Hvordan Sci-Fi-filmer har endret seg i løpet av hvert tiår (og hvorfor)
Science fiction var en av de første sjangrene som dukket opp i filmhistorien, og den har endret seg dramatisk i løpet av de over 100 årene den har eksistert. Sci-fi eksisterte lenge før oppfinnelsen av kino, og har sin opprinnelse i romaner så langt tilbake som tidlig på 1800-tallet. Mange litteraturhistorikere mener at Mary Shelleys Frankenstein er det første sanne science fiction-verket i litterær kanon, og bidrar til å etablere visse identifiserbare trender i sjangeren - som det arrogante geni, og de potensielle farene ved vitenskapelige ambisjoner.
Etter å ha tatt steget fra litteratur til film på begynnelsen av 1900-tallet, var science fiction i stand til å kaste nye dybder. Det som begynte som skrevet fantasi blomstret på kamera, og sjangeren begynte å utforske nye og spennende undersjangre på skjermen. Dusinvis av populære science-fiction-romaner ble tilpasset til filmer som gjorde det immaterielle til det visuelle. Og utenom bare tilpasninger, presset sjangerfilmskapere på konvolutten med historier som reflekterte livets realiteter på fantastiske og futuristiske måter. Filmer som
Så populære som sci-fi-filmer er nå, var dette ikke nødvendigvis alltid tilfelle. Med moderne sjangerfilmer som opplever økte popularitetsnivåer, er det viktig å merke seg at denne renessansen er resultat av år med filmisk transformasjon, og dusinvis av science-fiction-filmer som presset konvolutten og brøt nytt bakke. Hvert tiår brakte nye filmer, nye trender, nye troper og nye måter å forestille seg fremtiden til den menneskelige opplevelsen.
1900-tallet
På begynnelsen av 1900-tallet hadde film ennå ikke blitt det dominerende underholdningsmediet det er anerkjent som i dag. Faktisk hadde den tidligste anerkjente filminnspillingen, Roundhay Garden Scene, bare blitt filmet 12 år før århundreskiftet. Ved begynnelsen av 1900-tallet ble film brukt som en kilde til underholdning, da pionerene innen teknologien før da anså det som en teknologi som utelukkende skulle brukes i vitenskapelig kapasitet. The Lumière Brothers (som var de første som viste frem et bevegelig bilde for et samlet publikum, egentlig fødselskino) mente at filmen var forbeholdt filming av "aktualiteter", forgjengeren til dokumentar. I motsetning til dokumentaren, var aktualiteter uredigerte: rå innspillinger ment å skildre livet på en så uendret måte som mulig.
Mens virkeligheten var veldig populær på slutten av 1800-tallet, begynte film uunngåelig å bli brukt som en kilde til underholdning. Tidlige filmskapere som George Méliès begynte å flytte grensene for hva film kunne være, med sin kortfilmer En tur til månen og Den umulige reisen, utgitt i henholdsvis 1902 og 1904. Begge filmene representerer den generelle atmosfæren rundt science fiction-filmer på den tiden, selv om de i ettertid ville ligget mer innenfor science fantasy-området. Méliès-filmer fulgte generelt grupper av intellektuelle og teoretikere som bestemmer seg for å foreta en reise til en fantastisk rike eller oppnå et nesten umulig mål, gjennom bruk av absurd, men vagt vitenskapelig utstyr. Disse filmene er veldig populære over hele verden og inspirerte et vell av imitatorer som 1910-tallet Et interplanetært ekteskap, og etablerte science fiction som en stor fantasikraft selv i filmens tidlige dager.
1910-tallet
Over 20 år etter opprettelsen av det første kinokameraet, ble film mer og mer en tilgjengelig kunstform. Selv om det ikke er på langt nær så vanlig som våre moderne utflukter til kinosalen, er artister over hele verden fra andre Medier begynte å se på film som et revolusjonerende håndverk, noe som førte til at flere og flere funksjoner og kortfilmer ble til opprettet. Med George Méliès siste film, Erobringen av polen, som ble utgitt i 1912, begynte science fiction-filmer generelt å bevege seg bort fra hans svært fantastiske tilnærming og sette seg inn i en mer jordet atmosfære.
