10 wizualnych znaków towarowych 10 znanych reżyserów

W całej historii kina wielcy filmowcy ustanowili swoje charakterystyczne style do tego stopnia, że ​​ich praca jest natychmiast rozpoznawalna dla fanów, a nawet bardziej przypadkowych kinomanów. Dla niektórych reżyserów ich techniki pisarskie, materiał tematyczny i wybór obsady są tym, co wyróżnia ich prace na tle rówieśników.

Często jednak świetni reżyserzy mają pewne wizualne znaki towarowe, których używają wielokrotnie przez całą karierę, nadając filmom wyjątkową wizualną pieczęć, która pozwala widzom na natychmiastową identyfikację ich filmy. Obejmują one wybór od ruchów kamery i kompozycji ujęć po wybór samego materiału filmowego.

10 Spike Lee — Strzał Dolly

Dyrektor Spike Lee w swojej karierze pracował w wielu gatunkach, od komedii romantycznych po dramaty wojenne do filmów dokumentalnych. Ale to, co łączy każdy film Spike'a Lee, to to, że przynajmniej raz we wszystkich jego filmach postać stoi na poruszającym się wózku i patrzy bezpośrednio za kamerę, gdy jest ciągnięta do przodu. Tworzy to surrealistyczny efekt, w którym postać wydaje się unosić nad ziemią.

Wszystkie filmy Spike'a Lee mają domową jakość, która jest częścią ich uroku, a ten znak towarowy jest doskonałym przykładem charakterystycznego stylu Lee w akcji.

9 Akira Kurosawa - Efekt wycierania

Legendarny japoński filmowiec Akira Kurosawa był pionierem „efektu wycierania”, czyli przejścia między obrazami. W przeciwieństwie do tradycyjnego cięcia, efekt wycierania pojawia się, gdy pasek przesuwa się po ekranie, ukrywając pierwsze ujęcie, odsłaniając drugie. Oczywiście Kurosawa również używał standardowych cięć i rozpuszczań, ale to przejście stało się jego znakiem rozpoznawczym przez całą jego karierę.

Był później używany w filmach hollywoodzkich, najbardziej znanych w Gwiezdne wojny, odcinek IV: Nowa nadzieja. George Lucas od dawna cytowany Kurosawa jako główny wpływ na niego, więc jest zrozumiałe, że jego przejścia efektu wycierania zostały zainspirowane przez Kurosawę.

8 Wes Anderson — Ujęcia ze śledzeniem w zwolnionym tempie ustawione na muzykę pop

Wes Anderson jest jednym z amerykańskich kin najwybitniejsi styliści wizualni. Jest mnóstwo przykładów jego charakterystycznych ujęć śledzących w zwolnionym tempie. Często towarzyszą im popularne ścieżki dźwiękowe, które dodają kinowego charakteru kluczowym momentom w jego filmach.

Sceny często mają w sobie coś ze snu, a także pozwalają widzom w pełni je ogarnąć dopracowana scenografia, kolejny wizualny znak rozpoznawczy jego filmów, z których zasłynął na przestrzeni lat lat.

7 Alfonso Cuaron - Rozbudowane długie ujęcia

Meksykańska filmowiec Alfonso Cuaron nie jest jedynym reżyserem znanym z długich ujęć śledzących, ale przenosi wyrafinowanie i złożoność tej techniki na nowy poziom. 2006 Dzieci mężczyzn zawiera dwie niezwykle rozbudowane sekwencje single-take, jedną w samochodzie, a drugą podążającą za bohaterem przez strefę wojny.

Być może najbardziej imponujące jest jednak otwarcie 2013 roku Powaga, który składa się z 12-minutowego ujęcia, które prowadzi cały pierwszy akt filmu, aż do rozpoczęcia akcji.

6 Stanley Kubrick - Kompozycja symetryczna

Stanley Kubrick zrobił niektóre z najbardziej kultowych filmów z późnego XX wieku. Lśnienie zawiera najwięcej przykładów symetrycznej kompozycji ujęć, ponieważ tematem filmu są lustra i odbicia (tj. „Redrum” to „Murder” pisane od tyłu).

Ale przykłady symetrii w kompozycji obfitują w całej jego filmografii, w tym: 2001: Odyseja kosmiczna, w pełni metalowa kurtka, oraz Mechaniczna Pomarańcza. Kubrick jest jednym z najbardziej skrupulatnych stylistów wizualnych, którzy kiedykolwiek reżyserowali filmy, dzięki czemu jego symetryczna scenografia i kompozycja ujęć sprawiają, że jego prace są natychmiast rozpoznawalne.

