'Inside Out' en de Pixar-formule: wat als [ding] gevoelens had?
Binnenstebuiten is de nieuwste speelfilm uitgebracht door Pixar Animation Studios, een bedrijf dat nu al twintig jaar volledig computergeanimeerde films maakt. De theatrale releases van de studio omvatten tot nu toe een behoorlijk eclectische verzameling hoofdrolspelers, of ze nu ouderwets zijn speelgoed, monsters in de kast, superhelden van middelbare leeftijd, futuristische robots, of zelfs gewoon een gewoon elfjarig meisje (in de sprake van Binnenstebuiten's hoofdpersoon, Riley).
Echter, net zoals Disney Animation Studios bepaalde sprookjesachtige stijlfiguren heeft, komt het keer op keer terug, er zijn zeker beproefde elementen gevonden in alle films van Pixar tot nu toe, niet in de laatste plaats: de "Wat als [ding] gevoelens had?" (menselijke gevoelens, dat wil zeggen) uitgangspunt dat als basis heeft gediend voor een behoorlijk deel van de projecten van het bedrijf.
Er zijn natuurlijk uitzonderingen op die regel (De ongelofelijken en Moedig), maar zelfs sommige daarvan gaan over verwante ideeën (de halsbanden die de gedachten van honden onthullen in
-
9 De Toy Story-films (1995, 1999 en 2010)
Verhalen over levenloos speelgoed dat tot leven komt, bestaan al lang voordat de wereld kennismaakte met Woody, Buzz Lightyear en hun plastic leeftijdsgenoten, maar Toy Story (en de vervolgen) is in staat om een inventieve variatie op het concept te geven. Het speelgoed van de film is niet volledig kinderlijk in termen van emotionele volwassenheid en kijk (a la Pinocchio), noch zijn ze volledig volwassen in hun denkwijze en persoonlijkheden. In plaats daarvan vallen de personages van de franchise ergens in het midden, psychologisch gesproken; in staat om moeilijke kwesties te begrijpen, zoals hun eigen wegwerpbaarheid (lees: sterfelijkheid), maar tegelijkertijd onderhevig aan emotionele impulsen meer op het niveau van kinderdenken dan volwassen logica.
Wat maakt de Toy Story franchise zo goed (en herkenbaar voor filmbezoekers van alle leeftijden) is dat het gedrag van de personages uiteindelijk is geworteld in zorgen die speelgoed logischerwijs zou hebben - in het hart van hun baasje 'vervangen' worden door een glanzender nieuw speeltje (rivaliteit tussen broers en zussen), weggegooid worden omdat ze oud en vervallen zijn (zorgen om ouder worden), en dus vooruit. Deze problemen spreken kinderen en volwassenen natuurlijk op verschillende manieren aan, en dat stelt de Toy Story films blijven resoneren met mensen van alle leeftijden, zelfs jaren nadat ze ze voor het eerst hebben gezien. Dit zorgt ook voor een behoorlijk bitterzoet moment, wanneer Andy, de oude eigenaar van het speelgoed, eindelijk zijn oude vrienden (en, symbolisch, zijn jeugd) achterlaat, om bemind te worden door een ander. Dat veronderstelt dat jij de lezer heeft zelf gevoelens.
8 Het leven van een insect (1998)
Een insecten leven, als je erover nadenkt, gaat het over een zwaar onderwerp (op klassen gebaseerde sociale ongelijkheid, de hiërarchische tendensen van de natuur, enz.), aangezien het een gezinsvriendelijke film is waarin een van de grappen is dat iedereen denkt dat het lieveheersbeestje met Denis Leary een vrouw. Desalniettemin biedt dit verhaal van excentrieke circusbeestjes die samenwerken met een mierenkolonie om een stel gemene sprinkhanen te bestrijden een vrij verhelderende kijk op een aantal ingewikkelde concepten - zoals hoe (in wezen) tot slaaf zijn kan de psychologie van een groep vormen, tot het punt waarop hun leden nooit (zelfs wanneer ze alleen zijn) het argument van hun meesters in twijfel trekken dat de ongelijkheid tussen ze is "Een van die 'Circle of Life'-dingen" (zoals Kevin Spacey's Hopper het uitdrukt).
In vergelijking tot Een insecten leven, het origineel Toy Story is (aantoonbaar) innovatiever in termen van conceptuitvoering; voorbeeld, DreamWorks' Antz uitgebracht in hetzelfde jaar als Een insecten leven (1998, om precies te zijn) en duikt misschien nog dieper in de psychologische kijk van zijn insectenkarakters, terwijl hij tegelijkertijd soortgelijke verhalende thema's onderzoekt. Hoe dan ook, het verhaal van Pixar over Flik the Ant en zijn vrienden is een knap staaltje animatiefilm - een die iets interessants doet met de idee van bugs die last hebben van veel van dezelfde zorgen (over hun werk en/of hun plaats in het grote geheel) als veel mensen doet.
