10 visuelle varemerker av 10 kjente regissører

Gjennom kinohistorien har store filmskapere etablert sine signaturstiler, så mye at arbeidet deres umiddelbart er gjenkjennelig for fans og enda mer uformelle kinogjengere. For noen regissører er det deres skriveteknikker, tematiske materiale og rollebesetningsvalg som gjør at arbeidet deres skiller seg ut fra jevnaldrende.

Men ofte vil gode regissører ha visse visuelle varemerker som de bruker om og om igjen gjennom hele karrieren, og gir filmene deres et unikt visuelt stempel som lar publikum umiddelbart identifisere seg filmene deres. Disse innebærer valg som spenner fra kamerabevegelser og skuddkomposisjon til deres valg av selve filmlageret.

10 Spike Lee - The Dolly Shot

Regissør Spike Lee har jobbet i flere sjangere gjennom sin karriere, fra romantiske komedier og krigsdramaer til dokumentarer. Men det som alle Spike Lee-filmer har til felles, er at en karakter, minst én gang i alle filmene hans, står på en bevegelig dolly og ser rett forbi kameraet mens han blir trukket frem. Dette skaper en surrealistisk effekt der karakteren ser ut til å sveve over bakken.

Spike Lees filmer har alle en hjemmelaget kvalitet som er en del av sjarmen deres, og dette varemerket er et perfekt eksempel på Lees signaturstil i aksjon.

9 Akira Kurosawa - The Wipe Effect

Den legendariske japanske filmskaperen Akira Kurosawa var banebrytende for «tørkeeffekten», en overgang mellom bilder. I motsetning til et tradisjonelt snitt, er wipe-effekten når en stolpe beveger seg over skjermen, og skjuler det første bildet ved å avsløre det andre. Kurosawa brukte selvfølgelig også standardkutt og oppløser, men denne overgangen ble et varemerke for ham gjennom hele karrieren.

Den ble senere brukt i Hollywood-filmer, mest kjent i Star Wars Episode IV: A New Hope. George Lucas lenge har sitert Kurosawa som den viktigste innflytelsen på ham, og derfor er det naturlig at wipe-effektovergangene hans var inspirert av Kurosawa.

8 Wes Anderson - Slow Motion Tracking Shots satt til popmusikk

Wes Anderson er en av amerikanske kinoer mest distinkte visuelle stylister. Eksempler florerer av hans karakteristiske saktefilmsporingsbilder. De er ofte akkompagnert av populære musikk-lydspor for å gi en filmatisk stil til viktige emosjonelle øyeblikk i filmene hans.

Scenene har ofte en drømmeaktig kvalitet, og de lar også publikum fullt ut ta inn over seg forseggjort produksjonsdesign, et annet visuelt varemerke for filmene hans som han har blitt kjent for år.

7 Alfonso Cuaron - Forseggjorte lange opptak

meksikansk filmskaper Alfonso Cuaron er ikke den eneste regissøren kjent for sine lange sporingsbilder, men han tar sofistikasjonen og kompleksiteten til denne teknikken til nye høyder. 2006-tallet Barn av menn inneholder to ekstremt forseggjorte enkeltopptakssekvenser, en i en bil, og en som følger heltekarakteren gjennom en krigssone.

Det mest imponerende er kanskje åpningen av 2013-tallet Tyngdekraften, som består av en 12 minutter lang take som bærer hele første akt av filmen frem til handlingen starter.

6 Stanley Kubrick - Symmetrisk komposisjon

Stanley Kubrick har laget noen av de mest ikoniske filmene av det senere 20. århundre. The Shining inneholder de fleste eksempler på symmetrisk skuddkomposisjon, er det et tema i filmen involverer speil og refleksjoner (dvs. "Redrum" er "Murder" stavet bakover).

Men eksempler florerer av symmetri i komposisjon gjennom hele filmografien hans, inkludert 2001: A Space Odyssey, Full Metal Jacket, og En Clockwork Orange. Kubrick er en av de mest omhyggelige visuelle stylistene som noensinne har regissert filmer, og derfor gjør hans symmetriske scenografi og opptakskomposisjon arbeidet hans umiddelbart gjenkjennelig.