Filmer som 1916-tallet 20 000 ligaer under havet, den første filmen noensinne filmet delvis under vann, og Mestermysteriet, en amerikansk filmserie fra 1918 med Harry Houdini i hovedrollen, viste kinoens overgang mot hardere, mer håndgripelig vitenskapelig fiksjon. Temaet inkluderte vitenskapelige ekspedisjoner og robotautomater, som representerte verdens spirende nysgjerrighet angående dagens teknologiske fremskritt. På grunn av de raske fremskrittene innen filmteknikker, begynte publikum også å bli mer vant til innslaget lengdefilm, en overgang som ville fortsette til det punktet hvor kortfilmer er mye mer nisje i dag enn de var på 60 år siden.
1920-tallet
I løpet av filmens tidlige dager, nærmere bestemt 1910-tallet, var mange av kortfilmene som ble laget eskapistiske fantasier; eksperimentelle historier laget av bokforfattere og tryllekunstnere. Imidlertid markerte 1920-tallet et tydelig skifte i strukturen til mye sjangerfilm, spesielt science fiction. Etter hvert som filmskaping ble en mer sofistikert form, begynte manusforfattere og regissører å sette inn sosiale kommentarer i filmene de laget. Science-fiction-litteratur satte presedens, men 1920-tallet etablerte for alvor muligheten for filmer til å være en sosial allegori.
Det største eksemplet på dette som har kommet ut av tiåret er Fritz Langs mesterverk fra 1927 Metropolis, et lysende eksempel på den tyske ekspresjonistiske bevegelsen. Sterkt inspirert av tysk industrialisme så vel som det økende gapet mellom de rike elitene og den fattige arbeiderklassen, Metropolis skildrer en fremtid der underklassens arbeidere blir tvunget til å slite under jorden mens 1% bor i høye skyskrapere. Den grusomme forskjellen i å leve mellom de to klassene var en direkte parallell til den økonomiske uroen Tyskland opplevde i kjølvannet av første verdenskrig. Til denne dag, Metropolis er en gullstandard for ikke bare den dystopiske fremtiden, men sci-fi-underholdning generelt.
1930-tallet
Mens sjangeren blomstret i tiårene før 1930-tallet, så de tidlige 1930-årene verden klatre ut av de økonomiske grusomhetene som preget den store depresjonen. Som et resultat av dette var science fiction-sjangeren mindre idealistisk enn den hadde vært i årene før. Både litteratur og film opplevde et betydelig mørkere skifte i sjangeren, reflektert i at science fiction ble smeltet sammen med andre sjangre.
De mest ikoniske filmene som kom ut av tiåret var Universal og Paramount sci-fi skrekkfilmer, spesielt Dr. Jekyll og Mr. Hyde og Den usynlige mannen. Disse filmene ligger i en mellomting mellom den eskapistiske fantasien til tidligere pionerer og den hardere sci-fi-en på 20- og 30-tallet, og sluttresultatet er filmer som bruker vitenskap og teknologi for å gjenspeile den økende bekymringen og redselen som oppleves av internasjonale publikummere som sakte beveger seg ut av det store Depresjon. Dessverre ble ting over hele verden verre før de ble bedre, ettersom kjølvannet av den store depresjonen uunngåelig førte til andre, større globale redsler.
1940-tallet
1940-tallet vitnet om den største globale konflikten gjennom tidene: kjøttkvernen kjent som andre verdenskrig. Utallige liv gikk tapt, og effektene ble følt i kultur og kunst over hele verden. Mens de mest populære filmene ble produsert på den tiden var krigsfilmer, spesielt propaganda som trommede opp støtte for begge formål, opplevde sci-fi-filmer også effekten av krigsinnsatsen. Med Universal og Paramount som fortsetter å pumpe ut sine ikoniske monsterfilmer, brukte mange amerikanske studioer science fiction tropper i pulp fiction som Flash Gordon for å vise fascismens redsler og autoritarisme.
En film fra denne epoken, 1945-tallet Merkelig ferie, er veldig på nesen om sitt antiautoritære budskap. John Stevenson, hovedpersonen, kommer tilbake fra en ferie og blir sjokkert over å oppdage at fascister har tatt over USA. Som mange uskyldige filmer på den tiden, ble filmen faktisk skrevet i hemmelighet av General Motors-selskapet, en vanlig praksis på den tiden. Mange industribedrifter ble brukt til å hjelpe i krigsinnsatsen, og en av måtene de gjorde dette var å bruke pengene deres til å promotere filmer som rettferdiggjorde USAs handlinger i krig.
