15 meilleurs films originaux Netflix que vous devez regarder

Quels sont les meilleurs films originaux à regarder Netflix? Maintenant que le service de diffusion en continu est devenu un candidat légitime à la saison des récompenses, les abonnés accordent plus d'attention au contenu original de Netflix.

Jusqu'en 2015, Netflix n'était qu'une destination populaire pour les coupe-câbles et les streamers. Et puis tout a changé, comme Netflix a commencé à produire des films originaux, marquant un changement majeur dans l'industrie cinématographique, car des films de haute qualité à petit budget sont devenus disponibles à regarder à la maison dès leur sortie.

Pas tout Netflix Originals seront des prétendants à la saison des récompenses, mais la plupart sont divertissants. Tout dépend de ce que vous recherchez. Une comédie romantique? Un film d'art et d'essai? Que diriez-vous d'un film représentatif de la culture 2019? Consultez notre liste de 15 originaux Netflix que vous devez regarder dès que possible.

• Cette page: les meilleurs films originaux Netflix #15-13
• Page 2: Meilleurs films originaux Netflix #12-10
• Page 3: Meilleurs films originaux Netflix # 9-7
• Page 4: Meilleurs films originaux Netflix # 6-4
• 5: Meilleurs films originaux Netflix #3-1

En tant que film de genre rétrospectif, Triple frontière coche toutes les cases. D'une part, il y a un casting all-star conduit Oscar Isaac, Charlie Hunnam, Pedro Pascal, Garrett Hedlund et Ben Affleck. De plus, le réalisateur J.C. Chandor propose de nombreuses séquences ridiculement impressionnantes alors que l'ancienne équipe des opérations spéciales réussit un casse en Amérique du Sud – des moments pour lesquels vous devrez envoyer un texto à quelqu'un. Mais surtout, Triple frontière ne se prend pas trop au sérieux.

D'un point de vue critique, Triple frontière peut être facilement séparé. Il y a des trous flagrants dans l'intrigue, et de nombreux téléspectateurs se moqueront sûrement du sens accru de la bravade masculine. Mais cela fait partie du plaisir, car Triple frontière est tout au sujet d'embrasser l'action, et comment les personnages réagissent. Chandor et co-scénariste Mark Boal (Zéro sombre trente) infusent les aspects militaires d'authenticité, tandis que les acteurs masculins ancrent le film avec leur camaraderie à poitrine gonflée. Triple frontière est une course folle du début à la fin; un film qui mérite d'être revu à plusieurs reprises, ne serait-ce que pour un pur divertissement de pop-corn.

Mettant en vedette Gina Rodriguez, Brittany Snow, et DeWanda Sage, Quelqu'un de super est parfait pour la foule de la fin de la vingtaine. Alors que de nombreuses comédies romantiques ciblent les jeunes de la génération Y avec des dialogues à la mode et des références à la culture pop, Jennifer Kaytin Robinson adopte une approche plus mature avec Quelqu'un de super. Chacune des protagonistes féminines semble comprendre que la passion seule ne les fera pas traverser la vie; ils doivent travailler, et travailler dur.

Esthétiquement, Quelqu'un de super est magnifique avec sa palette de couleurs chaudes, teintées de roses et de bleus. De plus, la musique à elle seule élève de nombreuses scènes, notamment lorsque "Supercut" de Lorde sort. Et tandis que Lakeith Stanfield ne reçoit pas beaucoup de temps à l'écran, cela fonctionne à l'avantage du film, car les rôles principaux féminins sont en effet l'objectif principal. Il y a de la substance derrière tout le style, comme Quelqu'un de super les personnages soutiennent le discours et marchent, du moins en ce qui concerne la façon dont ils abordent leurs désirs et leurs besoins.

13. Le professeur de maternelle

Réalisé par Sara Colangelo, Le professeur de maternelle est l'histoire d'un éducateur bien intentionné qui dépasse les bornes. Maggie Gyllenhaal met en vedette Lisa Spinelli, le personnage principal qui reconnaît qu'un de ses jeunes étudiants, Jimmy, a un don pour la poésie. Naturellement, Lisa tente de cultiver le talent de Jimmy, bien que des problèmes personnels finissent par assombrir son jugement.

