétation de T.E. Lawrence a défini le héros hollywoodien. Mince et éduqué avec l'énonciation d'un érudit anglais, O'Toole transforme Lawrence en un brillant cow-boy des sables arabes.

L'épopée de David Lean de 1962 dépeint son personnage éponyme comme un héros britannique qui a contribué au succès de l'Union Jack dans la péninsule arabique pendant la Première Guerre mondiale. Un John Wayne régulier, il n'était cependant pas, et c'est là que O'Toole a trouvé de la place pour ses côtelettes d'acteur de premier ordre. Dans le film (brillantement tourné par le directeur de la photographie Freddie Young), T.E. Lawrence est présenté comme un guerrier rempli de componction, en conflit avec ses hésitations violentes et pacifiques. Il porte son TSPT culpabilisant sur ses manches en robe bédouine, mais dans le style anglais classique, ses propres soucis ne l'empêchent pas de remplir son devoir.

Lawrence d'O'Toole se débat avec ses responsabilités, mais n'est jamais avalé par elles. Produit bien après la sortie de Emporté par le vent, Laurence d'Arabie peut à juste titre être considéré comme une extension de l'épopée de Victor Fleming, montrant à Hollywood le potentiel illimité de la narration cinématographique.

1 Une orange mécanique (1971)

Refaire un film de Kubrick demanderait un culot incroyable. Comment commencerait-on à accéder à l'approche minutieusement particulière du célèbre réalisateur en matière de cinéma? L'entrée la plus intouchable de son œuvre est peut-être Une orange mécanique, un véritable voyage sur une voie mentalement instable qui comprend l'une des scènes les plus sadiques jamais tournées sur l'innocent "Singin' in the Rain". Pauvre Gene Kelly.

Alex (Malcolm McDowell) est le fer de lance d'un gang de jeunes cockney à destination de la Grande-Bretagne qui viole et pille une société de plus en plus brisée. C'est un film bouleversant et choquant qui agresse les yeux tout en jetant des coups de poing dans notre sens de la moralité et de la raison. S'il y a une image dans le film qui capture le mieux les capacités de Kubrick, c'est sans aucun doute la scène dans lequel Alex a les yeux ouverts mécaniquement et nourri de force des images d'agression qui recâblent son cerveau.

Merci, Stanley.

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