Os filmes mais subestimados de 2020

Aqui estão algumas das entradas de filmes mais subestimadas do ano de 2020. 2020 testemunhou lançamentos de blockbuster esparsos, embora correspondendo aos recordes de bilheteria (Vingadores Ultimato, Palhaço) de 2019 teria sido difícil, mesmo sem o início da pandemia.

Contudo, a queda sem precedentes na bilheteria devido ao cronograma de lançamento atrasado do filme mais esperado, era algo que ninguém havia previsto. As experiências de visualização de filmes, sem dúvida, mudaram para o reino digital, permitindo que certos empreendimentos independentes cheguem ao centro das atenções. No entanto, esse fenômeno inadvertidamente fez com que certas joias escondidas passassem despercebidas, concedendo-lhes o freqüentemente debatido status de “subestimado”.

Esses filmes acabam sendo esquecidos devido a uma infinidade de fatores, incluindo avaliação crítica incompreensível e esforços de marketing insuficientes. Aqui estão alguns dos filmes mais subestimados de 2020, desde os fervorosamente evocativos até os profundamente perturbadores.

12. O Outro Cordeiro

A estreia na língua inglesa de Małgorzata Szumowska, O outro cordeiro, narra a história de um culto religioso exclusivamente feminino liderado por um líder homem tóxico chamado The Shepherd (Michiel Huisman), que aproveita seu carisma para endossar normas de gênero regressivas e astutamente ocultas atos sádicos. Como a maioria dos cultos, o status quo entre líder e seguidor está enraizado na manipulação e no jogo de poder grosseiro, em que essa dinâmica levanta questões que valem a pena considerar. Como a vontade humana é naturalmente avessa a ser acorrentada, quais são as razões inerentes por trás de um coletivo se unir para se dedicar a um modo de vida tão degradante, prejudicial e desequilibrado?

As respostas não são simples, pois vários fatores psicossociais estão em jogo aqui, explorados em filmes proeminentes como O homem de vime e Midsommar. O outro cordeiro aborda essa premissa através das lentes de Selah (Raffey Cassidy), que cresce abrigando dúvidas sobre o líder, como seu punho de ferro de controle impede as mulheres de exercerem pensamentos independentes ou ações. O sistema de crença central de Selah se quebra quando ela começa a desvendar a verdade sombria por trás das maquinações do líder, dando lugar a uma aura de inquietação persistente. O outro cordeiro também mergulha no surreal através de suas sequências de sonho, os resultados finais são impressionantes de se ver. No entanto, o final parece abrupto, já que a narrativa poderia ter sido muito mais impactante, dada sua premissa pungente.

11. Horse Girl

Dirigido por Jeff Baena e co-escrito por Alison Brie, Horse Girl segue Sarah (Brie), uma mulher socialmente desajeitada e incerta, que parece abrigar perenemente uma profunda tristeza. Sarah leva uma vida tranquila por excelência enquanto trabalha em uma loja de artesanato e assiste a sua série de ficção científica favorita, Purgatório. No entanto, por baixo deste cenário pitoresco esconde algo verdadeiramente sinistro, pois, após alguns minutos de filme, torna-se claro que Sarah não é quem parece, já que as pessoas ao seu redor parecem especialmente cautelosas com ela, já que ela exibe sinais de que alguém perdeu o controle realidade.

A paranóia de Sarah é reproduzida em pistas visuais sutis, incluindo lapsos de memória inexplicáveis, falhas percebidas alimentadas pelo déjà vu na realidade e uma obsessão por sua ancestralidade. Isso culmina em terríveis estados de sonho lúcido, evocando questões Horse Girl luta para responder. A divisão entre a realidade e a ilusão torna-se tão grande no final, que a queda de Sarah na loucura é apresentado como um ponto final natural, uma trajetória destinada, que não pode ser influenciada, descarrilada ou alterado. No entanto, Alison BrieO desempenho de Sarah é uma prova de seu alcance, especialmente quando sua vulnerabilidade atinge um ponto crítico durante certas cenas intensas e perturbadoras.

