10 visuella varumärken för 10 kända regissörer

Under hela biografhistorien har stora filmskapare etablerat sina signaturstilar, så mycket att deras verk omedelbart känns igen för fans och ännu mer avslappnade filmbesökare. För vissa regissörer är deras skrivteknik, tematiska material och val av rollbesättning det som gör att deras arbete sticker ut från sina kamraters.

Men ofta har stora regissörer vissa visuella varumärken som de använder om och om igen under hela sin karriär, vilket ger deras filmer en unik visuell stämpel som gör att publiken omedelbart kan identifiera sig deras filmer. Dessa innefattar val som sträcker sig från kamerarörelser och bildkomposition till deras val av själva filmbeståndet.

10 Spike Lee - The Dolly Shot

Direktör Spike Lee har arbetat i flera genrer under hela sin karriär, från romantiska komedier och krigsdramer till dokumentärer. Men vad varje Spike Lee-film har gemensamt är att en karaktär, åtminstone en gång i alla hans filmer, står på en rörlig docka och tittar direkt förbi kameran när han dras fram. Detta skapar en surrealistisk effekt där karaktären ser ut att sväva över marken.

Spike Lees filmer har alla en hemmagjord kvalitet som är en del av deras charm, och detta varumärke är ett perfekt exempel på Lees signaturstil i action.

9 Akira Kurosawa - The Wipe Effect

Den legendariska japanska filmskaparen Akira Kurosawa var en pionjär med "torka effekten", en övergång mellan bilder. Till skillnad från en traditionell klippning är wipe-effekten när en stapel rör sig över skärmen och döljer den första bilden genom att avslöja den andra. Naturligtvis använde Kurosawa också standardsnitt och upplösningar, men denna övergång blev ett varumärke för honom under hela hans karriär.

Det användes senare i Hollywood-filmer, mest känt i Star Wars Episod IV: A New Hope. George Lucas har länge citerat Kurosawa som det huvudsakliga inflytandet på honom, och så är det naturligt att hans wipe-effektövergångar inspirerades av Kurosawa.

8 Wes Anderson - Slow Motion Tracking Shots inställd på popmusik

Wes Anderson är en av amerikanska biografer mest distinkta visuella stylister. Det finns många exempel på hans karaktäristiska slowmotion-spårningsbilder. De ackompanjeras ofta av populära ljudspår för att lägga till en filmisk stil till viktiga känslomässiga ögonblick i hans filmer.

Scenerna har ofta en drömlik kvalitet till sig, och de låter också publiken ta in det fullt ut utarbetad produktionsdesign, ett annat visuellt varumärke för hans filmer som han har blivit känd för år.

7 Alfonso Cuaron - Utvecklade långa tag

Mexikansk filmskaparen Alfonso Cuaron är inte den enda regissören som är känd för sina långa spårningsbilder, men han tar den här teknikens sofistikerade och komplexa till nya höjder. 2006-talet Barn av män innehåller två extremt utarbetade single-take-sekvenser, en i en bil och en som följer hjältekaraktären genom en krigszon.

Det kanske mest imponerande är dock öppningen av 2013 Allvar, som består av en 12 minuter lång take som bär hela första akten av filmen fram tills handlingen börjar.

6 Stanley Kubrick - Symmetrisk komposition

Stanley Kubrick har gjort några av de mest ikoniska filmerna av det senare 1900-talet. Den lysande innehåller de flesta exemplen på symmetrisk skottkomposition, dvs ett tema i filmen handlar om speglar och reflektioner (dvs "Redrum" är "Mord" stavat baklänges).

Men det finns många exempel på symmetri i kompositionen genom hela hans filmografi, inklusive 2001: A Space Odyssey, Full Metal Jacket, och En Clockwork Orange. Kubrick är en av de mest noggranna visuella stylisterna som någonsin regisserat filmer, så hans symmetriska scenografi och skottkomposition gör att hans verk omedelbart känns igen.