5 David Lynch - Objekter i bevegelse

Det finnes ingen filmskaper som er mer unik enn David Lynch, hvis filmer ofte har en uhyggelig, drømmeaktig kvalitet som er skapt av hans visuelle og hørbare varemerker. En av enhetene han bruker for å skape denne surrealistiske, desorienterende opplevelsen er en cutaway eller et nærbilde av et tilfeldig livløst objekt i bevegelse.

Objektet er ofte uvesentlig for handlingen, men disse bildene legger til sanseelementer som bidrar til å skape Lynchs karakteristiske marerittaktige stemning. Det mest bemerkelsesverdige eksemplet på dette er takviften i Twin Peaks, som er fremtredende omtalt i syv episoder av showet. Sprinkleranlegget i den skumle åpningen av Blå fløyel er et annet minneverdig eksempel, det samme er det illevarslende klokketårnet i Elefantmannen.

4 Martin Scorsese - Det bevegelige kameraet

En annen regissør som har jobbet i utallige sjangre opp gjennom årene er Martin Scorsese. Uavhengig av hvilken sjanger han jobber i, har filmene hans en tendens til å ha en kinetisk kvalitet på dem, som er definert av skurrende redigeringer av lang tid samarbeidspartner Thelma Schoonmaker, samt et kamera som er nesten konstant i bevegelse, inkludert feiende kamerabevegelser som lander på en karakters ansikt.

I Iren, en scene så enkel som at Pacinos Jimmy Hoffa vitnet før senatet involverte et skut med kran. Hans andre pøbelfilmer bruker denne teknikken ganske mye, men han bruker også et kamera i konstant bevegelse i kostymedramaet sitt fra 1993, De Uskyldens tidsalder.

3 Steve McQueen - Langt, stillkamera tar

Å spore bilder og bevegelige kameraer er imponerende, men det kan også være stor kraft i et stillbildekamera som tar et langt, uavbrutt opptak. Dette skaper en voyeuristisk kvalitet som filmskaperen Steve McQueen har mestret opp gjennom årene. I 2011s ødeleggende drama, Skam, et stillbildekamera fanger en vanskelig første date i sanntid, i tillegg til en av filmens mange realistiske kjærlighetsscener, som ga filmen en NC-17 rangering.

I sin Oscar-vinnende slave i 12 år, McQueen bruker denne effekten til en uutholdelig effekt når Solomon Northup blir hengt fra en lavthengende tregren og må stå på tærne for å unngå å kveles i hjel. Skuddet er 90 sekunder langt, men det føles som en evighet.

2 Lars Von Trier - Håndholdt kameraarbeid

Regissør Lars Von Trier er kjent for å skape kontroverser med filmene sine, som ofte urokkelig omhandler svært opprørende emne. Noe av det som gjør filmene hans så provoserende er at de ofte er filmet med håndholdt kamera i dokumentarstil teknikker, som gir filmene hans et uhyggelig realistisk preg, til tross for at noen av dem er surrealistiske innhold.

Von Trier kalte denne filmstilen «Dogme 95», som han lagde sammen med en annen dansk forfatter, Thomas Vinterburg. "95" refererer til året 1995 da Von Trier kunngjorde denne nye stilen for filmskaping på en hundreårsfeiring av film i Paris.

1 Oliver Stone - Flere filmlager, linser og fargepaletter

En annen filmskaper som ikke er fremmed for kontroverser, er Oliver Stone. Filmene hans er også tilført en kinetisk, noen ganger til og med hektisk og kaotisk, kvalitet. Han oppnår denne stilen ved ofte å eksperimentere med forskjellige filmlager og/eller fargepaletter i samme film. I Natural Born Killers, han kombinerer 8 mm, 16 mm og 35 mm filmlager, samt celluloid og video, for å skape collage-lignende effekter fra filmens begynnelse til slutt.

Han bruker også forskjellige filmaksjer gjennom JFK og Nixon og kombinerer svart og hvitt og fargepaletter i U-sving. I 2012-årene Villmenn, han endrer ikke bare fargepaletter, men inkluderer også opptak fra webkamera og mobiltelefon.

Neste20 skuespillere som IKKE ønsket å kysse medstjernene sine

Om forfatteren