5 David Lynch - Ruchome obiekty

Nie ma bardziej wyjątkowego filmowca niż David Lynch, którego filmy często mają upiorną, senną jakość, którą tworzą jego wizualne i dźwiękowe znaki towarowe. Jednym z urządzeń, których używa do stworzenia tego surrealistycznego, dezorientującego doświadczenia, jest wycinek lub zbliżenie na losowo poruszający się obiekt nieożywiony.

Obiekt jest często nieistotny dla fabuły, ale te ujęcia dodają elementy sensoryczne, które pomagają stworzyć charakterystyczny koszmarny nastrój Lyncha. Najbardziej godnym uwagi tego przykładem jest wentylator sufitowy w Bliźniacze szczyty, który jest widoczny w siedmiu odcinkach serialu. System tryskaczowy w strasznym otworze Niebieski aksamit to kolejny pamiętny przykład, podobnie jak złowieszcza wieża zegarowa w In Człowiek słoń.

4 Martin Scorsese - Ruchoma kamera

Innym reżyserem, który przez lata pracował w niezliczonych gatunkach, jest Martin Scorsese. Niezależnie od tego, w jakim gatunku pracuje, jego filmy mają zazwyczaj kinetyczną jakość, którą określają wstrząsające edycje przez długi czas współpracownik Thelma Schoonmaker, a także kamera, która jest prawie ciągłym ruchem, w tym przesuwające ruchy kamery, które lądują na bohaterze Twarz.

w Irlandczyk, scena tak prosta, jak Jimmy Hoffa Pacino zeznający przed Senatem, obejmowała strzał z lotu ptaka. Jego inne filmy o mafii stosuje tę technikę dość często, ale w swoim dramacie kostiumowym z 1993 roku używa stale poruszającej się kamery, ten Wiek niewinności.

3 Steve McQueen — Długie, nieruchome zdjęcia

Zdjęcia śledzące i poruszające się kamery robią wrażenie, ale aparat nieruchomy może mieć również wielką moc, rejestrując długie, nieprzerwane ujęcia. To tworzy voyerystyczną jakość, którą filmowiec Steve McQueen opanował przez lata. W druzgocącym dramacie 2011 roku Wstyd, aparat fotograficzny rejestruje niezręczną pierwszą randkę w czasie rzeczywistym, a także jedną z wielu realistycznych scen miłosnych w filmie, która zasłużyła na film ocena NC-17.

W swoim nagrodzonym Oscarem 12 lat niewolnika, McQueen wykorzystuje ten efekt do rozdzierającego efektu, gdy Solomon Northup jest zawieszony na nisko wiszącej gałęzi drzewa i musi stanąć na palcach, aby nie zakrztusić się na śmierć. Ujęcie trwa 90 sekund, ale wydaje się, że trwa wieczność.

2 Lars Von Trier — Kamera z ręki

Reżyser Lars Von Trier jest znany z tego, że swoimi filmami wywołuje kontrowersje, które często bezwzględnie zajmują się bardzo przykry temat. Częścią tego, co sprawia, że ​​jego filmy są tak prowokacyjne, jest to, że często są kręcone przy użyciu ręcznej kamery w stylu dokumentalnym technik, które nadają jego filmom niesamowicie realistyczny charakter, mimo że niektóre z nich są surrealistyczne w swoim zadowolony.

Von Trier nazwał ten styl filmowania „Dogme 95”, który współtworzył z kolegą duńskim autorem, Thomasem Vinterburgiem. „95” odnosi się do roku 1995, kiedy Von Trier ogłosił ten nowy styl filmowania podczas obchodów stulecia kina w Paryżu.

1 Oliver Stone — wiele filmów, soczewek i palet kolorów

Innym filmowcem, któremu nie są obce kontrowersje, jest Oliver Stone. Jego filmy są również nasycone kinetyczną, czasem nawet szaloną i chaotyczną jakością. Osiąga ten styl, często eksperymentując z różnymi taśmami filmowymi i/lub paletami kolorów w tym samym filmie. w Urodzeni mordercy, łączy taśmy 8 mm, 16 mm i 35 mm, a także celuloid i wideo, aby od początku do końca stworzyć efekt kolażu.

Używa również różnych taśm filmowych w całym tekście JFK oraz Nixon i łączy czerń i biel oraz palety kolorów w Zawrócić. W 2012 roku Dzicy, nie tylko zmienia palety kolorów, ale także włącza nagrania z kamery internetowej i telefonu komórkowego.

Następny20 aktorów, którzy nie chcieli całować swoich gwiazdorów

O autorze