15 migliori film originali Netflix che devi guardare

Quali sono i migliori film originali da guardare? Netflix? Ora che il servizio di streaming è diventato un legittimo contendente per la stagione dei premi, gli abbonati prestano maggiore attenzione ai contenuti originali di Netflix.

Fino al 2015, Netflix era solo una destinazione popolare per i tagliacavi e gli streamer. E poi tutto è cambiato, come Netflix ha iniziato a produrre film originali, segnando un importante cambiamento nell'industria cinematografica poiché i film di alta qualità a medio budget sono diventati disponibili per la visione a casa immediatamente dopo l'uscita.

Non tutto Originali Netflix saranno i contendenti della stagione dei premi, ma la maggior parte sono divertenti. Tutto dipende da cosa stai cercando. Una commedia romantica? Un film d'autore? Che ne dici di un film che sia rappresentativo della cultura del 2019? Dai un'occhiata al nostro elenco di 15 originali Netflix che devi guardare al più presto.

• Questa pagina: I migliori film originali Netflix #15-13
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Come un film di genere di ritorno al passato, Tripla Frontiera controlla tutte le caselle. Per uno, c'è un cast di stelle principali Oscar Isaac, Charlie Hunnam, Pedro Pascal, Garrett Hedlund e Ben Affleck. Inoltre, il regista J.C. Chandor fornisce numerose sequenze ridicolmente fantastiche mentre l'ex squadra delle Operazioni speciali mette a segno una rapina in Sud America, momenti di cui dovrai mandare un messaggio a qualcuno. La cosa più importante, tuttavia, Tripla Frontiera non si prende troppo sul serio.

Da un punto di vista critico, Tripla Frontiera può essere facilmente smontato. Ci sono evidenti buchi nella trama e molti spettatori rideranno sicuramente dell'acuto senso di spavalderia maschile. Ma questo fa parte del divertimento, come Tripla Frontiera è tutto incentrato sull'abbracciare l'azione e su come reagiscono i personaggi. Chandor e il co-sceneggiatore Mark Boal (Zero Dark Trenta) infondono autenticità agli aspetti militari, mentre i protagonisti maschili ancorano il film con il loro cameratismo gonfio. Tripla Frontiera è una corsa sfrenata dall'inizio alla fine; un film degno di più re-watch, se non altro per puro intrattenimento popcorn.

protagonista Gina Rodriguez, Brittany Snow e DeWanda Wise, qualcuno di grande è perfetto per la folla di fine anni venti. Mentre molte commedie romantiche prendono di mira i millennial più giovani con dialoghi alla moda e riferimenti alla cultura pop, Jennifer Kaytin Robinson adotta un approccio più maturo con qualcuno di grande. Ognuna delle protagoniste femminili sembra capire che la passione da sola non le farà passare la vita; devono lavorare, e lavorare sodo.

Esteticamente, qualcuno di grande sembra bello con la sua tavolozza di colori caldi, sfumata di rosa e blu. Inoltre, la musica da sola eleva molte scene, in particolare quando arriva il "Supercut" di Lorde. E mentre Lakeith Stanfield non riceve molto tempo sullo schermo, funziona a vantaggio del film, poiché le protagoniste femminili sono davvero l'obiettivo principale. C'è sostanza dietro tutto lo stile, come qualcuno di grande i personaggi sostengono il discorso e camminano lungo la strada, almeno in termini di come si avvicinano ai loro desideri e bisogni.

13. La maestra d'asilo

Regia di Sara Colangelo, La maestra d'asilo è la storia di un educatore ben intenzionato che supera il limite. Maggie Gyllenhaal interpreta Lisa Spinelli, il personaggio titolare che riconosce che uno dei suoi giovani studenti, Jimmy, ha un talento per la poesia. Naturalmente, Lisa tenta di coltivare il talento di Jimmy, anche se i problemi personali alla fine offuscano il suo giudizio.

In La maestra d'asilo ruolo principale, Gyllenhaal offre una performance snervante come una donna che perde il senso di sé. Come regista, Colangelo tiene il pubblico alla sprovvista, mentre la travagliata Lisa manipola la verità per ragioni egoistiche, solo per perdere progressivamente il controllo. La maestra d'asilo solleva interrogativi sulla salute mentale e sul supporto emotivo, sia in ambito domestico che educativo. E mentre alcuni Netflix Originals invitano il pubblico a contemplare diversi modi di vivere in tutto il mondo, questo particolare film chiede allo spettatore di guardarsi dentro e di considerare come i sentimenti di inadeguatezza possono influenzare la propria quotidianità decisioni.