1950-tallet
Science fiction på 1950-tallet gjennomgikk en av de største kulturelle endringene som noen gang har funnet sted i landet sjanger, en transformasjon som var direkte knyttet til et av de mest grufulle vitenskapelige gjennombruddene noen gang. Den første og eneste registrerte bruken av atomvåpen ble begått mot Japan på slutten av andre verdenskrig. Little Boy og Fat Man ble detonert over de japanske byene Hiroshima og Nagasaki, tre dager fra hverandre, i august 1945, og det samlede dødstallet for begge bombingene ligger et sted rundt 200 000. Siden den gang, på godt og vondt, har skyggen av kjernefysisk utslettelse ruvet seg over internasjonale anliggender og det moderne samfunnet.
Science fiction-filmer var noen av de første underholdningskildene som taklet denne enorme begivenheten. Ved å bruke pulpy, glorete filmteknikker, filmer som f.eks Dem! og Den kom fra under havet terroriserte publikum med uhyggelig store dyr, enten forvridd eller avdekket ved atomprøvesprengning. Bestefaren til kaiju-filmen, Gojira, kom ut i 1954, direkte inspirert av atomfrykten som ble båret ut av atombombingen.
Atomalderen var imidlertid ikke det eneste sosiale problemet som ble tatt opp i science fiction-filmer. Mens Sovjetunionen vokste i makt og innflytelse, var et hovedtema som ble taklet i science-fiction-filmer frykten for invasjon, en tynt tilslørt allegori for den amerikanske frykten for kommunisme. Den opprinnelige Invasion of the Body Snatchers kom ut i løpet av denne tiden, og med sine følelsesløse romvesenimitatorer ble filmen paradoksalt nok en dobbeltkantet allegori for både Red Scare og McCarthyist-heksejaktene som grep nasjon.
1960-tallet
Populariteten til filmene laget under "gullalderen" av science fiction vedvarte gjennom 1960-tallet, og etterlot publikum med en syndflod av atominspirert sci-fi-skrekk så vel som total dominans av Shōwa-epoke Godzilla-filmer. På det meste av 60-tallet virket det som om romvesener og radioaktive skapninger var overalt, mest fordi de typer filmer kunne produseres med relativt små budsjetter og var garantert pengeskapere for studio. Slutten av 1960-tallet forynget imidlertid sci-fi-sjangeren med to spesielle filmer som forlot forgjengernes hokey-tone, og bar tråder av Metropolis' sosialt ladet DNA.
1968 introduserte filmgjengere for Franklin J. Schaffners Apenes planet, en skarp kritikk av den kjernefysiske besettelse som også tilfeldigvis revolusjonerte spesialeffekter. Senere samme år, Stanley Kubrick's et populært mesterverk 2001: A Space Odyssey ble utgitt, og utforsket et vell av forskjellige temaer som spenner fra menneskehetens søken etter mening til følelsen av kunstig intelligens. Begge filmene tente igjen gnisten for intellektuell science fiction på skjermen og banet vei for mange av filmene vi har nå.
1970-tallet
Mens den billige sci-fi-skrekkfilmen aldri ble helt borte, 2001 førte direkte til en økning smarte sci-fi-thrillere blir utgitt internasjonalt. Filmer som Andromeda-stammen, Soylent Green, og Solaris var alle langsomme, metodiske science-fiction-filmer som lente seg tungt inn i de filosofiske implikasjonene av historiene de fortalte. På samme tid begynte imidlertid filmkretsen akkurat å forstå kraften til storfilmen og hva den kunne gjøre når den ble koblet sammen med andre typer filmer.
En-to-punchen til Stjerne krigeni 1977 og Superman: The Moviei 1978 forandret landskapet for filmskaping for alltid. Den ene en original eiendom, den andre en tegneserietilpasning, begge var vanvittig vellykkede og førte til etableringen av massive spillskiftende franchiser. Supermann var nesten tjue år foran superheltfilmkurven og banebrytende spesialeffekter, mens Stjerne krigen... vel, alle vet hva Stjerne krigen gjorde.