10. A foto

Poucos filmes centrados no romance são capazes de criar uma história pela qual vale a pena torcer, em que os protagonistas compartilham uma centelha elétrica genuína que parece acidental por natureza. A história do jornalista Michael (LaKeith Stanfield) e da curadora do museu Mae (Issa Rae) reflete esse sentimento elusivo, no qual os dois se encontram depois que o primeiro se depara com o trabalho fotográfico da falecida mãe do último, enquanto pesquisava um história. A foto é uma saga de amor que se estende por décadas, que eclipsa as limitações de espaço e tempo.

A escritora e diretora Stella Meghie organiza a narrativa de uma forma que deixa o público ativamente querendo que os protagonistas fiquem juntos, já que a dupla parece mergulhada em uma química inebriante. O filme se desenvolve como um lindo sonho, pois explora arrependimentos, motivações e histórias do titular. personagens enquanto a pontua com outra história de amor entre Christina (Chanté Adams) e Isaac (Y’Lan Noel). Essa mudança constante de foco torna A foto dificultar seu ímpeto narrativo, apesar de criar vidas interiores ricas que contribuem muito para esses personagens cativantes. Visualmente, o filme é sublime, talvez até demais, pois empresta uma aura de artificialidade a um conto de outra forma autêntico.

9. Emma

A estreia na direção de Autumn de Wilde veio na forma de uma adaptação encantadora do romance homônimo de Jane Austen, Emma, um filme que ocupa o ponto ideal entre narrativamente realista e artisticamente estilizado. Emma (Anya Taylor-Joy) é uma rica e "bonita" jovem de 20 anos que, devido à sua vasta riqueza, não experimenta o compulsão social para se casar, mas em vez disso revela-se casamenteira - uma posição privilegiada para uma mulher na Regência período. O Sr. Knightley (Johnny Flynn) começa como um amigo de Emma, ​​e os dois gradualmente desenvolvem sentimentos por a outra, que chega a um ponto em que as emoções se tornam inegáveis, urgindo a necessidade de ser confessado.

Talvez a melhor coisa sobre Emma como uma adaptação de Austen é a forma como a nudez é abordada, apresentada como um aspecto natural do cotidiano dos personagens, ao invés de um meio de excitação. Ambos os personagens são feitos para chegar a um acordo direto com suas falhas inerentes, garantindo um fio de relacionamento, apesar de estarem em um período de tempo distante do presente. Além disso, os personagens de Harriet (Mia Goth), Miss Bates (Miranda Hart) e Mr. Woodhouse (Bill Nighy) adiciona um ar de leviandade a esta adaptação, imbuindo o filme de uma emoção profunda Centro.

8. The Vast Of Night

Algumas cidades carregam inerentemente um peso incômodo dentro de seus limites, um que é inexplicável, mas alarmante sempre presente. A cidade fictícia de Cayuga em The Vast of Night é um desses lugares, em que um DJ e uma operadora de mesa telefônica, a saber Fay (Sierra McCormick) e Everett (Jake Horowitz), respectivamente, tropeçam em um zumbido inquietante que a dupla decide tocar no ar. Esta decisão desencadeia eventos que ultrapassam o limiar do sobrenaturalmente estranho, construindo momentos sólidos e evocativos que dependem de pistas sonoras bem posicionadas. Diretor Andrew Patterson utiliza espaços abertos claustrofóbicos e ameaçadores alternadamente para criar um ritmo frenético, muito parecido com o zumbido inexplicável que parece ter ligações com operações secretas do governo. Esses elementos funcionam extremamente bem dentro da trama da narrativa, tornando The Vast of Night uma entrada sólida no gênero de ficção científica.

7. Cor Fora do Espaço

O diretor Richard Stanley é mais conhecido por seus clássicos cult Hardware e Dust Devil, filmes que são uma mistura infernal de fantasia cultural e inclinações pessoais. Baseado em H. P. Trabalho homônimo de Lovecraft, Stanley Cor Fora do Espaço consegue capturar o medo inexplicável que permeia o gênero de terror cósmico, com a ajuda de tons de outro mundo e um cenário em uma fazenda pitoresca de propriedade dos Gardners, que se mudam para cá para escapar do trabalho enfadonho de a cidade. O filme começa com a Wiccan Lavinia (Madeleine Arthur) realizando um ritual de cura para sua mãe Theresa (Joely Richardson), que parece estar se recuperando gradativamente do câncer. Seu pai Nathan (Nicholas Cage) dedica-se à agricultura com muito gosto, fazendo o possível para se ajustar à existência rural, criando e cultivando alpacas produzir, enquanto cuida de seus três filhos, ou seja, Lavinia, Benny e Jack, que lutam para se ajustar à sua nova forma de vida.