12. Configurarlo

quando Configurarlo uscito nel giugno 2018, la nuova svolta sui tropi della commedia romantica ha risuonato con molti spettatori. protagonista Zoey Tedesco e Glen Powell, il film di Claire Scanlon evidenzia efficacemente il divario tra giovani professionisti e individui più anziani e più esperti che sembrano dolorosamente fuori dal mondo. Per inciso, il carisma del personaggio è cruciale per Impostalo premessa, e Deutch apre la strada in modo impressionante come protagonista femminile accattivante ma imbarazzante. Supportare giocatori come Taye Diggs, Lucy Liu, Peter Davidson, e Meredith Hagner hanno tutti i loro momenti, ma Deutch è il ladro di scene più prezioso.

Per alcuni spettatori, Powell's Configurarlo il personaggio può essere del tutto sgradevole, ma questo è cruciale per la dinamica con Harper Moore di Deutch. Sono continuamente in disaccordo ma investono in un obiettivo comune. In tal senso, Configurarlo insiste sui tropi di genere, poiché c'è il solito trambusto della vita delle grandi città e, sorpresa, il personaggio di Deutch è un aspirante giornalista (un principale genere cliché), uno che in realtà non sembra scrivere molto. Nel complesso, Configurarlo funziona perché si sente tempestivo, fresco e consapevole di sé. Per i personaggi collettivi, la felicità immediata è più importante della prossima grande promozione, e c'è valore nell'apprezzare il momento, insieme ai piccoli, graduali cambiamenti che aprono la strada a una prospettiva più matura in vita.

11. Shirkers

uno un livello, Shirkers è esaltante per la sua rappresentazione di tre giovani donne che girano un film indipendente a Singapore. Le scene di produzione offrono una panoramica dell'approccio fai-da-te, insieme a tutti i compromessi che devono essere fatti durante l'esecuzione di una visione creativa collettiva. Tuttavia, Sandi Tan's Shirkers non è focalizzato sull'assoluta brillantezza degli "Shirkers" originali, ma piuttosto su come un uomo di nome Georges Cardona ha preso il filmato di produzione e non ha mai spiegato perché.

Essenzialmente, Shirkers è uno studio a due personaggi su Cardona e Tan stessa. Attraverso le riprese delle interviste, entrambi i soggetti vengono presentati come figure egoiste, in modi completamente diversi, con Cardona che è il più enigmatico (e per una buona ragione). Mentre alcune figure dell'industria cinematografica non mostrano vergogna mentre si approfittano degli altri, il comportamento documentato di Cardona solleva domande sulle sue intenzioni fin dall'inizio. Soprattutto, però, Shirkers celebra il processo di realizzazione del film e come le immagini in movimento non abbiano necessariamente bisogno di un audio complementare per raccontare una storia efficace.

Basato sul romanzo di Stephen King del 1992, Ga. di Geraldme è una master class in sospeso. Ambientato principalmente in una camera da letto, il racconto del film esamina la difficile situazione di Jessie Burlingame (Carla Gugino), che è bloccata ammanettata a un letto dopo che suo marito Gerald (Bruce Greenwood) muore per un attacco di cuore dopo un fallimento sessuale preliminare. Il gioco di Gerald ha successo per due grandi ragioni: la capacità del regista Mike Flanagan di sostenere uno stato d'animo claustrofobico, immergendo così il pubblico nello stato d'animo di Jessie; e la performance sulle montagne russe di Gugino.

Esplorando le peggiori paure di Jessie in Il gioco di Gerald, Flanagan bilancia l'horror psicologico con il gore tradizionale. Gugino porta il carico e vende il film solo con le sue espressioni facciali, ma non c'è niente come un momento WTF per elevare un film al livello successivo. Ciò avviene quando Jessie raggiunge il momento della verità e deve decidere se morirà o vivrà. Complessivamente, Flanagan mostra il suo virtuosismo come regista tramite immagini inquietanti e apocalittiche, prefigurando così lo splendore che avrebbe portato alla serie Netflix L'infestazione di Hill House l'anno seguente.

