10 filmes clássicos que Hollywood nunca deveria refazer
Refazer um filme clássico é como colocar seu filho para adoção. Você só deve fazer isso se precisar de muito dinheiro e, mesmo assim, é uma tragédia. Esperamos que o sarcasmo aqui seja evidente, assim como a ganância dos estúdios modernos quando se trata de sacrificar nossas memórias cinematográficas em favor do dólar todo-poderoso.
Você cuspiria em um Van Gogh? Editar Faulkner? Tame Tchaikovsky? Se sua resposta for qualquer coisa, menos um sonoro "NÃO", ore por perdão. Lembre-se: fazer as mudanças mais sutis no tom de pele de Yoda no remasterizado Guerra das Estrelas coleção fez de George Lucas um pária, então deixe isso ser um aviso para Hollywood: você permanece relevante e essencial para a cultura e a política por causa de sua criatividade. Continue a extrair esse recurso e resista à tentação de reformar o solo sagrado. É do seu interesse deixar as verdadeiras joias da história cinematográfica para a Criterion Collection, The Smithsonian e o U.S. National Film Registry
Nós já cobrimos
E o vento levou (1936)
A adaptação do romance de 1936 de Margaret Mitchell exigiu um nível de dedicação e grandiosidade que Hollywood nunca experimentou. De muitas maneiras, Victor Fleming'sE o Vento Levou tornou-se o padrão ouro para o filme épico. Não deixando pedra sobre pedra com sua visão abrangente do sul antebellum em sua primeira metade, e a destruição total de As lutas internas da América e as tentativas de reconstrução na segunda, o filme de 1939 deixa uma impressão que é difícil de sacudir.
Vivien Leigh, Clark Gable e Hattie McDaniel fizeram algumas das atuações mais memoráveis de seus tempo, enchendo a tela com fortes contrastes de emoção mercurial, masculinidade dos velhos tempos e ironia humor. Acompanhado pela onda de sucesso de Max Steiner, E o Vento Levou disparado em todos os cilindros. Poderia ser refeito hoje? Apenas no nome.
8 Casablanca (1942)
Três anos após o sucesso de E o Vento Levou, o sistema de estúdio de Hollywood funcionou junto com sua produção mercantil de filmes. Eles tinham uma fórmula que funcionava. Quando Casablanca desceu o pique como uma adaptação da peça não produzida, Todo mundo vem para o Rick's, foi colocado na via rápida de produção para capturar o zeitgeist da Segunda Guerra Mundial durante a invasão Aliada do Norte da África.
O lançamento do filme foi brilhantemente cronometrado, e embora Casablanca teve ótimos retornos de bilheteria e uma reação positiva da imprensa, prendeu a atenção do público bem depois de sua estreia inicial. Graças a um roteiro transcendente que oferece falas memoráveis para cada cena do filme, o drama de guerra do diretor Michael Curtiz continua sendo um dos filmes mais românticos já criados. Humphrey Bogart e Ingrid Bergman queimam a tela. As imagens, a música e o tom são quase como um sonho, e toda vez que você termina de assistir Casablanca, você deseja reproduzi-lo novamente.
7 Cidadão Kane (1941)
Orson Welles tinha apenas 26 anos quando dirigiu Cidadão Kane, derramando maturidade e seriedade ao filme que poucos diretores conseguiram desde então. Um homem fervoroso do teatro, Welles passou seus 20 anos se dedicando ao palco, apesar dos avanços financeiros de Hollywood. Quando seus esforços teatrais o deixaram sem dinheiro, ele voou para Los Angeles e, depois de uma turnê pelos estúdios da RKO, assinou um contrato para duas filmagens com seus executivos.
Certamente, Welles possuía as qualidades sociais da marca Clooney, já que o diretor de cinema estreante saiu com um orçamento, autonomia desenfreada de roteiro e, o padrão-ouro do poder de direção, os direitos de corte final no sala de edição. Em essência, as mentes brilhantes da RKO confiaram em meados dos anos 20 artista com as chaves do reino.