Dans Le professeur de maternelle Le rôle principal, Gyllenhaal livre une performance déconcertante en tant que femme qui perd le sens d'elle-même. En tant que réalisateur, Colangelo garde le public au dépourvu, alors que Lisa, troublée, manipule la vérité pour des raisons égoïstes, pour devenir progressivement incontrôlable. Le professeur de maternelle soulève des questions sur la santé mentale et le soutien émotionnel, à la fois dans un cadre domestique et éducatif. Et alors que certains Netflix Originals invitent le public à contempler différents modes de vie à travers le monde, ce un film particulier demande au spectateur de regarder à l'intérieur et de considérer comment les sentiments d'insuffisance peuvent affecter son quotidien. les décisions.

12. Mettre en place

Lorsque Mettre en place sorti en juin 2018, la nouvelle version des tropes de la comédie romantique a trouvé un écho auprès de nombreux téléspectateurs. Mettant en vedette Zoey Allemand et Glen Powell, le film de Claire Scanlon met en évidence le fossé entre les jeunes professionnels et les personnes plus âgées et plus expérimentées qui semblent douloureusement déconnectées. Incidemment, le charisme du personnage est crucial pour Configurez-le prémisse, et Deutch ouvre la voie de manière impressionnante en tant que leader féminin attachant mais maladroit. Soutenir des joueurs comme Taye Diggs, Lucy Liu, Pete Davidson, et Meredith Hagner ont tous leurs moments, mais Deutch est le voleur de scène le plus précieux.

Pour certains téléspectateurs, Powell's Mettre en place le personnage peut être totalement antipathique, mais c'est crucial pour la dynamique avec Harper Moore de Deutch. Ils sont continuellement en désaccord mais investis dans un objectif commun. Dans ce sens, Mettre en place insiste sur les tropes de genre, car il y a l'agitation habituelle de la vie des grandes villes, et - surprise - le personnage de Deutch est un journaliste en herbe (un Majeur genre cliché), celui qui ne semble pas vraiment écrire beaucoup. Dans son ensemble, Mettre en place fonctionne parce qu'il se sent opportun, frais et conscient de soi. Pour les personnages collectifs, le bonheur immédiat est plus important que la prochaine grande promotion, et il y a de la valeur à apprécier le moment, ainsi que les petits changements progressifs qui ouvrent la voie à une vision plus mature de vie.

11. les escrocs

Un seul niveau, les escrocs est exaltant pour sa représentation de trois jeunes femmes qui font un film indépendant à Singapour. Les scènes de production offrent un aperçu de l'approche Do-It-Yourself, ainsi que tous les compromis qui doivent être faits lors de l'exécution d'une vision créative collective. Cependant, Sandi Tan les escrocs ne se concentre pas sur l'éclat absolu des "Shirkers" originaux, mais plutôt sur la façon dont un homme nommé Georges Cardona a pris les images de la production et n'a jamais expliqué Pourquoi.

Essentiellement, les escrocs est une étude à deux personnages sur Cardona et Tan elle-même. À travers des séquences d'interview, les deux sujets sont présentés comme des figures égoïstes, de manières totalement différentes, Cardona étant la plus énigmatique (et pour une bonne raison). Alors que certaines personnalités de l'industrie cinématographique ne montrent aucune honte en profitant des autres, le comportement documenté de Cardona soulève des questions sur son intention depuis le début. Mais surtout, les escrocs célèbre le processus de réalisation d'un film et le fait que les images animées n'ont pas nécessairement besoin d'un son complémentaire pour raconter une histoire efficace.

D'après le roman de Stephen King de 1992, Gérald's Gamoi est une master class en suspens. Situé principalement dans une chambre, le récit du film examine le sort de Jessie Burlingame (Carla Gugino), qui est coincée menottée à un lit après son mari Gerald (Bruce Greenwood) meurt d'une crise cardiaque après un échec des préliminaires sexuels. Le jeu de Gérald réussit pour deux grandes raisons: la capacité du réalisateur Mike Flanagan à maintenir une humeur claustrophobe, plongeant ainsi le public dans l'état d'esprit de Jessie; et les performances des montagnes russes de Gugino.

En explorant les pires craintes de Jessie dans Le jeu de Gérald, Flanagan équilibre l'horreur psychologique avec le gore traditionnel. Gugino porte la charge et vend le film avec ses seules expressions faciales, mais il n'y a rien de tel qu'un moment WTF pour élever un film au niveau supérieur. Cela survient lorsque Jessie atteint le moment de vérité et doit décider si elle va mourir ou vivre. Globalement, Flanagan affiche sa virtuosité de cinéaste via des images déroutantes et apocalyptiques, préfigurant ainsi l'éclat qu'il apporterait à la série Netflix La hantise de Hill House l'année suivante.