A vida na cidade fictícia de Arkham parece estranha até que um fragmento de meteoro pousa no jardim da frente de Gardner, emitindo um brilho rosa púrpura. Ocorrências estranhas se seguiram, incluindo a contaminação do abastecimento de água local e as alpacas produzindo sangue em vez de leite. As mutações da paisagem, junto com os seres vivos que a habitam, se aceleram, levando a uma segunda metade frenética que culmina em pura loucura e horror. Cor Fora do Espaço é uma experiência cinematográfica como nenhuma outra, armada com uma poesia visual de tirar o fôlego e uma atmosfera Lovecraftiana assustadora que goteja com humor alucinógeno, e algo muito mais sinistro.

6. Engolir

No Engolir, Hunter Conrad (Haley Bennett) parece levar uma vida de casado feliz em certo sentido, como seu marido Richie (Austin Stowell) é bonito e bem-sucedido, garantindo a ela conforto material na forma de uma casa luxuosa e uma luxuosa estilo de vida. Hunter é lembrado uma e outra vez por aqueles ao seu redor, que a vida é boa, mesmo que ela pareça distante durante as conversas e irrevogavelmente alienada de seu entorno.

Depois de engravidar, Hunter se encontra em uma crise existencial, durante a qual ela olha uma bola de gude vermelha em sua mão e a engole. Para Hunter, o efeito é agradável, viciante, levando a uma necessidade sem fim de consumir objetos, incluindo um dedal, uma peça de xadrez e um fragmento de uma estatueta. Um horror doméstico como nenhum outro, Carlo Mirabella-Davis ' Engolir é uma odisséia sobre um certo senso de empoderamento que surge da perda de controle total. Desnecessário dizer, Engolir termina com uma nota que é jarring, embora esteja implícito que Hunter recupera o controle sobre seu corpo e encontra a estabilidade recém-descoberta.

5. O assistente

O assistente define sua premissa no tópico assustador de abuso e assédio no local de trabalho, ao revelar os horrores que emergem do mundano, em oposição ao sobrenatural. Jane (Julia Garner) é uma ambiciosa pós-graduada que trabalha como assistente júnior de um magnata do entretenimento em Nova York. Embora isso pareça promissor, as coisas tomam um rumo mais sombrio quando ela tem que passar por uma intensa humilhação para apaziguar seu chefe, uma figura de predador que nunca aparece na tela. Jane luta contra o tormento angustiante dia após dia, exacerbado pela obediência implacável e pelo silêncio de seus colegas de trabalho, que estão presentes apenas para zombar de sua agonia. O assistente reflete a toxicidade inerente à maioria das culturas de trabalho corporativas, nas quais o assédio e a passivo-agressividade disfarçada são produtos básicos do dia a dia, que continuam a prosperar devido a uma subserviência silenciosa aos sistemas capitalistas e poder abusivo dinâmica.

4. Educação Ruim

Baseado na história verídica do mentiroso compulsivo e mestre manipulador Frank Tassone, Corey Finley's Educação Ruim é uma lição sobre as armadilhas da arrogância, que eventualmente culmina em tragédia. O filme segue Tassone (Hugh Jackman), que conseguiu reformar o sistema educacional no distrito escolar de Roslyn, em Long Island, com a ajuda da mão direita de confiança Pam Gluckin (Allison Janney). Logo, a escola pública se orgulha de altas pontuações no SAT e taxas de aceitação da Ivy League, com Tassone ajudando os alunos em todas as frentes de educação. Enquanto Tassone se prepara para empurrar Roslyn para o primeiro lugar no país com um projeto de US $ 8 milhões, a jornalista Rachel Bhargava (Geraldine Viswanathan) é encorajado por ele a cavar mais fundo - um ato de arrogância que leva a seu eventual queda.

Educação Ruim aborda os dilemas morais da narrativa com nuances surpreendentes, especialmente por meio os retratos dos personagens de Tassone e Gluckin, que se sentem com direito ao luxo por seu serviço público aparentemente sincero. Assim que o escândalo é descoberto, Tassone tece uma teia de mentiras, chantagem e manipulação, interpretada com perfeição por Jackman, sem dúvida sendo seu papel dramático mais magistral até agora. O filme termina com uma nota catártica, entregando a perfeição narrativa do início ao fim.