Fin dall'inizio, Noah Baumbach's Il Meyerowitz Storie ha quella sensazione di cinéma vérité di New York. Dustin Hoffman ritrae il patriarca della famiglia Meyerowitz, un artista che sembra più preoccupato per la sua eredità creativa che per essere un buon padre. Nel frattempo, Ben Stiller interpreta il figlio di successo, un uomo che si preoccupa sinceramente dei suoi cari ma sembra essere emotivamente distaccato. Con tutto ciò a posto, Adam Sandler ruba lo spettacolo nei panni di Danny Meyerowitz, un padre disoccupato e ostile che non riesce proprio a trovare la pace della mente. Mentre la maggior parte delle interpretazioni di Sandler sono esagerate e aderiscono a un tipo specifico di commedia, questa è sommessa e completamente commovente.

Baumbach ha diretto e co-sceneggiato entrambi frances ha e Padrona America con la sua compagna Greta Gerwig (Lady Bird), ma è stato a lungo uno degli autori indipendenti più interessanti del cinema. Le storie di Meyerowitz rappresenta un altro capitolo importante nell'opera del regista, poiché commenta la cultura artistica di New York e come la postura sia così cruciale per il gioco. Per inciso, l'interpretazione di Grace Van Patten nei panni della figlia di Danny, Eliza, aggiunge ancora più profondità, poiché è una giovane artista provocatoria che non è ancora passata allo strizzatore. Tuttavia, il modo in cui Eliza comunica con suo padre suggerisce che potrebbe avere l'intelligenza più emotiva dell'intero gruppo.

Basato sul romanzo di Hillary Jordan, fangoso è pesante, impegnativo e commovente. Ambientato nel sud americano durante la seconda guerra mondiale, il film esplora il rapporto tra i McAllan (una famiglia bianca) e i Jackson (una famiglia nera). Quando Jamie McAllan (Garrett Hedlund) e Ronsel Jackson (Jason Mitchell) tornati a casa dalla guerra, scoprono di avere molto in comune, nonostante le loro evidenti differenze. Queste due performance centrali si fondono fangoso con il cuore, poiché il mondo intorno ai due veterani di guerra è pieno di razzismo e risentimento.

In fangoso, la cinematografia di Rachel Morrison rappresenta il tessuto connettivo. Usa una forte tavolozza di colori verde-marrone ovunque, sia nelle campagne del Mississippi che durante le scene aeree della seconda guerra mondiale. C'è un'incredibile quantità di sottotesto solo nei contrasti di colore e simmetrico di Morrison l'inquadratura enfatizza il potente legame tra Ronsel e Jamie, insieme all'intrinseca segregazione di il Sud. Per fangoso, Morrison è diventata la prima direttrice della fotografia donna a guadagna una nomination all'Oscar, e le sue immagini aggiungono una spettacolare quantità di profondità a un film già efficace.

Dal punto di vista del 2019, Camera rappresenta una nuova scuola di cinema progressista. Diretto da Daniel Goldhaber e scritto da Isa Mazzei, il Blumhouse L'horror psicologico vede Madeline Brewer nei panni di Alice Ackerman alias Lola_Lola, una camgirl in cerca di un seguito più ampio e di più entrate. Sulla base della premessa, ci si potrebbe aspettare Camera essere pieno di nudità grafica e dialoghi discutibili, tuttavia si tratta meno degli aspetti sessuali dell'esperienza della camgirl e più della manipolazione psicologica che equivale a grandi mance. Basandosi sull'esperienza personale di Mazzei come camgirl, ha indubbiamente familiarità con le strategie di base, che le consentono di manipolare il pubblico infondendo elementi horror nella sceneggiatura.

Dopo essere apparso in Specchio nero e Il racconto dell'ancella, Brewer offre un'altra prestazione sbalorditiva in Camera. E nonostante il budget relativamente modesto del film, la scenografia migliora L'interpretazione camgirl di Brewer, che rende più facile entrare nella premessa e continuare a guardare. Significato, se Camera non sembrava eccezionale, quindi molto probabilmente non sarebbe stato su Netflix. Alla fine, i realizzatori prendono una semplice premessa e poi sovvertono le aspettative per sollevare ancora più domande su Lola_Lola. Camera è la via del futuro.