Muitas vezes pregando peças no estúdio e trabalhando sem parar, ele fez o filme exatamente como o imaginou. Não é só Cidadão Kane um ícone duradouro da Hollywood vintage, deve ser apresentado como prova de que grandes diretores merecem controle criativo completo. Se, para cada dez tentativas abortadas de grandeza, o público recebe uma Cidadão Kane, então a aposta do "Ditador Diretor" vence a burocracia do estúdio no longo prazo.
É uma vida maravilhosa (1946)
Embora seja frequentemente lembrado como um filme de Natal, o comovente filme de Frank Capra de 1946 é um drama de partir o coração vestido de Papai Noel. Pensamentos de suicídio, do tipo que George Bailey (James Stewart) experimenta, não são motivo de riso. Talvez seja por isso que os melhores momentos do filme nos lembram que realmente vivemos uma vida maravilhosa.
É o tipo de filme que dá vontade de abraçar sua família e desacelerar as coisas por um minuto. O vilão desprezível, Sr. Potter (Lionel Barrymore), faz sua pele arrepiar com sua crueldade egoísta, quase fornecendo um chamado à ação contra nossa tendência social para a ganância.
É uma vida maravilhosatem seus momentos de horror, especialmente quando George Bailey vê como seria a vida sem ele. Capra dirige essas sequências com uma qualidade de pesadelo que assombra tão prontamente quanto as cenas de reconciliação são queridas. Elogios suficientes não podem ser dados a Jimmy Stewart por esta performance, e somente por essa razão, o filme deve permanecer completamente intocável.
6 Cool Hand Luke (1967)
“O que temos aqui é a falta de comunicação! ” Assim fala o capitão sadomasoquista (Strother Martin) em Cool Hand Luke, ilustrando exatamente a diferença entre os homens fracos de sua laia e o espírito indomável de homens como Lucas “Luke” Jackson (Paul Newman). Donn Pearce e Frank R. Pierson escreveu um roteiro hermético que ofereceu a Newman sua performance tour de force em uma bandeja de prata.
Cool Hand Luke nunca pode ser reiterado porque o filme é definido por seu ator principal. Esse tipo de arrogância presunçosa e depressão profunda tornavam o Newman de olhos azuis uma espécie de paradoxo. Ele tirou aquele coquetel dramático em The Hustler, apenas seis anos antes, e ele aperfeiçoou seu ofício desde então. No filme, Newman interpreta um veterano da Guerra da Coréia que incita a turba e é fisgado por uma gangue por decapitar parquímetros embriagados.
As coisas parecem sombrias para Luke, mas enquanto cumpre a pena, ele redescobre sua tenacidade e, por meio de uma série de julgamentos no pátio da prisão, torna-se o homem mais respeitado da prisão. Sem surpresa, Cool Hand Luke tornou-se um dos filmes mais respeitados da história.
5 O Poderoso Chefão (1972)
Quem refizer o clássico de Francis Ford Coppola com certeza será o anticristo. Qualquer tentativa de reimaginar o épico de Corleone seria um insulto vivo ao cinema, a Brando, Pacino, de Niro, Duvall, Cazale e os inúmeros outros artistas que pegaram o livro de Mario Puzo e o transformaram em um pedaço de puro poesia.
Como começar a descrever a magnificência do clássico de 1972? O bardo cego não precisava descrever muito Helena de Tróia. Ela era simplesmente perfeita. O padrinho tem resmas de literatura dedicada a ele e, apesar da dissecação nauseante do épico gangster pelo mundo do cinema, as conversas nunca cessarão.
Temas de respeito, honra e família estão profundamente enraizados na trilogia de Coppola, e enquanto muitos dos Corleones têm sangue nas mãos, eles se tornaram queridos do público com sua paixão e fervor por vida. Os valores de produção são transcendentes, e os contrastes entre personagens como Michael e Sonny Corleone tornam o filme verdadeiramente vibrante.
4 The Graduate (1967)
"Sra. Robinson, você está tentando me seduzir. Não é? ” Mike Nichols preenche seu segundo filme com referências fálicas e imagens suficientes para justificar uma classificação R, mas sua astúcia de direção e classe geraram um PG amigável para os pais. O graduado tornou-se o esteio das carreiras de Nichols e Dustin Hoffman, com aquela corrente de inquietação sexual e crises de identidade que encapsulou a era.