3. Bacurau

Kleber Mendonça Filho e Juliano Dornelles ' Bacurau se passa em um futuro próximo, em que os moradores de Bacurau enfrentam violenta ameaça após a morte da matriarca da aldeia, Carmelita. Eventos incomuns ocorrem em meio a uma disputa sobre os direitos da água, incluindo assassinatos inexplicáveis, drones em forma de OVNIs perseguindo viajantes e assentamentos inteiros desaparecendo dos mapas online. Elementos de assimilação de um ocidental e ficção científica distópica, Bacurau investiga as dobras da história, poder, colonialismo e vigilância, enquanto evoca visuais que são aterrorizantes e absurdos. A segunda metade do filme está encharcada de sangue e ultraviolência e mostra a capacidade das comunidades marginalizadas de se defenderem quando provocadas. Bacurau se desenrola como um sonho febril vertiginoso enquanto armado com uma série de personagens memoráveis ​​que desempenham seus papéis individuais com convicção surpreendente.

2. Nariz ensanguentado, bolsos vazios

Fixado em The Roaring 20s, um bar de mergulho em Las Vegas que atrai todos os tipos de almas excêntricas, Bill e Turner Ross’s Nariz ensanguentado, bolsos vazios amplia este ecossistema social movido a álcool que emerge como um mundo em seu próprio direito. Um senso de poesia permeia o bar - o tipo que é mal cuidado e áspero nas bordas - enquanto o público testemunha os frequentadores do bar assistindo The Misfits na TV e um barman fazendo uma interpretação acústica impressionante de “Crying” de Roy Orbison. A razão titular porque Nariz ensanguentado, bolsos vazios é tão fascinante deve-se ao fato de que os bebedores na tela são de fato improvisado, tendo sido fornecida uma premissa fictícia abrangente.

O barfly regular Martin (Michael Martin) está sempre ansioso para transmitir sabedoria, enquanto ocasionalmente mergulha na autodepreciação quando se refere a si mesmo como um ator fracassado. Uma série de eventos dramáticos acontecem ao longo de uma única noite, incluindo uma overdose acidental de ácido e uma mulher idosa mostrando-se bêbada. Nariz ensanguentado, bolsos vazios insiste no sentimento de camaradagem silenciosa, muitas vezes alimentada pelo alcoolismo em nível comunitário, que muitas vezes dá lugar ao absurdo e se desenrola como um devaneio bêbado, seguido por uma ressaca que parece rude despertar.

1. Nunca, raramente, às vezes, sempre

Eliza Hottman's Nunca, raramente, às vezes, sempre pode ser classificado como cinema poético puro, centrado em um retrato da amizade feminina na forma de bildungsroman, que sai como dolorosamente sincero e honesto. Autumn (Sidney Flanigan), de 17 anos, fica grávida, descobrindo que não pode fazer um aborto em sua cidade natal na Pensilvânia sem o consentimento dos pais, o que a estimula a confiar em sua prima Skylar (Talia Ryder), que concorda em acompanhá-la a Nova York. Uma vez lá, o brilho do filme realmente começa a se desenvolver, quando vemos Autumn respondendo a uma série de perguntas de um conselheiro, cujas respostas são pesadas e comoventes.

A solidão vazia toma conta de Autumn, especialmente quando ela é ridicularizada pelo público no concurso de talentos de sua escola, no qual ela interpreta Exciters ' Ele tem o poder em forma de balada triste. Além disso, o vínculo compartilhado por Autumn e Skylar é gravado em paletas emocionais tão lindamente realizadas, que é obrigado a comover o público, devido à sua natureza sagradamente íntima. A cinematografia em Nunca, raramente, às vezes, sempre é de tirar o fôlego, devido ao trabalho intuitivo da cineasta francesa Hélène Louvart. Contudo, Nunca, raramente, às vezes, sempre é um poderoso lembrete da misoginia casual e da brutal agressividade passiva enfrentada pelas mulheres no dia a dia, considerando-o o filme mais subestimado e mais atraente do ano.

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