1980-tallet
Som populære filmer generelt gjør i Hollywood, er virkningen av Stjerne krigen førte til et vell av imitatorer, hvorav de fleste falt på skalaen fra billig til anstendig. Battle Beyond the Stars er uten tvil den mest kjente av disse imitasjonene, mest på grunn av det faktum at de avanserte spesialeffektene ble laget av James Cameron selv. Cameron ville fortsette å definere science-fiction-sjangeren på 80-tallet med sin egen film, Terminatoren. En av få virkelig originale tidsreisefilmer, ikke bare gjorde det Terminatoren i bunn og grunn skrive boken om tidsreiseparadokser, men den passet også inn i en spirende trend for sci-fi på 80-tallet, som var den futuristiske apokalypse-settingen. Mange forskjellige filmer brukte dette på forskjellige måter, bl.a Blade Runner og den animerte Akira, men den kollektive panikken rundt en dyster teknologisk fremtid var utvilsomt inspirert av usikkerheten rundt den pågående kalde krigen.
1990-tallet
Hvis 50-tallet reflekterte paranoiaen og frykten angående verdens inntreden i kjernefysisk tidsalder, så handlet 90-tallet om den kollektive bekymringen rundt begynnelsen av internettalderen. Utallige filmer fra denne tidsperioden betraktet teknologi med en slags merkelig terror, som f.eks Maskinvare, som følger en morderisk robot som utfører en herjing over en post-apokalyptisk ødemark. Terminator 2reflekterte også denne typen kybernetisk paranoia, med avsløringen av at Skynet-systemet dukket opp fra etableringen av en kompleks superprosessor.
Selvfølgelig reflekterte ingen film fra 90-tallet mer nøyaktig den postmodernistiske holdningen til utvikling av teknologi og atmosfæren rundt den spirende internettkulturen enn Matrisen. Henter fra et vell av forskjellige inspirasjoner (inkludert buddhisme, supermann og Spøkelse i skallet), fanget Wachowski-familiens visjon om en dystopisk fremtid der menneskeheten har blitt slavebundet av roboter perfekt den kulturelle tidsånden, og inspirerte en bølge av filmer som valgte de samme temaene.
2000-tallet
Fremkomsten av CGI påvirket mange filmer sterkt i løpet av denne tiden, spesielt science fiction-filmer, og ingen steder er det mer tydelig enn Stjerne krigen prequel-trilogi. Til tross for deres komplekse og intrikate verdensbygging, undergraver Lucas' overavhengighet av visuelle effekter og billig humor det som kunne vært en fantastisk retur til en galakse langt, langt unna. Det stoppet imidlertid ikke andre filmskapere fra å ta Lucas' banebrytende arbeid med CGI og bruke det på andre prosjekter. James Camerons film fra 2009 Avatarer den dag i dag en av de mest banebrytende filmene som noen gang er laget bare på grunn av fremskritt gjort i avdelingen for visuelle effekter. Kobling av CGI og 3D-teknologi ga filmpublikum en audiovisuell opplevelse hvis innvirkning aldri kan undervurderes.
2010-tallet
Helt siden storfilmens begynnelse på 1970-tallet har de blitt mer og mer populære i studiosystemet, og 2010-tallet er uten tvil da de traff kritisk masse. Enorme blockbuster-franchiser blomstret i løpet av denne tidsperioden, for eksempel Transformatorerfilmer så vel som de fleste Marvel Cinematic Universe. Mens superheltfilmer først og fremst har de fleste røtter i science fiction-konsepter og slitasje. disse påvirkningene på ermene deres når de arbeider med kunstig intelligens eller utenomjordiske superhelter.
Mot slutten av denne perioden vokste arthouse science fiction-filmen i popularitet. På samme måte som filmer som 2001, indie-filmskapere pumpet ut vågale og originale konsepter som f.eks Under hudenogEx machina, og til og med studioer tok noen ganger risiko på større intellektuelle sci-fi-filmer som Nolans Interstellar.
2020-tallet og utover
Selv med trendene fra flere tiår bak oss, er det vanskelig å identifisere nøyaktig hvor sci-fi vil gå videre. Mens publikum har øynene opp for enkelte kommende utgivelser som f.eks Tenetog Denis Villenueves etterlengtede Sanddynetilpasning, ingen vet med sikkerhet hva som kan komme neste gang for sjangeren. Helt siden de tidlige dagene på sidene av klassisk litteratur har science-fiction reflektert oppdagelsene og erfaringene til samfunnet som informerer den. Så lenge kultur og teknologi fortsetter å utvikle seg over hele kloden på nye og spennende måter, vil også science fiction fortsette å sjokkere og overraske publikum over hele verden.
Eternals-stjernen Angelina Jolie avslører om hun noen gang ville regissert MCU-film
Om forfatteren