Diretto da Susan Johnson, A tutti i ragazzi che ho amato prima non cade nelle trappole di genere. Il protagonista non è un giornalista eccentrico e insicuro, ma piuttosto un adolescente elegante che scrive in privato. Lara Jean Covey di Lana Condor non ha bisogno di un restyling, ma piuttosto di un fidanzato che la apprezzi come donna. Con i suoi sottili accenni al passato cinematografico e alla comprensione della cultura moderna, A tutti i ragazzi che ho amato prima narrativa si sente intelligente e progressista, ma senza sentire il bisogno di gridarlo ad alta voce. Il personaggio di Condor è una boccata d'aria fresca, un personaggio diverso che non sembra interessato a essere The Cool Girl, The Manic Pixie Dream Girl o una Mean Girl. È solo Lara Jean.

In contrasto con Impostalo Charlie, il Peter di Noah Centineo è simpatico fin dall'inizio in A tutti i ragazzi che ho amato prima. Inoltre, si sente un degno fidanzato per Lara Jean, anche se lei non riesce a individuare le sue intenzioni. Nel complesso, l'uso dei social media da parte del film è azzeccato e sembra comprendere la realtà quotidiana della vita del liceo. La maggior parte dei film romantici per adolescenti sente il bisogno di spiegare eccessivamente le tendenze culturali, ma A tutti i ragazzi che ho amato prima ne comprende l'identità. E il carisma naturale e il potere delle star di Condor alla fine si tradurranno in vari generi oltre questo franchise.

regista Cary Joji Fukunaga impostare un livello elevato con il primo film originale di Netflix, Bestie di nessuna nazione. Basato sul romanzo di Uzodinma Iweala, il dramma di guerra è un racconto implacabile e immaginario della trasformazione di un giovane ragazzo in un bambino soldato. All'inizio, Agu di Abraham Attah promuove un "immaginazione TV”, solo per poi essere separato dalla sua famiglia e catturato da un gruppo ribelle noto come NDF (Native Defense Forces). Non solo Fukunaga ha scritto e diretto Bestie di nessuna nazione, ma ha anche girato il film, ed è lo stile visivo frenetico che mette in parallelo potentemente l'immediatezza degli eventi che si svolgono.

Mentre Attah offre una performance straziante e educativa come Bestie di nessuna nazione giovane ribelle, Idris Elba è indimenticabile come l'implacabile comandante. Nell'iconica serie poliziesca della HBO Il cavo, Stringer Bell dell'Elba è intelligente e consapevole del quadro più ampio. Bestie di nessuna nazione Comandante è altrettanto istruito e pericoloso, ed è disposto a fare figurativamente una scena per portare a casa un messaggio fondamentale sulla sopravvivenza e la politica. Complessivamente, Bestie di nessuna nazione metterà alla prova gli spettatori e l'esperienza non è sempre piacevole. Tuttavia, i migliori film costringono il pubblico a considerare prospettive alternative e questo Netflix Original fa il suo lavoro.

Diretto dai fratelli Coen, La ballata di Buster Scruggs e la sua narrativa non convenzionale non si allinea necessariamente con il mantra "Netflix and Chill". Tuttavia, è un Netflix Original assolutamente unico con messaggi universalmente riconoscibili. I personaggi vanno e vengono nel film antologico western in sei capitolie la pazienza è fondamentale quando si elaborano le storie collettive e il modo in cui si collegano. Ancora una volta, i Coen introducono un nuovo gruppo di personaggi memorabili, i quali capiscono che la morte è dietro l'angolo. Ed è quella commedia oscura che parla di cosa significa essere umani ed essere imperfetti.

Visivamente, ogni vignetta in La ballata di Buster Scruggs offre qualcosa di diverso. Alcuni capitoli hanno un tocco di surrealismo, mentre altri sono intrisi di tradizioni occidentali. È quell'estro visivo del direttore della fotografia Bruno Delbonnel che non solo mette in scena i classici monologhi dei fratelli Coen, ma informa anche il pubblico sulle speranze e le paure dei personaggi. Con La ballata di Buster Scruggs, i realizzatori mostrano fino a che punto sono arrivati ​​nel corso degli anni, iniziando con un'indimenticabile e saggia personaggio, ma sminuisce progressivamente l'umorismo ammiccante e sfacciato a favore di un umorismo più tradizionale narrativa. Ed è questo che i fan hanno imparato ad amare nel corso degli anni: i Coen apparecchiano la tavola con volti familiari e momenti esagerati, solo per aprire una nuova pista e lasciare le risposte al vento.