Dès le départ, Noah Baumbach le Meyerowitz Histoires a cette sensation de cinéma vérité de New York. Dustin Hoffman dépeint le patriarche de la famille Meyerowitz, un artiste qui semble plus soucieux de son héritage créatif que d'être un bon père. Pendant ce temps, Ben Stiller joue le fils à succès, un homme qui se soucie sincèrement de ses proches mais semble être émotionnellement détaché. Avec tout ça en place, Adam Sandler vole la vedette en tant que Danny Meyerowitz, un père au chômage et dégoûtant de lui-même qui ne peut tout simplement pas trouver la tranquillité d'esprit. Alors que la plupart des performances de Sandler sont exagérées et adhèrent à une marque spécifique de comédie, celle-ci est modérée et entièrement émouvante.

Baumbach a réalisé et co-écrit les deux Françoise Ha et maîtresse amérique avec sa compagne Greta Gerwig (Dame Oiseau), mais il est depuis longtemps l'un des auteurs indépendants les plus intéressants du cinéma. Les histoires de Meyerowitz représente un autre chapitre important de l'œuvre du cinéaste, alors qu'il commente la culture artistique de New York et comment la posture est si cruciale pour le jeu. Incidemment, la performance de Grace Van Patten en tant que fille de Danny, Eliza, ajoute encore plus de profondeur, car c'est une jeune artiste provocante qui n'a pas encore traversé l'essoreuse. Cependant, la façon dont Eliza communique avec son père suggère qu'elle pourrait avoir l'intelligence la plus émotionnelle de tout le groupe.

D'après le roman d'Hillary Jordan, Boueux est lourd, difficile et réconfortant. Situé dans le sud des États-Unis pendant la Seconde Guerre mondiale, le film explore la relation entre les McAllan (une famille blanche) et les Jackson (une famille noire). Quand Jamie McAllan (Garrett Hedlund) et Ronsel Jackson (Jason Mitchell) de retour de la guerre, ils découvrent qu'ils ont beaucoup en commun, malgré leurs différences évidentes. Ces deux représentations centrales au sol Boueux avec cœur, alors que le monde autour des deux anciens combattants est plein de racisme et de ressentiment.

Dans Boueux, la cinématographie de Rachel Morrison représente le tissu conjonctif. Elle utilise une forte palette de couleurs vert-brun partout, que ce soit dans le Mississippi rural ou pendant les scènes aériennes de la Seconde Guerre mondiale. Il y a une quantité incroyable de sous-texte dans les contrastes de couleurs seuls, et la symétrie de Morrison le cadrage met l'accent sur le lien puissant entre Ronsel et Jamie, ainsi que sur la ségrégation inhérente de le sud. Pour Boueux, Morrison devient la première femme cinéaste à gagner une nomination aux Oscars, et ses visuels ajoutent une profondeur spectaculaire à un film déjà efficace.

Dans une perspective 2019, Came représente une nouvelle école de cinéma progressif. Réalisé par Daniel Goldhaber et écrit par Isa Mazzei, le Blumhouse l'horreur psychologique met en vedette Madeline Brewer dans le rôle d'Alice Ackerman alias Lola_Lola, une camgirl à la recherche d'un plus grand public et de plus de revenus. Sur la base de la prémisse, on pourrait s'attendre Came être plein de nudité graphique et de dialogues douteux, mais il s'agit moins des aspects sexuels de l'expérience de camgirl que de la manipulation psychologique qui équivaut à de gros pourboires. Sur la base de l'expérience personnelle de Mazzei en tant que camgirl, elle connaît sans aucun doute les stratégies de base, ce qui lui permet ensuite de manipuler le public en insufflant des éléments d'horreur dans le script.

Après avoir comparu dans Miroir noir et Le conte de la servante, Brewer offre une autre performance époustouflante dans Came. Et malgré le budget relativement modeste du film, la conception de la production améliore L'interprétation de la camgirl de Brewer, qui permet d'adhérer plus facilement à la prémisse et de continuer à regarder. Signification, si Came n'avait pas l'air génial, alors ce ne serait probablement pas sur Netflix. En fin de compte, les cinéastes partent d'une prémisse simple, puis renversent les attentes pour soulever encore plus de questions sur Lola_Lola. Came est la voie de l'avenir.