Claro, vendo Benjamin Braddock (Hoffman) dormir com a eminentemente sedutora Sra. Robinson (Anne Bancroft) provou ser controverso para a época, mas deu ao público uma das histórias de amadurecimento mais engraçadas e envolventes que foram filmadas. Ocorrendo na década de 1960, quando a família nuclear americana tinha muito menos fissão do que a bomba atômica, Nichols 'atacou a cultura (“plásticos”) Era avançado, impecável e inimitável.
3 On The Waterfront (1954)
À beira-mar foi baseado em um punhado de artigos publicados em 1949 que expôs a brutalidade e as lutas internas entre estivadores de Nova Jersey, tornando o filme uma oportunidade única na vida. Fornecendo a melhor fonte de material para um filme, o jornalista Malcolm Johnson deu ao diretor Elia Kazan o tipo de matéria-prima e realismo que ele sempre se esforçou para encontrar.
Kazan era famoso por provocar brigas e inseguranças em seus sets, acendendo o pavio para o que ele esperava que fosse uma explosão de barril de pólvora assim que as câmeras começassem a rodar. Terry Malloy (Marlon Brando em um de seus papéis mais duradouros) representa o operário americano que teve uma chance de glória e errou, levado à degradação por seu dúbio chefe da máfia Johnny Friendly (Lee J. Cobb, a ameaça definitiva na tela).
No final das contas, o filme lançou um holofote sobre a corrupção embutida nas Docas de Hoboken e deu aos espectadores uma fatia da vida que nunca pode ser reproduzida.
2 Lawrence da Arábia (1962)
Peter O'Toole é um peso-pesado na tradição do cinema e, embora de alguma forma escapou aos favores da Academia e não conseguiu ganhar o Melhor Ator por Lawrence da Arábia, seu retrato de T.E. Lawrence definiu o herói de Hollywood. Magro e educado com a enunciação de um estudioso inglês, O’Toole transforma Lawrence em um cowboy brilhante das areias árabes.
O épico de 1962 de David Lean retrata seu personagem homônimo como um herói britânico que ajudou a promover o sucesso de Union Jack na Península Arábica durante a Primeira Guerra Mundial. Ele não era um John Wayne normal, no entanto, e foi aí que O’Toole encontrou espaço para suas habilidades de atuação de primeira linha. No filme (brilhantemente filmado pelo diretor de fotografia Freddie Young), T.E. Lawrence é mostrado como um guerreiro cheio de remorso, em conflito com suas vacilações violentas e pacíficas. Ele usa seu PTSD cheio de culpa em suas mangas de robe beduíno, mas no clássico estilo inglês, suas próprias preocupações não o impedem de cumprir seu dever.
Lawrence de O'Toole luta com suas responsabilidades, mas nunca é engolido por elas. Produzido bem após o lançamento de E o Vento Levou, Lawrence da Arábia pode ser considerado, com justiça, uma extensão do épico de Victor Fleming, mostrando a Hollywood o potencial ilimitado da narrativa cinematográfica.
1 A Clockwork Orange (1971)
Refazer um filme de Kubrick exigiria uma ousadia incrível. Como alguém começaria a acessar a abordagem meticulosamente particular do famoso diretor para a produção de filmes? Talvez a entrada mais intocável em sua obra seja Laranja mecânica, uma verdadeira viagem mentalmente instável que inclui uma das cenas mais sádicas já definidas para o inocente "Cantando na chuva". Pobre Gene Kelly.
Alex (Malcolm McDowell) lidera a gangue de jovens cockney com destino à Grã-Bretanha que estupra e pilha seu caminho em uma sociedade cada vez mais destruída. É um filme perturbador e chocante que agride os olhos enquanto dá um soco no estômago ao nosso senso de moralidade e razão. Se há alguma imagem no filme que melhor captura as capacidades de Kubrick, é, sem dúvida, a cena em que Alex tem seus olhos abertos mecanicamente e alimentados à força com imagens agressivas que reconfiguram seu cérebro.
Obrigado, Stanley.
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