7 Monsters, Inc. (2001)/Monsters-universiteit (2013)
Gezinsvriendelijke films over het bestaan van geheime werelden bevolkt door monsters waren er al lang voordat Pixar filmbezoekers introduceerde bij James P. Sullivan en Mike Wazowski (zie Kleine monsters, uitgebracht in 1989), maar Monster, Inc. neemt het concept van een monstermaatschappij die wordt aangedreven door kindergeschreeuw zeker in een creatieve en unieke richting. Echter, omdat de Monsters universum niet per se zo anders functioneert dan de menselijke wereld (de burgers groeien op, hebben een baan en gaan door met hun leven zoals gewone mensen dat doen), de personages in Monsters, Inc. en zijn prequel Monsters Universiteit hebben persoonlijkheden en gedragskenmerken die vergelijkbaar zijn met iemand van dezelfde leeftijd.
Personages in de Monsters franchise is misschien niet zo interessant om te psychoanalyseren als die in de Toy Story films (om die reden), maar tegelijkertijd stelt dit die films in staat om kwesties te onderzoeken die directer herkenbaar zijn. Waar een personage als Woody bijvoorbeeld vaak in situaties terechtkomt waar hij te maken heeft met meer algemene existentiële kwesties, zijn 'Sully' en Mike worstelt met het verwezenlijken van hun carrièreambities, het onderzoeken van de moraliteit van hun werk, het in contact komen met hun ouderinstinct, enzovoort. vooruit. Het eindresultaat: de Monsters films zijn anders, maar in veel opzichten net zo doordacht als andere Pixar-films als het gaat om het hebben van emotioneel veelzijdige personages.
6 Nemo vinden (2003)
Finding Nemo, vergelijkbaar met Pixar's Monsters films, behandelt een aantal gemakkelijk toegankelijke (maar tegelijkertijd gecompliceerde) emotionele dilemma's, zij het door de lens van een verhaal over vissen, zeeschildpadden en andere geassorteerde wezens die de oceaan. De onmiddellijke pogingen van Marlin om zijn zoon Nemo te redden en te beschermen (evenals zijn innerlijke strijd om te accepteren dat Nemo opgroeit) is het soort dingen waar elke ouder zich mee kan identificeren, net als Nemo's jeugdige verlangen om zijn grenzen te verleggen en zijn horizon te verbreden, typerend voor jouw doorsnee mensenkind (hetzelfde geldt voor Dory's behoefte aan wat emotionele/familiale stabiliteit zodat ze haar mentale voorwaarde).
Tegelijkertijd is de aquatische setting van de film echter meer in lijn met pre-Monsters, Inc. Pixar filmt universums, in termen van hoe weinig het structureel lijkt op de menselijke samenleving. Dus in die zin Finding Nemo markeert een belangrijk ontwikkelingspunt voor Pixar, met betrekking tot hoe het in dat stadium de "formule" van de studio heeft ontwikkeld; het mengen van zeer herkenbare emotionele problemen (en psychologische reacties van de personages), maar binnen de context van een heel andere wereld. Het zal interessant zijn om te zien hoe het aanstaande vervolg Dory vinden speelt en wijkt (of niet) af van die benadering, alles bij elkaar genomen.
5 Auto's (2006)/Auto's 2 (2011)
De auto's films hebben zeker hun aanhangers, maar ze worden ook over het algemeen uitgekozen als het zwakste filmaanbod van Pixar tot nu toe. Dat kan voor een deel te wijten zijn aan de karakters van de auto's franchise zijn het minst inventief in termen van hun psychologie, vergeleken met andere Pixar-creaties. Terwijl het speelgoed van Toy Story een zeer unieke mentaliteit hebben (nogmaals, ergens tussen kinderlijk en volwassen), bijvoorbeeld dit serie neemt een ongecompliceerde en minder inventieve benadering om zijn voertuigen te antropomorfiseren karakters. Als zodanig is Mater in feite een sleepwagen die zich gedraagt als Larry the Cable Guy (in een kinderfilm), Doc Hudson is in wezen de persona van Paul Newman op het scherm in de vorm van een Hudson Hornet uit 1951, en dus vooruit.
Dat wil niet zeggen tekens zoals auto's hoofdrolspeler Lightning McQueen ontbreekt het aan emotionele diepgang en/of worstelt met problemen die niet universeel toegankelijk zijn. De auto's films worstelen gewoon niet met de complexe psychologische zaken die andere Pixar-films via hun eigen respectieve universums vaak opnemen. Het voordeel is dat het emotionele obstakel en de problemen waarmee de auto's van de auto's franchises zijn misschien het gemakkelijkst voor leden van de juice box-menigte (de doelgroep van de films) om mee om te gaan; naarmate ze ouder worden, kunnen deze films om die reden echter minder interessant voor hen worden dan andere Pixar-titels.