Réalisé par Susan Johnson, A tous les garçons que j'ai aimés avant ne tombe pas dans les pièges des genres. Le leader n'est pas un journaliste excentrique et peu sûr de lui, mais plutôt un adolescent élégant qui écrit en privé. Lara Jean Covey de Lana Condor n'a pas besoin de relooking, mais plutôt d'un petit ami qui l'apprécie en tant que femme. Avec ses clins d'œil subtils au passé cinématographique et sa compréhension de la culture moderne, A tous les garçons que j'ai aimés avant récit se sent intelligent et progressif, mais sans ressentir le besoin de le crier à haute voix. Le personnage de Condor est une bouffée d'air frais, un personnage diversifié qui ne semble pas intéressé à être The Cool Girl, The Manic Pixie Dream Girl ou une Mean Girl. C'est juste Lara Jean.

Contrairement à Configurez-le Charlie, le Peter de Noah Centineo est sympathique dès le début dans A tous les garçons que j'ai aimés avant. De plus, il se sent comme un petit ami digne de Lara Jean, même si elle ne peut pas tout à fait cerner ses intentions. Dans l'ensemble, l'utilisation des médias sociaux par le film est parfaite et il semble comprendre les réalités quotidiennes de la vie au lycée. La plupart des films d'amour pour adolescents ressentent le besoin d'expliquer excessivement les tendances culturelles, mais A tous les garçons que j'ai aimés avant comprend son identité. Et le charisme naturel et le pouvoir de star de Condor se traduiront finalement dans divers genres au-delà de cette franchise.

Réalisateur Cary Joji Fukunaga placez la barre haute avec le premier film original de Netflix, Les bêtes d'aucune nation. Basé sur le roman d'Uzodinma Iweala, le drame de guerre est un récit implacable et fictif de la transformation d'un jeune garçon en enfant soldat. Dès le début, Agu d'Abraham Attah promeut un «télévision imaginaire», pour ensuite être séparé de sa famille et capturé par un groupe rebelle connu sous le nom de NDF (Native Defence Forces). Non seulement Fukunaga a écrit et réalisé Les bêtes d'aucune nation, mais il a également tourné le film, et c'est le style visuel frénétique qui est puissamment parallèle à l'immédiateté des événements qui se déroulent.

Alors qu'Attah livre une performance déchirante et éducative en tant que Les bêtes d'aucune nation jeune rebelle, Idris Elbe est inoubliable en tant que commandant impitoyable. Dans la série policière emblématique de HBO Le fil, le Stringer Bell d'Elbe est à la fois intelligent et conscient de la situation dans son ensemble. Les bêtes d'aucune nation Commandant est tout aussi bien éduqué et dangereux, et il est prêt à faire une scène au sens figuré afin de faire passer un message fondamental sur la survie et la politique. Globalement, Les bêtes d'aucune nation mettra les téléspectateurs au défi, et l'expérience n'est pas toujours agréable. Cependant, les meilleurs films obligent le public à envisager d'autres perspectives, et ce Netflix Original fait le travail.

Réalisé par les frères Coen, La ballade de Buster Scruggs et son récit non conventionnel ne correspond pas nécessairement au mantra "Netflix and Chill". Pourtant, c'est un Netflix Original tout à fait unique avec des messages universellement pertinents. Les personnages vont et viennent dans le film d'anthologie western en six chapitres, et la patience est essentielle lors du traitement des histoires collectives et de la façon dont elles se connectent. Une fois de plus, les Coen présentent un nouveau groupe de personnages mémorables, qui comprennent tous que la mort est proche. Et c'est cette comédie noire qui parle de ce que cela signifie d'être humain et d'être imparfait.

Visuellement, chaque vignette dans La ballade de Buster Scruggs propose quelque chose de différent. Certains chapitres ont une touche de surréalisme, tandis que d'autres sont ancrés dans les traditions occidentales. C'est ce flair visuel du directeur de la photographie Bruno Delbonnel qui non seulement met en place les monologues classiques des frères Coen, mais informe également le public sur les espoirs et la peur des personnages. Avec La ballade de Buster Scruggs, les cinéastes montrent à quel point ils ont parcouru au fil des ans, en commençant par un discours inoubliable et sage caractère mais progressivement dompter l'humour clin d'œil et intimidant au profit d'un plus traditionnel narration. Et c'est ce que les fans ont appris à aimer au fil des ans: les Coen ont mis la table avec des visages familiers et des moments exagérés, seulement pour ouvrir une nouvelle voie et laisser les réponses souffler dans le vent.