Di recente, Netflix ha fatto un salto nell'industria cinematografica arruolando importanti registi per dirigere film e serie televisive originali. Ma nessuno di loro ha il curriculum del compianto Orson Welles, una leggenda di Hollywood scomparsa nel 1985 senza aver completato il suo ultimo film, L'altro lato del vento. Nel corso degli anni, gli amici di Welles hanno lavorato insieme per completare il film "New Hollywood", un originale Netflix la cui turbolenta storia di produzione è dettagliata nel documentario complementare Netflix Mi ameranno quando sarò morto. Come un pezzo di cinema, L'altro lato del vento è provocatorio, innovativo ed emblematico della mente visionaria di Welles.

Peter Bogdanovich e John Huston sono le forze trainanti di L'altro lato del vento. Non sapevano necessariamente come sarebbe finito il film, o anche cosa significasse, ma hanno comunque prestato il loro talento. Huston ha tutta la spavalderia di un regista che ha visto tutto, un uomo che forse non recita di per sé. In un certo senso, lo stesso vale per Bogdanovich, un critico diventato regista che era relativamente sconosciuto quando è iniziata la produzione, ma che era piuttosto abile e forse un po' troppo sicuro di sé. A volte, Welles sembra essere traina gli artisti durante L'altro lato del vento, mettendo in evidenza i loro migliori attributi. E la meta-narrativa del film ha permesso a Welles di cambiare marcia passando da un approccio in stile documentario a un commento sul movimento New Hollywood. L'altro lato del vento sarà sempre paragonato ai primi classici di Welles, ed è giusto. In qualche modo, sembra rilevante e spigoloso nel 2019; un bel traguardo per un regista rispettato che ha lottato per ottenere un sostegno finanziario da Hollywood mentre era in vita.

Nel 2017, Bong Joon-ho's Okja ha suggerito che Netflix fosse sul punto di cambiare l'industria cinematografica. Due anni dopo, il film rimane uno dei migliori Netflix Originals, poiché passa da un film d'avventura per famiglie a un commento sociopolitico sull'avidità aziendale. Con una premessa incentrata su un enorme super maiale, Okja è mozzafiato nel modo in cui Joon-ho filma le sequenze all'aperto ambientate in Corea del Sud, insieme alle successive scene del thriller. Inoltre, entrambi Tilda Swinton e Jake Gyllenhaal forniscono una strana ma efficace quantità di sollievo comico, poiché le personalità dei loro personaggi oscurano ciò che si trova sotto.

Proprio come i social media possono manipolare le narrazioni sociali e alterare il proprio senso della realtà, Okja mostra come individui ben intenzionati possono essere coinvolti in un gioco che potrebbero non essere pronti a capire. Le performance collettive sono eccezionali su tutta la linea e, al momento del rilascio, l'inventiva cinematografica di Joon-ho ha stuzzicato ciò che Netflix potrebbe realizzare con le produzioni future. Okja ti butterà a terra, ti solleverà e ti lascerà a pensare a come la narrativa immaginaria si traduce nel mondo reale.

In passato, il regista messicano Alfonso Cuarón ha diretto film come Y Tu Mamá También, Harry Potter e il prigioniero di Azkaban, e Gravità - tutto ciò ha aperto la strada al progetto della passione Roma. Naturalmente, i film di cui sopra non assomigliano affatto a Netflix Original 2018 di Cuarón, un film che alla fine ha ottenuto 10 nomination agli Oscar e ha vinto tre premi per il miglior regista, il miglior film in lingua straniera e la migliore fotografia. Ma Roma non è un film d'essai criptico che è stato fatto per snob, è stato creato per far sentire visceralmente il pubblico e con cui connettersi. Mentre la narrazione è decisamente messicana, Roma riguarda fondamentalmente la famiglia.

Proprio come i film del neorealismo italiano emersi dopo la seconda guerra mondiale, Roma dispone di un cast non professionale. E proprio come i film della New Wave francese della fine degli anni '50 e dei primi anni '60, Roma ha uno stile visivo unico, in particolare nel modo in cui Cuarón mette in scena i personaggi e inquadra i paesaggi urbani. Per Netflix, dei rom il successo implica che anche gli autori internazionali più acclamati uniranno le forze con il servizio di streaming in futuro, mentre l'acquisizione in sospeso del famoso teatro egiziano suggerisce che i futuri Netflix Originals potrebbero effettivamente avere proiezioni teatrali su base regolare, almeno in Hollywood. Qualsiasi cosa succeda, Roma è il coronamento di Netflix finora; un film che, si spera, ispirerà progetti di passione attraverso vari generi.

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