10 klasycznych filmów, które Hollywood nigdy nie powinny remake

Przerabianie klasycznego filmu jest jak oddanie dziecka do adopcji. Powinieneś to zrobić tylko wtedy, gdy bardzo potrzebujesz gotówki, a nawet wtedy jest to tragedia. Mamy nadzieję, że sarkazm tutaj jest oczywisty, podobnie jak chciwość współczesnych studiów, jeśli chodzi o poświęcenie naszych kinowych wspomnień na rzecz wszechmocnego dolara.

Splułbyś na Van Gogha? Edytuj Faulknera? Oswojony Czajkowski? Jeśli twoja odpowiedź nie brzmi jak głośne „NIE”, to módl się o przebaczenie. Pamiętaj: dokonywanie najsubtelniejszych zmian w odcieniu skóry Yody w zremasterowanej wersji Gwiezdne Wojny Kolekcja uczyniła George'a Lucasa pariasem, więc niech to będzie ostrzeżenie dla Hollywood: pozostajesz istotny i niezbędny dla kultury i polityki ze względu na swoją kreatywność. Kontynuuj wydobywanie tego surowca i oprzyj się pokusie bieżnikowania uświęconego terenu. W twoim najlepszym interesie jest pozostawienie prawdziwych klejnotów historii kina w kolekcji Criterion, The Smithsonian i U.S. National Film Registry

Już omówiliśmy 10 filmów, które Hollywood nieuchronnie przerobią, ale oto nasza lista 10 filmów, które Hollywood powinno Nigdy Przerobić:

Przeminęło z wiatrem (1936)

Adaptacja powieści Margaret Mitchell z 1936 r. wymagała oddania i wspaniałości, jakich Hollywood nigdy nie doświadczyło. Pod wieloma względami Victor FlemingaPrzeminęło z wiatrem stał się złotym standardem dla epickiego filmu. Nie pozostawiając żadnego kamienia odwróconego ze swoją rozległą wizją południowego okresu przedwojennego w pierwszej połowie i całkowitego zniszczenia Walki wewnętrzne Ameryki i próby odbudowy w drugim filmie z 1939 roku pozostawiają trudne do odrobienia wrażenie potrząsnąć.

Vivien Leigh, Clark Gable i Hattie McDaniel przedstawili jedne z najbardziej pamiętnych występów ich czas, wypełniając ekran ostrymi kontrastami rtęciowych emocji, dawnej męskości i ironii humor. Przy akompaniamencie partytury Maxa Steinera, Przeminęło z wiatrem wystrzelił na wszystkich cylindrach. Czy można go dziś przerobić? Tylko z nazwy.

8 Casablanka (1942)

Trzy lata po sukcesie Przeminęło z wiatrem, hollywoodzki system studyjny chwiał się wraz ze swoją handlową produkcją filmów. Mieli formułę, która zadziałała. Kiedy Casablanka szczupak spadł jako adaptacja nie wyprodukowanej sztuki, Wszyscy przychodzą do Ricka, został umieszczony na linii produkcyjnej, aby uchwycić ducha czasu II wojny światowej podczas inwazji aliantów na Afrykę Północną.

Premiera filmu okazała się znakomita w czasie, a podczas Casablanka cieszył się świetnymi efektami kasowymi i pozytywną reakcją prasy, zakorzenił się w świadomości społecznej na długo po swoim pierwszym debiucie. Dzięki transcendentnemu scenariuszowi, który oferuje niezapomniane linie dla każdej sceny w filmie, wojenny dramat reżysera Michaela Curtiza pozostaje jednym z najbardziej wyraźnie romantycznych filmów, jakie kiedykolwiek stworzono. Humphrey Bogart i Ingrid Bergman przypalają ekran. Obrazy, muzyka i ton są prawie jak ze snu, a za każdym razem, gdy kończysz oglądać Casablanka, chcesz odtworzyć go ponownie.

7 Obywatel Kane (1941)

Orson Welles miał zaledwie 26 lat, kiedy reżyserował Obywatel Kane, wlewając do filmu dojrzałość i powagę, z którymi od tego czasu niewielu reżyserów dorównało. Jako żarliwy człowiek teatru, Welles spędził swoje wczesne lata dwudzieste na scenie pomimo zaliczek finansowych Hollywood. Kiedy jego projekty filmowe sprawiły, że potrzebował pieniędzy, poleciał do Los Angeles i po wizycie w studiach RKO podpisał z kierownictwem kontrakt na dwa zdjęcia.

Z pewnością Welles posiadał społeczne wdzięki marki Clooney, ponieważ pierwszy reżyser filmowy odszedł z mocnym budżet, nieokiełznana autonomia scenopisarstwa i złoty standard władzy reżyserskiej, prawo do ostatecznego cięcia montażownia. Zasadniczo genialne umysły w RKO zaufały tej połowie lat 20. artysta z kluczami do królestwa.