Récemment, Netflix a fait sensation dans l'industrie cinématographique en faisant appel à de grands réalisateurs pour diriger des films et des séries télévisées originaux. Mais aucun d'entre eux n'a le CV de feu Orson Welles, une légende hollywoodienne décédée en 1985 sans avoir terminé son dernier film, L'autre côté du vent. Au fil des ans, les amis de Welles ont travaillé ensemble pour terminer le film "New Hollywood", un Netflix Original dont l'histoire mouvementée de la production est détaillée dans le documentaire complémentaire Netflix. Ils m'aimeront quand je serai mort. En tant que pièce de cinéma, L'autre côté du vent est provocateur, innovant et emblématique de l'esprit visionnaire de Welles.

Peter Bogdanovich et John Huston sont les moteurs de L'autre côté du vent. Ils ne savaient pas forcément comment le film se terminerait, ni même ce que tout cela signifiait, mais ils ont quand même prêté leur talent. Huston a toute la bravade d'un réalisateur qui a tout vu, un homme qui ne joue peut-être pas en soi. D'une certaine manière, il en va de même pour Bogdanovich, un critique devenu cinéaste qui était relativement inconnu au début de la production, mais assez accompli et peut-être un peu trop confiant. Parfois, Welles semble être pêche à la traîne les interprètes pendant L'autre côté du vent, tout en mettant en valeur leurs meilleurs attributs. Et la méta-récit du film a permis à Welles de changer de vitesse en passant d'une approche de style documentaire à un commentaire sur le mouvement New Hollywood. L'autre côté du vent sera toujours comparé aux premiers classiques de Welles, et c'est juste. D'une manière ou d'une autre, cela semble pertinent et nerveux en 2019; tout un exploit pour un cinéaste respecté qui a lutté pour obtenir le soutien financier d'Hollywood de son vivant.

En 2017, Bong Joon-ho's Okja a suggéré que Netflix était sur le point de changer l'industrie cinématographique. Deux ans plus tard, le film reste l'un des meilleurs originaux de Netflix, car il passe d'un film d'aventure familial à un commentaire sociopolitique sur la cupidité des entreprises. Avec une prémisse centrée autour d'un énorme super cochon, Okja est à couper le souffle dans la façon dont Joon-ho filme les séquences en plein air se déroulant en Corée du Sud, ainsi que les scènes de thriller suivantes. De plus, les deux Tilda Swinton et Jake Gyllenhaal fournissent une quantité étrange mais efficace de soulagement comique, car la personnalité de leurs personnages éclipse ce qui se trouve en dessous.

Tout comme les médias sociaux peuvent manipuler les récits sociétaux et altérer le sens de la réalité, Okja montre à quel point des individus bien intentionnés peuvent se laisser entraîner dans un jeu qu'ils ne sont peut-être pas prêts à comprendre. Les performances collectives sont superbes dans tous les domaines, et - au moment de la sortie - le cinéma inventif de Joon-ho a taquiné ce que Netflix pourrait accomplir avec les futures productions. Okja vous renversera, vous soulèvera et vous laissera réfléchir à la façon dont le récit fictif se traduit dans le monde réel.

Dans le passé, le cinéaste mexicain Alfonso Cuarón a réalisé des films comme Y Tu Mamá También, Harry Potter et le prisonnier d'Azkaban, et La gravité - qui ont ouvert la voie au projet passion Rome. Bien sûr, les films susmentionnés ne ressemblent en rien à Netflix Original 2018 de Cuarón, un film qui a finalement décroché 10 nominations aux Oscars et remporté trois prix pour le meilleur réalisateur, le meilleur film en langue étrangère et la meilleure photographie. Mais Rome n'est pas un film d'art et d'essai cryptique qui a été fait pour les snobs, il a été conçu pour que le public se sente viscéralement et avec lequel il se connecte. Alors que le récit est distinctement mexicain, Rome est fondamentalement une question de famille.

Tout comme les films du néoréalisme italien qui ont émergé après la Seconde Guerre mondiale, Rome dispose d'un casting non professionnel. Et tout comme les films français de la Nouvelle Vague de la fin des années 50 et du début des années 60, Rome a un style visuel unique, notamment dans la façon dont Cuarón met en scène les personnages et encadre les paysages urbains. Pour Netflix, les Roms le succès implique que des auteurs internationaux encore plus acclamés s'associeront à l'avenir au service de streaming, tandis que l'acquisition en cours du théâtre égyptien de renommée mondiale suggère que les futurs Netflix Originals pourraient en effet avoir des projections en salles sur une base régulière, au moins dans Hollywood. Quoiqu'il arrive, Rome est le couronnement de Netflix à ce jour; un film qui, espérons-le, inspirera des projets passionnés dans divers genres.

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