5 David Lynch - Rörliga föremål

Det finns ingen filmskapare mer unik än David Lynch, vars filmer ofta har en kuslig, drömlik kvalitet som skapas av hans visuella och hörbara varumärken. En av enheterna han använder för att skapa denna surrealistiska, desorienterande upplevelse är en cutaway eller en närbild på ett slumpmässigt livlöst rörligt föremål.

Objektet är ofta oväsentligt för handlingen, men dessa bilder lägger till sensoriska element som hjälper till att skapa Lynchs karaktäristiska mardrömslika stämning. Det mest anmärkningsvärda exemplet på detta är takfläkten i Tvillingtoppar, som är framträdande med i sju avsnitt av showen. Sprinklersystemet i den läskiga öppningen av Blå sammet är ett annat minnesvärt exempel, liksom det olycksbådande klocktornet i Elefantmannen.

4 Martin Scorsese - Den rörliga kameran

En annan regissör som har arbetat i otaliga genrer genom åren är Martin Scorsese. Oavsett vilken genre han arbetar i, tenderar hans filmer att ha en kinetisk kvalitet till dem, som definieras av skakande redigeringar under lång tid samarbetspartner Thelma Schoonmaker, samt en kamera som är nästan konstant i rörelse, inklusive svepande kamerarörelser som landar på en karaktärs ansikte.

I Irländaren, en scen så enkel som att Pacinos Jimmy Hoffa vittnade inför senaten involverade ett svepande kranskott. Hans andra mobbfilmer använder den här tekniken ganska mycket, men han använder också en kamera som rör sig hela tiden i sitt kostymdrama från 1993, De Oskuldens tidsålder.

3 Steve McQueen - Long, Still Camera Takes

Att spåra bilder och rörliga kameror är imponerande, men det kan också finnas stor kraft i en stillbildskamera som tar en lång, oavbruten tagning. Detta skapar en voyeuristisk kvalitet som filmare Steve McQueen har bemästrat genom åren. I 2011 års förödande drama, Skam, en stillbildskamera fångar en besvärlig första dejt i realtid, såväl som en av filmens många realistiska kärleksscener, vilket gav filmen ett NC-17 betyg.

I sin Oscarsbelönta 12 år en slav, McQueen använder denna effekt till en plågsam effekt när Solomon Northup hängs i en lågt hängande trädgren och måste stå på tårna för att inte kvävas ihjäl. Skottet är 90 sekunder långt, men det känns som en evighet.

2 Lars Von Trier - Handheld Camerawork

Regissören Lars Von Trier är känd för att skapa kontroverser med sina filmer, som ofta orubbligt behandlar mycket upprörande ämne. En del av det som gör hans filmer så provocerande är att de ofta spelas in med en handhållen kamera i dokumentärstil tekniker, som ger hans filmer en kusligt realistisk känsla, trots att vissa av dem är surrealistiska i sin innehåll.

Von Trier döpte denna filmstil till "Dogme 95", som han skapade tillsammans med den danska auteuren Thomas Vinterburg. "95" hänvisar till år 1995 när Von Trier tillkännagav denna nya stil av filmskapande vid ett hundraårsjubileum av filmer i Paris.

1 Oliver Stone - Flera filmlager, linser och färgpaletter

En annan filmskapare som inte är främmande för kontroverser är Oliver Stone. Hans filmer är också genomsyrade av en kinetisk, ibland till och med frenetisk och kaotisk, kvalitet. Han uppnår denna stil genom att ofta experimentera med olika filmlager och/eller färgpaletter i samma film. I Natural Born Killers, han kombinerar 8 mm, 16 mm och 35 mm filmmaterial, såväl som celluloid och video, för att skapa collageliknande effekter från filmens början till slut.

Han använder också olika filmbestånd genomgående JFK och Nixon och kombinerar svartvitt och färgpaletter i U-sväng. På 2012-talet Vildar, han ändrar inte bara färgpaletter utan inkluderar även bilder från webbkamera och mobiltelefon.

Nästa20 skådespelare som INTE ville kyssa sina medstjärnor

Om författaren