4 Ratatouille (2007)
Meerdere Pixar-films bevatten echter zowel menselijke personages als niet-menselijke hoofdrolspelers Ratatouille is ongebruikelijk omdat het veel dichterbij komt om evenveel tijd te besteden aan het verkennen van de psychologieën en denkprocessen van beide karaktertypes (hier, mensen en ratten) met zijn verhaal. De rattensamenleving in de film lijkt op die van de insectenwereld in Een insecten leven; hoofdpersoon Remy lijkt ook een beetje op Flik, in die zin dat beide personages dichter bij het menszijn staan persoonlijkheden die gevangen zitten in de lichamen van niet-mensen, terwijl hun leeftijdsgenoten een duidelijk andere emotionele kijk. Beide hoofdrolspelers hebben ook vergelijkbare creatieve driften, verbeeldingen en verlangens om conventies te doorbreken die meer op de volwassen (zij het enigszins naïeve) schaal van emotionele complexiteit vallen.
Echter, Ratatouille gaat verder dan Een insecten leven, in die zin dat het de rattensamenleving gebruikt als een spiegel voor de mensenwereld (en vice versa). Mensen zijn over het algemeen aanwezig geweest (al was het maar als delen van de achtergrond) in de meeste Pixar-filmuniversums, behalve voor auto's, maar in Ratatouille er zijn meerdere mensen met uitgewerkte persoonlijkheden en dromen / verlangens, parallel aan die voor de verschillende rattenkarakters. Gecombineerd met bepaalde andere aspecten (zoals de sequenties waarin Remy interageert met zijn ingebeelde versie) van Gusteau), verheft dit de film ver boven een eenvoudige variatie op beproefde Pixar-tropen.
3 WALL-E (2008)
Liefdesverhaal over de ineenstorting van de robot na de instorting van de omgeving WALL-E bevat een handvol verwijzingen naar het werk van Stanley Kubrick (in het bijzonder 2001: Een ruimte-odyssee), terwijl de film zelf in veel opzichten bijna aanvoelt als een Kubrick-sci-fi-visie die tot leven is gebracht door de meer humanistische vertellers van Pixar. Als zodanig zijn de robots van WALL-E zijn grotendeels rudimentair en gebaseerd op hun emotionele verlangens en expressiviteit, maar er is een complexiteit aan antropomorfe machines zoals WALL-E en EVE die herinneren aan de Toy Story karakters (lees: ze zijn ergens tussen volwassen en kinderlijk in persoonlijkheid). Ook de robots van WALL-E worden sterk gedreven door hetzelfde fundamentele, maar betekenisvolle verlangen als Woody en Company: de behoefte (of behoefte) aan liefde.
De menselijke spelers in WALL-E pas in de tweede helft van de film echt in het spel komen en dus niet doordrenkt zijn met de emotionele complexiteit die de mensen in Ratatouille had (of die in meer mensgerichte Pixar-films, zoals De ongelofelijken en Omhoog). Echter, de menselijke verhaallijn van WALL-E draait om het idee dat mensen in de toekomst hun menselijkheid terugwinnen, waardoor de niet-robotspelers in het verhaal kunnen ondergaan hun eigen emotionele reizen - en laat zo zien dat in een wereld waar robots gevoelens kunnen hebben, er altijd hoop is voor hun menselijke uitvinders te.
2 Conclusie
de vraag van "Wat als [ding] gevoelens had?" is er een die Pixar in de loop van de twee decennia vele malen heeft verkend sinds het begon met het maken van lange animatiefilms. De originele verhalen van de studio over niet-mensen die kunnen denken (en in het bijzonder gevoel) waardevol inzicht hebben gegeven in alles, van de fundamentele emotionele behoefte aan liefde (de Toy Story films) tot wat het zelfs betekent om gevoelens en emoties te hebben in de eerste plaats (WALL-E).
Binnenstebuiten blijft dat uitgangspunt op nieuwe en intrigerende manieren onderzoeken, en de tweede Pixar-release van 2015 (De goede dinosaurus) zou net zoveel kunnen beheren met zijn eigen variatie op hetzelfde concept (zoals toekomstige Pixar-aanbiedingen zouden moeten doen). Maar maak je geen zorgen, er zal ook altijd ruimte zijn voor ons gekke mensen op de foto.
1 VOLGENDE: Inside Out Review
Binnenstebuiten draait nu in de bioscoop. De goede dinosaurus draait vanaf 25 november 2015 in de bioscoop.
VolgendeElke versie van Spider-Man, gerangschikt van zwakste tot meest krachtige