Często płatając figle w studiu i pracując przez całą dobę, nakręcił film dokładnie tak, jak sobie wyobrażał. Nie tylko jest Obywatel Kane to trwała ikona klasycznego Hollywood, powinna być reklamowana jako dowód, że wielcy reżyserzy zasługują na pełną kontrolę twórczą. Jeśli na każde dziesięć nieudanych prób osiągnięcia wielkości publiczność dostanie jedną Obywatel Kane, wtedy hazard „Dyktator dyrektor” na dłuższą metę bije na głowę biurokrację studyjną.

To wspaniałe życie (1946)

Choć często wspomina się go jako film bożonarodzeniowy, wzruszający film Franka Capry z 1946 r. to przejmujący dramat w przebraniu Świętego Mikołaja. Myśli samobójcze, takie, jakich doświadcza George Bailey (James Stewart), nie są powodem do śmiechu. Być może dlatego najlepsze momenty w filmie przypominają nam, że rzeczywiście żyjemy cudownie.

To rodzaj filmu, który sprawia, że ​​chcesz przytulić swoją rodzinę i na chwilę zwolnić tempo. Podły złoczyńca, pan Potter (Lionel Barrymore), sprawia, że ​​cierpnie ci na skórze swoim samolubnym okrucieństwem, niemal wzywając do działania przeciwko naszej społecznej skłonności do chciwości.

To jest wspaniałe życiema swoje chwile grozy, zwłaszcza gdy George Bailey widzi, jak wyglądałoby życie bez niego. Capra reżyseruje te sekwencje z koszmarną jakością, która nawiedza tak samo, jak ujmujące są sceny pojednania. Nie można komplementować Jimmy'ego Stewarta za ten występ i tylko z tego powodu film powinien pozostać całkowicie nietykalny.

6 Fajna ręka Łukasza (1967)

“To, co tu mamy, to brak komunikacji!” Tak mówi kapitan sadomasochistyczny (Strother Martin) w Fajna ręka Łukasza, dokładnie ilustrując różnicę między słabymi ludźmi jego pokroju a niezłomnym duchem ludzi takich jak Lucas „Luke” Jackson (Paul Newman). Donn Pearce i Frank R. Pierson napisał szczelny scenariusz, który zaproponował panu Newmanowi jego występ na srebrnej tacy.

Fajna ręka Łukasza nigdy nie można powtórzyć, ponieważ film jest definiowany przez głównego aktora. Ten rodzaj zarozumiałej arogancji i głęboko zakorzenionej depresji sprawiał, że niebieskooki Newman był czymś w rodzaju paradoksu. Wyciągnął ten dramatyczny koktajl w oszustzaledwie sześć lat wcześniej i od tego czasu doskonalił swoje rzemiosło. W filmie Newman gra podburzającego motłoch weterana wojny koreańskiej, który zostaje wciągnięty w gang łańcuchowy, który obcina po pijanemu parkomaty.

Sprawy wyglądają ponuro dla Luke'a, ale kiedy odbywa karę, odkrywa na nowo swoją nieustępliwość i poprzez serię procesów na aresztu staje się najbardziej szanowanym mężczyzną w więzieniu. Nic dziwnego, Fajna ręka Łukasza stał się jednym z najbardziej cenionych filmów w historii.

5 Ojciec chrzestny (1972)

Ktokolwiek przerabia klasykę Francisa Forda Coppoli, z pewnością będzie antychrystem. Każda próba ponownego wyobrażenia sobie eposu Corleone byłaby żywą obrazą dla kina, dla Brando, Pacino, de Niro, Duvall, Cazale i niezliczona liczba innych artystów, którzy wzięli książkę Mario Puzo i przekształcili ją w kawałek czystej poezja.

Jak zacząć opisywać wspaniałość klasyka z 1972 roku? Niewidomy bard nie musiał dużo opisywać Heleny z Troi. Była po prostu idealna. Ojciec chrzestny poświęca mu całe ryzy literatury i pomimo przyprawiającego o mdłości w świecie filmu rozdział gangsterskiej epopei, rozmowy nigdy się nie kończą.

Tematy szacunku, honoru i rodziny są głęboko zakorzenione w trylogii Coppoli i podczas gdy wielu Corleone'ów mają krew na rękach, zjednali sobie publiczność swoją pasją i zapałem do życie. Wartości produkcyjne są transcendentne, a kontrasty między postaciami takimi jak Michael i Sonny Corleone tworzą naprawdę skwierczący film.

4 Absolwent (1967)

"Pani. Robinson, próbujesz mnie uwieść. Prawda? Mike Nichols wypełnia swój drugi film wystarczającą liczbą fallicznych odniesień i obrazów, aby uzasadnić ocenę R, ale jego reżyserski spryt i klasa wydobyły przyjaznego rodzicom PG. Absolwent stał się ostoją karier Nicholsa i Dustina Hoffmana, z tym podszyciem seksualnego niepokoju i kryzysów tożsamości, które obejmowały tę epokę.

Jasne, obserwując Benjamina Braddocka (Hoffman) śpiącego z niezwykle uwodzicielską panią Mrs. Robinson (Anne Bancroft) okazał się kontrowersyjny jak na tamte czasy, ale dał widzom jedną z najbardziej humorystycznych i wciągających historii o dojrzewaniu, które miały zostać sfilmowane. Odbywające się w latach 60. XX wieku, kiedy amerykańska rodzina nuklearna miała znacznie mniejsze rozszczepienie niż bomba atomowa, drwiące ukłucia Nicholsa w kulturę („tworzywa sztuczne”) był zaawansowany, nienaganny i niepowtarzalny.

3 Na nabrzeżu (1954)

Na froncie wodnym został oparty na kilku artykułach opublikowanych w 1949 roku, które ujawniły brutalność i wewnętrzne konflikty wśród dokerów z New Jersey, czyniąc z filmu niepowtarzalną okazję. Dostarczając ostatecznego materiału źródłowego do filmu, dziennikarz Malcolm Johnson dał reżyserowi Elii Kazanowi surowe towary i realizm, które zawsze starał się znaleźć.

Kazan był znany z prowokowania bójek i niepewności na swoich planach, zapalania lontu, który miał nadzieję, że będzie wybuchem w beczce prochu, gdy kamery zaczną się obracać. Terry Malloy (Marlon Brando w jednej ze swoich najtrwalszych ról) reprezentuje amerykańskiego robotnika który miał szansę na chwałę i chybił, oszukany przez swojego dwulicowego szefa mafii Johnny Friendly (Lee J. Cobb, największe zagrożenie na ekranie).

Ostatecznie film rzucił światło na korupcję tkwiącą w dokach Hoboken i dał kinom kawałek życia, którego nigdy nie można powtórzyć.

2 Lawrence z Arabii (1962)

Peter O'Toole jest wagi ciężkiej w filmowej tradycji i chociaż w jakiś sposób umknął przychylności Akademii i nie zdobył nagrody dla najlepszego aktora Lawrence z Arabii, jego portret T.E. Lawrence zdefiniował bohatera Hollywood. Chudy i wykształcony z wymową angielskiego uczonego, O’Toole zmienia Lawrence’a w genialnego kowboja arabskich piasków.

Epopeja Davida Leana z 1962 roku przedstawia tytułową postać brytyjskiego bohatera, który przyczynił się do dalszego sukcesu Union Jack na Półwyspie Arabskim podczas pierwszej wojny światowej. Nie był jednak zwykłym Johnem Waynem i właśnie tam O'Toole znalazł miejsce dla swoich pierwszorzędnych aktorskich kotletów. W filmie (świetnie nakręcony przez operatora Freddie Young) T.E. Lawrence jest pokazany jako pełen skrupułów wojownik, skonfliktowany przez jego gwałtowne i pokojowe wahania. Na rękawach beduińskiej szaty nosi swój pełen poczucia winy zespół stresu pourazowego, ale w klasycznym angielskim stylu jego własne zmartwienia nie powstrzymują go przed wypełnieniem jego obowiązku.

Lawrence O’Toole’a zmaga się ze swoimi obowiązkami, ale nigdy nie zostaje przez nie połknięty. Wyprodukowane dobrze po wydaniu Przeminęło z wiatrem, Lawrence z Arabii słusznie można uznać za rozszerzenie epopei Victora Fleminga, pokazujące Hollywood nieograniczony potencjał filmowej opowieści.

1 Mechaniczna pomarańcza (1971)

Przerobienie filmu Kubricka wymagałoby niesamowitej hucpy. Jak można by uzyskać dostęp do skrupulatnego, szczególnego podejścia słynnego reżysera do kręcenia filmów? Być może najbardziej nietykalnym wpisem w jego dorobku jest: Mechaniczna Pomarańcza, prawdziwa podróż po niestabilnej psychicznie alei, która zawiera jedną z najbardziej sadystycznych scen, jakie kiedykolwiek zostały ustawione na niewinne „Śpiewanie w deszczu”. Biedny Gene Kelly.

Alex (Malcolm McDowell) stoi na czele gangu młodych cockneyów związanych z Wielką Brytanią, którzy gwałcą i plądrują coraz bardziej rozbite społeczeństwo. Jest to niepokojący i szokujący film, który atakuje oczy, jednocześnie rzucając ciosy w nasze poczucie moralności i rozumu. Jeśli w filmie jest jakiś obraz, który najlepiej oddaje możliwości Kubricka, to bez wątpienia jest to scena w którym Alex ma mechanicznie otwarte oczy i na siłę karmione napastliwymi obrazami, które przebudowują jego… mózg.

Dzięki, Stanley.

-

Masz to! Jakie klasyczne filmy Twoim zdaniem powinny być wyłączone z hollywoodzkiego remake'u? Daj nam znać w komentarzach poniżej!

NastępnyX-Men: najlepsze historie na Halloween, ranking

O autorze